Getreu dem Motto „The End Is Near“ sucht das FIND 2026 an der Schaubühne Berlin einen Umgang mit dem Realismus der Entfremdung. Geladene internationale Dramen hinterfragen unterdrückende Strukturen, die teils auf Patriarchat, Kolonialismus, Theologie fußen. „Artist in Focus“ ist die britische Regisseurin Katie Mitchell.

Nationalstolz als Identitätsbestimmung

Moderne Gesellschaften entfremden sich immer mehr von ihrer Umwelt. Mitmenschen, Beziehungen und Arbeit unterliegen zunehmend den strukturellen Zwängen des Kapitalismus. Der Mensch bleibt dabei wie eine verlorene Hülle zurück. Zwanghaft versucht er sich an altbekannten Mustern festzuhalten, um sich Identität und Macht in den Körper einzuschreiben. Ganz vorne dabei ist der Nationalstolz.

Performer Clayton macht in „Macacos“ seinen Körper zur Bühne

In seiner Lecture Performance „Macacos“ nimmt der Performer Clayton Nasciemnto die vermeintliche Identitätsbestimmung des Nationalstolzes unter die Lupe und reist mit ihr durch die rassistisch geprägte Geschichte Brasiliens. Ausgehend vom brasilianischen Fußball, der bis in die 1950er Jahre als Elitesport für Weiße galt, ruft er in den leeren Bühnenraum „Macacos. Macacos. Macacos.“

Bei diesen Worten zittert Nasciementos leicht bekleideter Körper. Sie sind wie Stiche, die seinen Körper treffen und durchfahren.

Der portugiesische Ausdruck „Macacos“ bedeutet „Affe“ und ist in Brasilien strafbar. Rassistische Fußball-Fans, vor allem die Fans der brasilianischen Nationalmannschaft, und Spieler diffamieren mit diesem Ausdruck schwarze Spieler.

Brasiliens Geschichte ist geprägt von Rassismus

Weiter reist Nasciementos Körper mit seiner Stimme in die Zeit zurück, in der schwarze Menschen in den Favelas von der brasilianischen Militärpolizei systematisch ermordet wurden. Sein Körper dient als Erweiterung für seine Worte, Aussagen und Rufe. Er verdeutlicht dadurch wie tief sich rassistische Ressentiments in den Körper einschreiben und Traumata verursachen.

Ressentiments schreiben sich in Kinder-Körper ein

Die katastrophalen Auswirkungen traumatischer Ereignisse erleben wir bei FIND 2026 im norwegischen Gastspiel „11 ÅR“ von den Künstlern Toril Goksøyr und Camila Martens. Hier blickt das Publikum auf einen belebten Schulhof. Es ist große Pause.

Ein elfjähriges Mädchen klettert, andere beschäftigen sich mit ihren Smartphones, spielen oder tanzen. Und das Tag um Tag. Pause um Pause. Doch plötzlich ist die junge Kletterin nicht mehr da. Sie hat Suizid begangen. Was ist passiert?

Obwohl das Publikum die Szenen verfolgt und die Soundkulisse über Kopfhörer intensiv mithört, lässt sich nur über die Atmosphäre erahnen, dass sich das Mädchen aufgrund von Mobbing zum Suizid entschieden hat. Ihre Familie und ihr Umfeld sind sprachlos und ringen um Aufklärung.

Jungfrau Maria ist schuld an der Unterdrückung von Frauen

Ebenfalls um Aufklärung bemüht, greift die brasilianische Künstlerin Janaina Leite in ihrer Performance „Stabat Mater“ zu drastischen und unkonventionellen Mitteln, um die Ursachen für die Unterdrückung von Frauen zu ergründen. Sie ließ sich dabei von der Psychoanalytikerin Julia Kristeva und ihrem Essay „Stabat Mater“ inspirieren.

In Obhut ihrer Mutter beschwört Leite gemeinsam mit einem Pornodarsteller das Motiv von der Jungfrau Maria herauf. Sie erzeugt Bilder von Weiblichkeit, um die Beziehung zwischen Frauen und Männern zu untersuchen.

Dabei konzentriert sie sich auf die weibliche Lust und das Empfinden von Schmerz. Sie möchte das Paradox der Jungfrau Maria herausarbeiten. Eine Frau, die ohne Lust zu sein scheint, eine Heilige ohne Sünde, die dennoch ein uneheliches Kind gebar.

Artifizielles Potpourri Post-FIND 2026 in der Schaubühne

Das FIND 2026 ist nur noch bis Ende April erlebbar. Einige Arbeiten des Festivals sind jedoch ins Repertoire des Hauses übergegangen und können weiterhin gesehen werden.

FIND 2026 (16. April – 26. April 2026) | Schaubühne Berlin | ticket@schaubuehne.de

Postmigrantische Frauen als stummes Uhrwerk der Arbeit

Die Uhr steht. Sie lässt den Zeiger immer wieder an der gleichen Stelle aufschlagen, um ihr Herz (das Uhrwerk) in rhythmischen Tönen in den schwach-beleuchteten Theatersaal zu tragen. Dennoch wirkt die geschaffene Szenerie kalt. Und als der Vorhang aufgeht, steht die Frage im Raum, wo befinden wir uns?

Erziehungsanstalt? Hof? Wartesaal? Pflegeeinrichtung? Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 in Berlin-Kreuzberg hat eine lange Geschichte hinter sich. So scheint es wenig verwunderlich, dass der siebte Berliner Herbstsalon sich dieses postmigrantische Monument als Ausgangspunkt nimmt, um über Frauen aus der Arbeiterklasse zu sprechen. Jene „(…) schöne, gebildete, würdevolle, junge Frauen der ersten Generation von Einwanderinnen (…) die sich mit Arbeit unabhängig machte(n), sich emanzipierte(n) und dabei andere Frauen unterstützte(n).“, wie Langhoff es ausdrückt.

In Ersan Mondtags Inszenierung „das Rote Haus“ treffen wir auf vier dieser Frauen, Canan, Keriman, Saadet, Yüksel. Alle vier sind ihrem Traum von Unabhängigkeit gefolgt. Sie kamen nach Berlin, nahmen eine Anstellung bei dem Elektronikunternehmen Telefunken an und zogen dafür in das firmeneigene Wohnheim, das Rote Haus.

Angekommen in dem Gebäude, warten die nun gealterten Frauen. Nacheinander und im Loop gefangen fragen sie, „Sind Sie meine Enkelin?“. Teilweise schon genervt, schauen die betroffenen, jungen, rauchenden Pflegekräfte (Arbeiterinnen) von ihrem Smartphone auf. Sie wollten eine Auszeit auf dem Hof nehmen. Widerwillig gehen sie auf die suchende, gealterte Frau zu, nehmen sie an die Hand. Eine Symbiose entsteht.

Superfrauen werden zu biografischen Blitzlichtern des Roten Hauses

Es beginnt eine biografische Rückblende in schwarz-weißen Pop-Art. Ein Cartoon, der sich mit den Schattenbildern von gealterten Ich und Alter Ego erweitert. Die Frauen, Canan, Keriman, Saadet und Yüksel werden in ihrer Blende wie Superheldinnen vorgestellt; so bekommt Yüksel den Beinamen, die Resolute.

Ihre Geschichten wirken wie historische Blitzlichter des Roten Hauses, weil sie kurze biografischen Sequenzen sind; die zu dicht, zu komplex und zu schnell abgehandelt werden. Letztendlich bleibt nichts von den Geschichten der Frauen im Gedächtnis haften.

„Kill Your Darlings!“ für glänzende Superfrauen

Die biografischen Sequenzen haben eine Zeitverschiebung herbeigeführt, sodass das junge Alter Ego in einem Mehrbettzimmer aufwacht. Es sind die 60er. Eine Zeit, in der die Frauen bei Telefunken angestellt waren. Im Wechselspiel und durch die Zeit reisend, erscheinen Alter Ego und gealtertes Ich; dabei nimmt das gealterte Ich in erster Linie eine kommentierende Rolle ein. Wirklich mehr erfahren wir von den Superfrauen nicht. Die Geschichte des Hauses rückt in den Vordergrund.

Ersan Mondtag und sein Inszenierungsteam hätten sich einen Gefallen getan, wenn sie die Worte und die Geschichten der Frauen in den Fokus gestellt hätten. Wie René Pollesch es einst sagte, Kill Your Darlings!“; weniger ist oft mehr.

ЯE:IMAGINE – The Red House ist bis zum 30. November 2025 zu erleben

Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 bildet den Rahmen des siebten Herbstsalons und lädt mit unterschiedlichen Arbeiten zur Reflexion der Gegenwart ein, „um das Heute zu begreifen, (müssen wir) das Gestern kennen. Anders bekommen wir exakt das Morgen, das wir nicht brauchen können.“, schreibt Langhoff zu Яe:imagine. Ihre Worte sind ein guter Wegweiser für Deutschlands politische Misere, die droht in einer bereits erlebten Katastrophe zu enden. – Der Herbstsalon 2025 ist noch bis zum 30. November geöffnet.

Es ist besser, nie einem Mann zu begegnen. Seit ich klein war, habe ich Angst vor Männern (…)
Weil Männer sich gegenseitig decken.
Und Füreinander lügen.
Und zusammenhalten.
Und zusammenhalten.
(„Bernada Albas Haus“ von Alice Birch)

Der Mann, der Vater, das männliche Familienoberhaupt von Bernarda Albas Haus ist kürzlich verstorben. Die Familie trauert. Bernada fügt sich ihrer neuen Rolle als Oberhaupt im patriarchalen System – mit maßloser Strenge, Kontrolle und grenzenloser Gewalt. So wie sie es von ihren männlichen Bildern vorgelebt bekommen hat.

Das Privileg der Männlichkeit ist noch fest in den wirtschaftlichen und sozialen Grundlagen verankert und die Frau ist weiterhin sein minderwertiges Nebenbild.

Für Bernada drängt sich dieser Widerspruch nicht auf. Sie sorgt sich um die Finanzen, kümmert sich um den Haushalt, delegiert das Personal, pflegt ihre kranke Mutter und erzieht gleichzeitig ihre Töchter. Sie ist schlichtweg eine „gemachte Frau“, um es mit den Worten von der Philosophin Simone de Beauvoir zu sagen.

Bernadas frauendominierte Haus verkörpert das Patriarchat

Autorin Alice Birch, die den Text „Bernada Albas Haus“ von Federico García Lorca zeitgenössisch verlegt hat, erschafft gemeinsam mit der Regisseurin Katie Mitchell eine Inszenierung, welche ein Ebenbild unserer männerdominierten Gesellschaft ist. Frauen sind in dieser Welt minderwertige Objekte, die es kleinzuhalten, notfalls zu ermorden gilt. Gemeinsam steuern wir mit diesen Werten unsere Gesellschaft (zurück) in den Faschismus.

Frauen bleiben bei Bernada minderwertige Objekte

Regisseurin Mitchell, die ein Gespür für Perfektion und Timing hat, präsentierte Birchs „Bernada Albas Haus“, geladen zum Berliner Theatertreffen 2025, auf der Bühne der Berliner Festspiele. Ihr Haus (Bühne: Alex Eals) beherbergt in den vielen Räumen nur noch Frauen. Es wird von der trauernden Witwe Bernada, das neue Familienoberhaupt, verwaltet. Seit dem Tod ihres Mannes hat sie das Privileg des Mannes inne, ist nun fest in den wirtschaftlichen und sozialen Grundlagen der Welt verankert.

So bleibt ihr frauendominiertes Haus im System des toxischen Mannes. Die Ketten des Patriarchats werden nicht zerschlagen. Bernadas Angestellte, ihre Töchter und ihre pflegebedürftige Mutter sind weiterhin minderwertige Objekte, die Bernada unter ihre totale Kontrolle bringt.

Toxischer Mann lebt weiter in Bernanda

Mit Gewalt züchtigt sie die Frauen, denen sie keinen eigenen Willen und keine Freiheit zugesteht. Für Bernada ist die Ehre der Familie unantastbar; jeder Verstoß gegen die Sitte wird von ihr aufs Härteste abgestraft.

Ihr jungen Töchter, welcher voller Lebenslust sind, versuchen vergebens gegen den toxischen Mann im femininen Kostüm anzukämpfen. Die pflegebedürftige Großmutter ist längst in ihre eigene Welt geflüchtet und trotzt unbescholten dem System.

Fesselndes zeitgenössisches Drama trifft tief Deutschlands Wunde

Mitchells Inszenierung ist ein fesselndes Drama, voller Spannung und Emotionen. Es ist gezeichnet von ästhetischem Können. Jede Bewegung, jedes gesprochene Wort ist bis ins kleinste Detail choreografiert, perfekt getimt. Das künstlerische Team der Inszenierung legt mit hohen Unterhaltungswert den Finger in die Wunde von Deutschland – den Faschismus.

Über die Arte-Mediathek lässt sich die Inszenierung bis um 2. Mai 2026 anschauen. Das nächste Berliner Theatertreffen findet Ende April 2026 statt.

Berlin • Umkreist von den globalen (Rück-)Entwicklungen des 21. Jahrhundert, sieht sich der Mensch in einer von Männern dominierten Welt, mit seiner eigenen Verelendung konfrontiert. Er versucht, die Spuren politischer Konflikte und Umbrüche in seinen intimen Beziehungen herauszufiltern, um sie zu retten. So ist es nur verständlich, dass der belgische Künstler Céderic Eeckhout, bekannt aus Falk Richters Produktion „Rausch“, während des Berliner Festival für internationale Dramatik (FIND 2025) seine Performance, „Héritage“ dem Schaubühnen-Publikum präsentiert.

„Ich habe Angst dich zu verlieren“, sagt Eeckhout zu Beginn des Stücks zu seiner Mutter Georgette (Jo), die ebenfalls, wie die Musikerin Pauline Sikirdji, auf der Bühne präsent ist. Gemeinsam sitzen sie an einem Küchentisch, schätzen im Gespräch ihre kostbaren Momente und rauschen in die 50-er Jahre.

Es ist Oktober 1945. Französisches Belgien. Kriegsende. Eine Zeit, in der Jos Mutter noch als Gefängniswärterin arbeitet. Schon früh musste Jo sich mit Wünschen nach Freiheit, Unabhängigkeit und Selbstständigkeit auseinandersetzen und verinnerlichte sie. Denn mit gerade mal 14 Jahren beginnt sie eine Ausbildung zur Friseurin, verfolgt uneingeschränkt ihren Traum von Haus, Kind, Märchenprinz; den sie kurz darauf auf einem Gesangswettbewerb kennenlernte.

Wer sich hingibt, gibt sich auf

Céderic hat sich währenddessen die Kleidung seiner Mutter angeeignet. Jo erzählt und er lebt parallel ihre vergangene Zeit. Arbeiten im hauseigenen Salon, dazwischen Reisen, Kinder und Partys als Dancing Queen in roten Tüll mit Musik von ABBA. Die Beziehung von Céderic und Jo wirkt symbiotisch und lässt Jo auf der Bühne omnipräsent werden.

Damals „war es eine andere Welt. Eine andere Zeit“;, ist es wirklich so?

Ihre gemeinsame Reise in die scheinbar unbeschwerte Vergangenheit wird begleitet von musikalischen Klängen, Gesang, Bildern und persönlichen Requisiten. Damals „war es eine andere Welt. Eine andere Zeit“; ist es wirklich so?

– „Und dann kam es anders“, sagt Jo und spricht über ihren Kampf mit den patriarchalen Strukturen. Schon fast humorvoll sagt sie, dass Männer ihre Liebe auf eine seltsame Art ausdrücken. Ihr Mann hat alle Entscheidungen getroffen, sie als Frau hatte zu gehorchen. Das wollte sie nicht mehr.

Sie wollte nicht mehr angeschrien, unterdrückt werden. Sie wollte leben, frei handeln können. Also nahm sie ihre Kinder, verließ ihren Mann und verlor nebenbei ihren Salon, ihr Haus, ihre Freunde. Sie als Frau war die schuldige Person, die ihren Mann verlassen und die Familie zerstört hat.

Jos neues Leben als unabhängige Blondine

Nach und nach baute sie sich mit ihren Kindern ein Leben, fern ab von den männerdominierenden Strukturen, auf. Sie wurde zu einer starken, selbstbewussten und unabhängigen, blonden Frau in Stilettos, der es egal ist, was die anderen Personen von ihr denken.

Sie machte erneut einen Salon auf, ließ sich ein Haus für ihre Familie bauen und akzeptierte nur respektvolle Liebesbeziehungen. Zu Recht bezeichnet ihr Sohn sie als Kämpferin. Eine Person, die Trauer in Freude umwandeln kann. Eine Heldin, die keinen Vater braucht, der sie traurig macht.

„Héritage“ (auf Deutsch „Vermächtnis“) ist mehr als ein persönliches Denkmal an Céderics Mutter. Es ist auch mehr als ein Stück über eine symbiotische Mutter-Kind-Beziehung.

Der vielseitige Künstler Eeckhout und seine Mutter Jo bringen uns mit ihrer Familiengeschichte, welche in die 50-er Jahre zurückreicht, zu den fundamentalen Problemen unserer Gegenwart, der toxische Mann und die patriarchale Gesellschaftsstruktur, die immer noch nicht durchbrochen wurde. Eeckhouts Arbeit trifft das diesjährige FIND auf den Punkt, persönliches Ereignis verknüpft mit globaler Geschichte.

Für den Fundamentalontologen Martin Heidegger, der sich ausführlich mit „Angst“ in seinem Werk „Sein und Zeit“ auseinandergesetzt, ist die Angst eine Grundbefindlichkeit des Menschen. Sie verweist ihn auf „die Freiheit des sich-selbst-wählens“ und auf seine Endlichkeit. Die Angst vorm Sterben, die der Soziologe Bude empfindet, offenbart ihn seine Zeitlichkeit. Dieses Bewusstsein von Zeit benennt Heidegger als das „Dasein als Sein zum Tode“¹. Sie ist des Menschen (existenzielle) Angst, die ihn sorgen lässt.

Des Menschen Sorge ist sein Dasein

Parallel zu Bude beschreibt Deitelhoff ihre Angst als Sorge. Sie sorgt sich, dass sie sich nicht mehr um ihre (jungen) Kinder kümmern, ihrer Verantwortung als Mutter nachkommen könnte. Für den Fundamentalontologen ist das „Sorgen“ ein zentrales Phänomen des Menschen. Es dient der Angst zu entkommen. Indem der Mensch („Dasein“) sich sorgt, verstreut er sich in die Welt, er kümmert sich („in-der-Welt-Sein“).

Weiter stellen die Diskutierenden fest, dass der Begriff „Angst“ in unserer modernen Gesellschaft teilweise inflationär verwendet wird. Sie führen die Furcht als Nebenbegriff ein und kommen dadurch zu einem neoliberalen Angstverständnis, der sich in drei Punkten äußert:

1. die Angst etwas zu verpassen, 2. die Angst nicht zu genügen und 3. die Angst sich selbst zu verpassen.

German Angst: „Alles soll so bleiben, wie es ist.“

Der moderne Mensch ängstigt sich sozusagen um seiner selbst willen, sprich er möchte seine gegebene Zeitlichkeit bewusst, ausgiebig, leistungsstark nutzen, schafft es aber aufgrund seiner mangelnder Priorisierung nicht und wird dadurch zum Spiegel der fragilen Moderne.

Die Geburt des modernen Populismus

Denn nicht nur der moderne Mensch ist instabil, sondern die gesellschaftlichen Zustände und die Politik sind es ebenfalls. Das ängstigt den Menschen. Er sieht sich in seiner immanenten Freiheit bedroht und reagiert auf die von ihm erlebte Bedrohung mit Hass, Wut. Laut dem Soziologen Bude schwallen diese Emotionen in unsere Gesellschaft, verkleiden sich als Extreme und äußern sich populistisch – die Geburt des modernen Populismus.

Der moderne Populismus ernährt sich von den neoliberalen Ängsten des Menschen und sichert sich dadurch seine politische Macht, die faschistischen Ideologien folgt. Ironischerweise erlagen die rechten Populisten mit ihren faschistoiden Gedanken Zuspruch bei den geängstigten Menschen. Es ist so ironisch, weil die neoliberale Angst des Menschen sich vor dem Verlust seiner immanenten Freiheit fürchtet, dabei opfern sie ihre Freiheit mit dem Zuspruch von faschistischem Gedankengut.

Als die letzten Worte an diesen Abend bei Friedman fallen, wird klar, dass die neoliberale Angst des Menschen seinen letzten Schatz kosten wird – die Demokratie.

Friedman im Gespräch | weitere Termine und Karten

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1. Der Fundamentalotologe Martin Heidegger schreibt in seiner eigenen Terminologie. Seine Begrifflichkeit wurden fürs bessere Verständnis in Anführungszeichen gesetzt. Heideggers Sprache lässt sich nicht eins zu eins übersetzen, aber erläutern.

Das 61. Berliner Theatertreffen hätte nicht besser beginnen können, als mit Rasches Inszenierung von Lessings Drama „Nathan der Weise“, welches zwar seine Uraufführung bei den Salzburger Festspielen 2023 feierte, aber mehr als sonst den politischen Zeitgeist trifft. Dank Rasche befindet sich das Publikum in vom Militär besetzten Jerusalem. Hier lebt Nathan, ein reicher Jude, mit seiner Pflegetochter, Recha, die beinahe bei einem Hausbrand ums Leben gekommen wäre, hätte sie nicht der junge Christ gerettet. Trotz aller religiösen Vorbehalte gegenüber Juden, trifft sich der junge Lebensretter mit Nathan.

„Sind Christ und Jude eher Christ und Jude, als Mensch?“

Nathan sagt zu dem Tempelherrn, „Verachtet mein Volk so sehr Ihr wollt. Wir haben beide uns unser Volk nicht auserlesen. Sind wir unser Volk? Was heißt denn Volk? Sind Christ und Jude eher Christ und Jude, als Mensch?“

Lessings aufklärerische Werk, das aufgrund seiner Ringparabel zur religiösen Toleranz aufruft und erklärt, dass keine objektive Wahrheit auf der Metaphysik fußt, lebt in Rasches Arbeit auf einer neoklassizistischen Bühne, die neben einer Drehscheibe mit zwei bewegenden Elementen durch Säulen ergänzt wird. Die Säulen geben dem minimalistisch und eher kalt gehaltenen Setting etwas Wärme. Sie ermöglichen mit sanftem Lichtspiel hervorragende Übergänge, schaffen Räume und Wände, die ästhetisch sind.

Wissen und Macht sind die zentralen Instrumente der Aufklärung

Rasches Minimalismus mit neoklassizistischen Elementen wirkt düster, bringt aber das anstrengende Schauspiel uneingeschränkt hervor und lässt ebenfalls zu, dass mensch sich auf das gesprochene Wort konzentrieren kann. Die Kostüme der Darsteller:innen sind hauptsächlich in schlichten Kontrasten gehalten, tragen eher subtil zur Geschichte bei, in dem sie beispielsweise Verbindungen unter den Spielern offenlegen.

Das lässt sich gut im ersten Treffen zwischen dem jungen Tempelherrn (Mehmet Ateşçi) und Recha (Julia Windischbauer) erkennen, dort sind beide gleich gekleidet, was als subtilen Hinweis auf ihre gemeinsame Herkunft interpretiert werden kann. Weiter ist Nathan als einziger Charakter in Grau gekleidet; Grau wird oft mit Weisheit assoziiert. Darüber hinaus ist Nathan, der einzige Jude im Stück.

Am Ende vereint die dramatische Erzählung die aufklärerischen Elemente, Wissen (Nathan) und Macht (Sultan Saladin). Nathan und der Sultan sühnen sich in einem Toleranzgedanken aufgrund von Verwandtschaftsbeziehungen. Recha und der Tempelherr sind nämlich Geschwister und Saladin ist deren Onkel. Ein friedliches Zusammenleben erscheint nun möglich.

Eine Ringparabel wird keine tagesaktuellen Konflikte lösen

Die Zwiste von Lessings „Nathan“ entstehen aufgrund von Religion und Nation. Und werden erst durch die Wiederbelebung des verlorenen Gedächtnisses vom Mensch-Sein beigelegt. Vermutlich wird eine Ringparabel über Toleranz keine tagesaktuellen Konflikte lösen, aber Rasche und sein Ensemble beweisen mit ihrer Arbeit, dass „Nathan der Weise“ schmerzlich den Zeitgeist trifft und als Auftakt von den Berliner Festspielen gut gewählt ist.

Nicht nur, weil das aufklärerische Drama dem Kant-Jahr mehr als würdig ist, sondern auch, weil es mit seiner neoklassizistischen Ästhetik Lessings schweren Text zugänglich macht. Die Inszenierung unterhält und vermittelt gelungen einen Konflikt, der unsere Zeitströmung anspricht und zu Toleranz aufruft.

Die Berliner Festspiele gehen noch bis zum 20. Mai und bieten ein spannendes Programm. Es lohnt sich, mal hereinzuschauen!

Berlin • Der Regisseur Kay Voges bringt Sybille Bergs rebellischen Roman „RCE #RemoteCodeExecution“ auf die Bühne des Berliner Ensembles und versucht mit den Mitteln der Theatralik aufzuzeigen, wie Hacker eine durchdigitalisierte Welt beeinflussen.

„Man muss noch Chaos in sich tragen, um einen tanzenden Stern gebären zu können.“, sprach Zarathustra in Nietzsches Werk – auch Voges BE-Ensemble trägt noch Chaos in sich. Es überflutet das menschliche Hirn in Bruchteilen von Sekunden mit gesprochenen Wort, Gesang und Bildern. Die Aussagen der Darsteller:innen werden zeitgleich auf die Bühne, ein weißes Oktagon, projiziert. Dort finden ebenfalls KI-generierte Bilder, Fotos aus dem Weltgeschehen und Kurzfilme seinen Platz.

Es ist eine Masse an Daten und Informationen, die die uniformen, anzugtragenden Schauspieler:innen dem Publikum näherbringen. Dabei erinnert das weiße Achteck an ein Raumschiff oder an eine Wohnzelle aus dem Science-Fiction-Film „das fünfte Element“ – jedenfalls befinden wir uns in einer nicht allzu weit entfernten Zukunft, in der die Welt vollständig digitalisiert ist. Maschinen haben einen großen Teil menschlicher Aufgaben übernommen und (Fitness)influencer haben die Dauerwerbesendung für sich entdeckt.

Daten, Daten, Daten! – Panoptikum und Simulakren in „RCE“

Daten, Daten, Daten! – Der Mensch lebt in „RCE“ in einer spätkapitalistischen Gesellschaft, in der die Autokratie herrscht. Durch die großzügige Freigabe an seinen Daten, wird das Individuum komplett überwacht und von den Plattform- und Kapitaleigner:innen durchleuchtet, die seine freigegebenen Daten als Ware handhaben.

Seinen Drang nach Wohlstand hat ihn in ein foucaultsches Panoptikum verachtet. Dort lebt er völlig verwahrlost zwischen Simulakren; kann Wirklichkeit von Simulation nicht trennen und verläuft sich in unterschiedlichen Propaganda-Zweigen. Diese Situation macht sich ein europaweites Hacker:innen-Netzwerk zunutze, in dem sie über eine Fernsteuerung entscheidende Systeme mit #Remote Code Executions (=RCE) hackt. Die Hacker:innen beginnen die lethargische Gesellschaft zu einem Neustart zu mobilisieren und versuchen das System mit seinen eigenen Methoden zu Fall zu bringen.

„Kill your Darlings“ – Reizüberflutung lässt den Faden verschwinden

Regisseur Voges hat den üppigen Roman von der Autorin Berg auf 75 Minuten zusammengestaucht; was hinsichtlich der Story gut funktioniert. Problematisch sind jedoch die vielen eingesetzten Elemente, die es dem Hirn schwer machen, zu folgen. Die Augen springen nämlich von den Darsteller:innen, zu dem Text, zu den Bildern und gleichzeitig versuchen die Ohren die Akustik einzufangen. Oftmals wird dadurch nicht deutlich, welches Anliegen die Schauspieler:innen auf der Bühne haben; weil eine totale Reizüberflutung herrscht und so der Faden verloren geht. Das Spiel mit den vielen digitalen Mitteln ist zwar ästhetisch ansprechend; aber zu viel des Guten.

Um es mit den Worten des kürzlich verstorbene Dramatikers René Pollesch auszudrücken, „Kill your Darlings“. Manchmal ist weniger mehr. – Aber vielleicht bringt die Inszenierung Bergs Wunsch, „Europa neu (zu) erfinden, alle kaputten Systeme durch funktionierende austauschen (…) (durch) eine friedliche und effektive Revolution (…), etwas näher.

Weitere Spieltermine, 5. Mai, 25. und 26. Mai, 17. und 18. Juni, 24. und 25. Juni, sowie am 8. Juli und letztmalig vor der Sommerpause am 9. Juli 2024. Karten sind zu ergattern über den Webshop oder an der Theaterkasse.

Willkommen im Hinterzimmer der Macht – das Klo

Karl Lauterbach, der am Rand der Bühne verweilt und das Geschehen aus dem Abseits kommentiert, lässt das Ritual der Kontaktaufnahme von den zwei Lobbyisten noch einmal in Zeitlupe abspielen. Der erste Kontaktversuch, der Austausch der Visitenkarten und dann – ganz unscheinbar für den Laien, tauschen die Lobbyisten mit ihren Mistkäfer-Rücken einen Umschlag mit Geld aus. Das sogenannte Schmiergeld, welches dafür sorgt, bestimmte Interessen in Gesetzen zu verankern. Ein weiterer Umschlag sucht an diesem Abend ebenfalls sehnsüchtig seinen neuen Besitzer, nämlich den derzeitigen Bundesminister der Finanzen, Christian Lindner (FDP) alias Porsche-Supporter.

Willkommen „im Hinterzimmer der Macht“, wo die politischen Akteure sie selbst sein können. Der Ort, an dem die wahre Politik stattfindet – laut dem Autoren-Duo ONKel fISCH, ist es das Klo. Getarnt als stilles Örtchen, ist die Bundestagstoilette, der eigentliche Ort, an dem Absprachen getroffen werden. Oder wie der Alt-Kanzler Helmut Kohl (CDU) es einmal formulierte, „entscheidend ist, was hinten rauskommt.“

Schwindelige Bundestags-Revue als pointierte Groteske

Das Autoren-Duo ONKel fISCH, bestehend aus Adrian Engels und Markus Riedinger (bekannt durch die Hörstücke, „der kleine junge Mann von Nebenan“ oder „Grillstube Saloniki“), hat mit „im Hinterzimmer der Macht“ eine schwindelige Bundestags-Revue geschrieben, die Slapsticks, Sketche, Musik- und Tanzeinlagen zu einem unterhaltsamen Werk vereinen.

Die Revue pointiert politische Ereignisse grotesk, in dem sie Charaktere, wie den Mann mit dem schwarzen Geldkoffer, ehemaliger Bundesfinanzminister Wolfgang Schäuble (CDU), als wiederkehrenden Senior ohne Erinnerungsvermögen aufführt oder Sätze, wie „billige Kopie von Marie Le Pen aus dem 1 Euro Shop“ (in Bezug zu Alice Schwarzer (AfD)) fallen lässt.

Olaf Scholz‘ hole Phrase des „Doppel-Wumms“

Auch Bundeskanzler Olaf Scholz (SPD) mit seinem Gespür für Rhetorik, dem „Doppel-Wumms“ als Sinnbild für den „deutschen Egoismus“ auf europäischer Ebene und als hole Phrase für die deutsche Bevölkerung, findet in der Revue seinen Platz. Mit viel Elan und (musikalisches) Feingefühl schlüpfen die Schauspieler:innen (Jens Eulenberger, Caroline Lux, Stefan, Martin Müller) in diverse Rollen und verkörpern gekonnt unsere politischen Akteure.

Bedrückende deutsche Korruption lässt Distel-Revue aufblühen

Die Herausforderung, einen Blick durch die Klo-Brille in das Innere des korrupten Deutschen Bundestags, hat der Regisseur Sebastian Wirnitzer mit seinem Ensemble amüsant und treffend auf die Bühne gebracht – eine aufblühend-politische Revue passend zum Frühlingsbeginn.

Weitere Termine: 21.-25. März und 11.-15. April und 21.-29. April, Preise: 18-31 Euro, Karten unter: karten@distel-berlin.de oder über den online Shop

Die Ausstellung „Internationale Abstraktion nach 1945“ knallt mit voller Wucht in unsere jetzige Zeit. Kurator Daniel Zamani hat 2018 mit der Planung begonnen. Zu sehen im Potsdamer Museum Baberini ist sie bis Ende September 2022.

Berlin · „Gut Ding will Weile haben“, sagte einst der Dichter Hans Jakob Christoffel von Grimmelshausen im 17. Jahrhundert, und da mag er wohl recht haben. Die derzeitige Sonderausstellung „Internationale Abstraktion nach 1945“ vom jungen Kurator Daniel Zamani hat ihre Planungsphase in der guten alten Zeit von 2018 begonnen. 2018 ein vergangenes Sehnsuchtsjahr, wo Corona als Bier oder schrullige Eurodance-Band bekannt war und vor allem ohne einen Krieg in Europa.

Ausstellung zeigt transatlantisches Wechselspiel

Das intendierte Bestreben des Kurators Zamani ist nicht nur der Versuch eines transatlantischen Dialogs von Mitte der 40-iger Jahre bis zum Ende des Kalten Krieges, sondern ebenfalls ein Wechselspiel der universellen Bildsprache der abstrakten Expressionisten des freiheitlichen Westens in Abgrenzung vom sozialistischen Realismus der DDR – die internationale Ausstellung im Hause Baberini ist sozusagen in die Zeit gefallen.

50 Künstler:innen begeben sich auf existentielle Sinnsuche

In den rund 100 Arbeiten begeben sich über 50 renommierten Künstler:innen auf eine existentielle Sinnsuche. Sie vollziehen einen starken Wendepunkt in der Malerei, in dem sie das realistische Abbilden verwerfen und Platz machen für einen expressiven Umgang mit Form, Farbe und Material. Die bloße Geste mit dem Pinsel wird bei den abstrakten Expressionisten zu einem Ausdruck von individueller Freiheit. Große Bildformate schaffen einen meditativen Raum und bringen den Betrachter in die Situation, sich mit seinem Sein und seinem Unterbewussten auseinanderzusetzen.

Besonders der Einfluss der Malerinnen wird hervorgehoben − Hedda Sterne eröffnet die Kuration

Die Ausstellung „Internationale Abstraktion nach 1945“ hebt besonders den Einfluss der Malerinnen aus der Nachkriegszeit hervor; wie Hedda Sterne, Joan Mitchell, Judith Reigl oder Lee Krasner. Sie eröffnet mit dem Werk „N.Y. #7“ (Leihgabe vom Museum of Modern Arts) von Hedda Sterne aus 1954. Sterne, eine Exil-Künstlerin jüdisch-rumänischer Abstammung, war eine von wenigen Malerinnen, die sich im männerdominierenden Kunstbetrieb in den USA behaupten konnte. In ihrer Werkserie „N.Y.“ drückt sie ihre Begeisterung für ihr neues Heimatland USA aus.

Starke Farben, Farbspritzer, Schlieren dominieren in den Arbeiten

Während Besucher noch meinen, in Sternes Werken Abbilder hineinlesen zu können, sieht es bei den Arbeiten von Norman Bluhm („Blaue Klinge“, 1961 oder „Weißes Licht“, 1958), Lee Krasner („Durch Blau“, 1963) oder ihrem Mann Jackson Pollock („Verzauberter Wald“, 1947) anders aus. Hier dominieren starke Farben, Farbspritzer, Schlieren und Komposition; dadurch erreichen die Bilder einen Puls und wirken dynamisch. Kunstwerke, die weiter in die Zeit gehen, verlieren an Bildnamen. Damit möchten ihre Künstler ihre gewonnene Ausdrucksfreiheit an die Betrachter weitergeben.

Kein Verweis auf Ding-Welten − Ad Reinhardt macht es vor

Abstrakte Expressionisten verweisen auf keine Ding-Welten mehr, sondern ermöglichen eine demokratische Kunstform, in dem sie dem Betrachter die individuelle Freiheit der eigenen Interpretation ermöglichen. Was so vielversprechend klingt, ist in der Praxis weniger der Fall.  Spätestens bei Arbeiten von Ad Reinhardt oder Morris Louis („Saf Heh“, 1959), verzweifeln selbst Kunstkenner. Reinhardts „Schwarz auf Schwarz Nr.8“ zeigt auf faszinierender Art die höchste Form von abstrakter Malerei.

In seiner Serie „Black Paintings“ reduziert er die Werke auf die Farbe Schwarz. Er versucht dadurch den Bildern jede Form von künstlerischen Emotionen oder Meinungen zu nehmen. Der Betrachter wird bei Reinhard gerade zu gezwungen, sich mit sich selbst zu beschäftigen.

Kunstliebhabern wird die Ausstellung ans Herz gelegt

„Die Leinwand als Bühne, auf der sich kreative Köpfe frei und spontan entfalten können.“, ein Text, der den Anfang der Ausstellung schmückt und geradezu einlädt, die Ausstellung „Internationale Abstraktion nach 1945“ zu besuchen. Kunstliebhabern kann sie nur ans Herz gelegt werden, weil die Sammlung von Hasso Plattner um Leihgaben von mehr als 30 internationalen Museen und Privatsammlungen ergänzt wurde. Ferner haben Besucher die Möglichkeit, neben der Sonderausstellung „Internationale Abstraktion nach 1945“, sich die größte Monet-Sammlung außerhalb Frankreichs anzuschauen.

Fünf Studenten aus Neubrandenburg haben sich Ende 1997 für eine „pOstpRock”-Band zusammengefunden; heute treten sie nach einigen Wandlungen unter dem Namen „Dawnation“ auf. Vergangenen Freitag präsentierten die Neubrandenburger ihre neue Single „Holes“ inklusive neues Video im örtlichen Schauspielhaus.

FG: Bevor wir anfangen Dich mit Fragen zu löchern, müssen wir doch noch nachhaken, stammst Du aus Mecklenburg?

Lustigerweise bin ich gar nicht von hier, sondern komme aus dem Emsland.

FG: Worum geht es in Eurer neuen Single „Holes“?

Ich habe den Text damals unter dem Eindruck der Pandemie, den Lockdowns und den Kontaktsperren geschrieben. Es geht um das Herauskommen aus einer Isolation und aus den – vielleicht auch selbstgewählten – „Löchern” zu kriechen. Das kann man natürlich auch im übertragenen Sinne sehen. Generell geht es, um ein sich über das Leben in all seinen Fassetten zu freuen und es zu genießen. Das wollten wir auch unserem Video zeigen: Jemand sucht in seiner Einsamkeit nach seinen Freunden, findet sie am Ende und rockt gemeinsam ab.

FG: Was bedeutet der Name „Dawnation“?

Christoph (Gitarre), Bert (Keyboard) und ich (Vocals) spielten von 1998 bis 2005 in einer Band namens „Glistening Dawn“. Es folgten zwölf Jahre Pause. 2017 konnten wir musikalisch mit Robert (Bass) und damals Clemens (Drums) neu starten und „Dawnation“ war der perfekte Name, der gleichzeitig unsere Wurzel als auch den neuen Anfang beschreibt.

FG: Ihr bezeichnet Euer Genre als „pOstpRock“. Und Eure Band bezeichnet ihr als Artrock, ProgBand, welche Musik-Richtung schlagt ihr damit ein?

Wir lieben Wortspiele und genau wie „Dawnation“ ist „pOstpRock“ so ein Wortspiel. Post-Prog war die Ursprungsidee und dann kam der Rest. Es ist eher augenzwinkernd gemeint, um eine eigene „Schublade“ zu (er)finden. Das „Ost“ ist uns insofern wichtig, um zu zeigen, dass auch anspruchsvolle Prog-Rockmusik im Osten gemacht wird.

Zur Frage, welche Musik-Richtung wir einschlagen – es gibt natürlich historische Vorbilder, wie Pink Floyd, Led Zeppelin oder Genesis. Und auch aktuelle Heroen, wie Steven Wilson, Spock’s Beard. Zudem kann der geneigte Hörer auch Elemente von Metal, Hardrock und Symphonic Rock entdecken. Gleichzeitig gehen die beiden Single-Auskopplungen ein klein wenig in Richtung Mainstream.

FG: Was steht als Nächstes bei Euch an?

Wir konzentrieren uns, aktuell auf die Fertigstellung des zweiten Albums, das gegen Ende des Jahres erscheinen wird. Die Songs „Fly“ (veröffentlicht im Sommer 2021) und „Holes“ sind zwei Single-Auskopplungen aus diesem Album.

Hören Sie jetzt die neue Single „Holes“

Zuerst veröffentlicht am 10.06.2022 auf Nordkurier.de