Getreu dem Motto „The End Is Near“ sucht das FIND 2026 an der Schaubühne Berlin einen Umgang mit dem Realismus der Entfremdung. Geladene internationale Dramen hinterfragen unterdrückende Strukturen, die teils auf Patriarchat, Kolonialismus, Theologie fußen. „Artist in Focus“ ist die britische Regisseurin Katie Mitchell.

Nationalstolz als Identitätsbestimmung

Moderne Gesellschaften entfremden sich immer mehr von ihrer Umwelt. Mitmenschen, Beziehungen und Arbeit unterliegen zunehmend den strukturellen Zwängen des Kapitalismus. Der Mensch bleibt dabei wie eine verlorene Hülle zurück. Zwanghaft versucht er sich an altbekannten Mustern festzuhalten, um sich Identität und Macht in den Körper einzuschreiben. Ganz vorne dabei ist der Nationalstolz.

Performer Clayton macht in „Macacos“ seinen Körper zur Bühne

In seiner Lecture Performance „Macacos“ nimmt der Performer Clayton Nasciemnto die vermeintliche Identitätsbestimmung des Nationalstolzes unter die Lupe und reist mit ihr durch die rassistisch geprägte Geschichte Brasiliens. Ausgehend vom brasilianischen Fußball, der bis in die 1950er Jahre als Elitesport für Weiße galt, ruft er in den leeren Bühnenraum „Macacos. Macacos. Macacos.“

Bei diesen Worten zittert Nasciementos leicht bekleideter Körper. Sie sind wie Stiche, die seinen Körper treffen und durchfahren.

Der portugiesische Ausdruck „Macacos“ bedeutet „Affe“ und ist in Brasilien strafbar. Rassistische Fußball-Fans, vor allem die Fans der brasilianischen Nationalmannschaft, und Spieler diffamieren mit diesem Ausdruck schwarze Spieler.

Brasiliens Geschichte ist geprägt von Rassismus

Weiter reist Nasciementos Körper mit seiner Stimme in die Zeit zurück, in der schwarze Menschen in den Favelas von der brasilianischen Militärpolizei systematisch ermordet wurden. Sein Körper dient als Erweiterung für seine Worte, Aussagen und Rufe. Er verdeutlicht dadurch wie tief sich rassistische Ressentiments in den Körper einschreiben und Traumata verursachen.

Ressentiments schreiben sich in Kinder-Körper ein

Die katastrophalen Auswirkungen traumatischer Ereignisse erleben wir bei FIND 2026 im norwegischen Gastspiel „11 ÅR“ von den Künstlern Toril Goksøyr und Camila Martens. Hier blickt das Publikum auf einen belebten Schulhof. Es ist große Pause.

Ein elfjähriges Mädchen klettert, andere beschäftigen sich mit ihren Smartphones, spielen oder tanzen. Und das Tag um Tag. Pause um Pause. Doch plötzlich ist die junge Kletterin nicht mehr da. Sie hat Suizid begangen. Was ist passiert?

Obwohl das Publikum die Szenen verfolgt und die Soundkulisse über Kopfhörer intensiv mithört, lässt sich nur über die Atmosphäre erahnen, dass sich das Mädchen aufgrund von Mobbing zum Suizid entschieden hat. Ihre Familie und ihr Umfeld sind sprachlos und ringen um Aufklärung.

Jungfrau Maria ist schuld an der Unterdrückung von Frauen

Ebenfalls um Aufklärung bemüht, greift die brasilianische Künstlerin Janaina Leite in ihrer Performance „Stabat Mater“ zu drastischen und unkonventionellen Mitteln, um die Ursachen für die Unterdrückung von Frauen zu ergründen. Sie ließ sich dabei von der Psychoanalytikerin Julia Kristeva und ihrem Essay „Stabat Mater“ inspirieren.

In Obhut ihrer Mutter beschwört Leite gemeinsam mit einem Pornodarsteller das Motiv von der Jungfrau Maria herauf. Sie erzeugt Bilder von Weiblichkeit, um die Beziehung zwischen Frauen und Männern zu untersuchen.

Dabei konzentriert sie sich auf die weibliche Lust und das Empfinden von Schmerz. Sie möchte das Paradox der Jungfrau Maria herausarbeiten. Eine Frau, die ohne Lust zu sein scheint, eine Heilige ohne Sünde, die dennoch ein uneheliches Kind gebar.

Artifizielles Potpourri Post-FIND 2026 in der Schaubühne

Das FIND 2026 ist nur noch bis Ende April erlebbar. Einige Arbeiten des Festivals sind jedoch ins Repertoire des Hauses übergegangen und können weiterhin gesehen werden.

FIND 2026 (16. April – 26. April 2026) | Schaubühne Berlin | ticket@schaubuehne.de

Berlin • Umkreist von den globalen (Rück-)Entwicklungen des 21. Jahrhundert, sieht sich der Mensch in einer von Männern dominierten Welt, mit seiner eigenen Verelendung konfrontiert. Er versucht, die Spuren politischer Konflikte und Umbrüche in seinen intimen Beziehungen herauszufiltern, um sie zu retten. So ist es nur verständlich, dass der belgische Künstler Céderic Eeckhout, bekannt aus Falk Richters Produktion „Rausch“, während des Berliner Festival für internationale Dramatik (FIND 2025) seine Performance, „Héritage“ dem Schaubühnen-Publikum präsentiert.

„Ich habe Angst dich zu verlieren“, sagt Eeckhout zu Beginn des Stücks zu seiner Mutter Georgette (Jo), die ebenfalls, wie die Musikerin Pauline Sikirdji, auf der Bühne präsent ist. Gemeinsam sitzen sie an einem Küchentisch, schätzen im Gespräch ihre kostbaren Momente und rauschen in die 50-er Jahre.

Es ist Oktober 1945. Französisches Belgien. Kriegsende. Eine Zeit, in der Jos Mutter noch als Gefängniswärterin arbeitet. Schon früh musste Jo sich mit Wünschen nach Freiheit, Unabhängigkeit und Selbstständigkeit auseinandersetzen und verinnerlichte sie. Denn mit gerade mal 14 Jahren beginnt sie eine Ausbildung zur Friseurin, verfolgt uneingeschränkt ihren Traum von Haus, Kind, Märchenprinz; den sie kurz darauf auf einem Gesangswettbewerb kennenlernte.

Wer sich hingibt, gibt sich auf

Céderic hat sich währenddessen die Kleidung seiner Mutter angeeignet. Jo erzählt und er lebt parallel ihre vergangene Zeit. Arbeiten im hauseigenen Salon, dazwischen Reisen, Kinder und Partys als Dancing Queen in roten Tüll mit Musik von ABBA. Die Beziehung von Céderic und Jo wirkt symbiotisch und lässt Jo auf der Bühne omnipräsent werden.

Damals „war es eine andere Welt. Eine andere Zeit“;, ist es wirklich so?

Ihre gemeinsame Reise in die scheinbar unbeschwerte Vergangenheit wird begleitet von musikalischen Klängen, Gesang, Bildern und persönlichen Requisiten. Damals „war es eine andere Welt. Eine andere Zeit“; ist es wirklich so?

– „Und dann kam es anders“, sagt Jo und spricht über ihren Kampf mit den patriarchalen Strukturen. Schon fast humorvoll sagt sie, dass Männer ihre Liebe auf eine seltsame Art ausdrücken. Ihr Mann hat alle Entscheidungen getroffen, sie als Frau hatte zu gehorchen. Das wollte sie nicht mehr.

Sie wollte nicht mehr angeschrien, unterdrückt werden. Sie wollte leben, frei handeln können. Also nahm sie ihre Kinder, verließ ihren Mann und verlor nebenbei ihren Salon, ihr Haus, ihre Freunde. Sie als Frau war die schuldige Person, die ihren Mann verlassen und die Familie zerstört hat.

Jos neues Leben als unabhängige Blondine

Nach und nach baute sie sich mit ihren Kindern ein Leben, fern ab von den männerdominierenden Strukturen, auf. Sie wurde zu einer starken, selbstbewussten und unabhängigen, blonden Frau in Stilettos, der es egal ist, was die anderen Personen von ihr denken.

Sie machte erneut einen Salon auf, ließ sich ein Haus für ihre Familie bauen und akzeptierte nur respektvolle Liebesbeziehungen. Zu Recht bezeichnet ihr Sohn sie als Kämpferin. Eine Person, die Trauer in Freude umwandeln kann. Eine Heldin, die keinen Vater braucht, der sie traurig macht.

„Héritage“ (auf Deutsch „Vermächtnis“) ist mehr als ein persönliches Denkmal an Céderics Mutter. Es ist auch mehr als ein Stück über eine symbiotische Mutter-Kind-Beziehung.

Der vielseitige Künstler Eeckhout und seine Mutter Jo bringen uns mit ihrer Familiengeschichte, welche in die 50-er Jahre zurückreicht, zu den fundamentalen Problemen unserer Gegenwart, der toxische Mann und die patriarchale Gesellschaftsstruktur, die immer noch nicht durchbrochen wurde. Eeckhouts Arbeit trifft das diesjährige FIND auf den Punkt, persönliches Ereignis verknüpft mit globaler Geschichte.

„Das ist ein Privileg“, kommentiert bissig die weiße Klimaforscherin Prof. Dr. Uta Oberdorf (Jule Böwe) den Exkurs der schwarzen Bewerberin Dr. Anna Vogel (Alina Vimbai Strähler) im Gespräch um die Post-Doc-Stelle an ihrem renommierten Institut für Kilmaforschung. Vogel sprach von über 100 Millionen indigene Kolonisierungstote seit 1492, eine demographische Katastrophe und Teil der Geschichte der europäischen Expansion. Laut der Klimaforscherin Oberdorf hat erst vor 30 Jahren das Zeitalter des Anthropozäns begonnen. Sie erwidert weiter den Exkurs über die demographische Katastrophe mit den Worten, dass den schmelzenden Polarkappen die Hautfarbe nicht interessiere. Und spielt damit auf eine aktiv agierende Position gegen klimatische Veränderungen an, die der Mensch heute -unabhängig von rassistischen Stereotypen- einnehmen könnte.

Das Drei-Frauen-Stück „Kein Weltuntergang“ von der britischen Autorin Chris Bush versucht über die Theorie der möglichen Welten (des Philosophen Saul A. Kripke) diverse Perspektiven der globalen Klimakrise einzunehmen, um sich mit dem Hyperobjekt Klimakatastrophe auseinanderzusetzen. Regisseurin Mitchell, die das Gegenwartsdrama von Bush an der Schaubühne (4. September 2021) uraufführte, konstruierte dafür ein klimaneutrales Setting (Bühne und Kostüm, Chloe Lamford), in dem die drei Frauen, gefangen in einer Zeitschleife, fragmentarisch Gesprächssituationen mit unterschiedlichen Narrativ spielen. Immer wieder gehen die drei Türen auf und zu. Einmal kommt Frau Dr. Vogel zu spät, ein anderes Mal hat Frau Prof. Dr. Oberdorf keine Zeit.

Im Laufe der möglichen Welten gleicht die zersplitterte Form des Textes einer linearen Erzählung, in dem die ambitionierte Post-Doc-Forscherin Anna Vogel ihren Traumjob am Institut für Klimaforschung bekommt. Sie adoptiert aus klimaökonomischer Sicht ein Kind names Lena (Veronika Bachfischer). Und stirbt unerklärlich auf einer Arktis-Expedition. Lena (Veronika Bachfischer) ist der stringente Charakter von Bushs „Kein Weltuntergang“. Zu Beginn betritt sie die Bühne mit einer Urne, dekoriert den ansonsten kahlen Bühnenraum mit Kunstblumen und einen Eisbären. Während dem Spiel zwischen Anna und Uta, zitiert sie Studien, Konventionen, Fabeln über das Hyperobjekt Klimakrise. Sie beschreibt unser Zeitalter als „Goldglöcken-Zone“, weil der Mensch wie die Märchengestalt Goldglöckchen den (Eis-)Bären die Nahrung raubt, in deren Lebensraum eindringt und einen zerstörten Haushalt hinterlässt. Zum Ende des Stücks wird deutlich, dass jede Person Anna sein kann, das heißt ein engagierter Mensch, der sich aktiv für den Klimaschutz einsetzt. „But none of all helps“, weil die Welt letztendlich wie die Forscherin Anna Vogel an alles gestorben sein wird.

Was es bedeutet als schwarze Frau in einer globalisierten Welt mit Kolonialgeschichte zu leben, untersucht die Performerin Selina Thompson in ihrem Film „salt: dispersed.“; die Inszenierung „salt.“ ist aufgrund von Erkrankung ausgefallen. Direkt zu Beginn berichtet die Britin Thompson von rassistischen Vorfällen in ihrem Alltag und der immer wiederkehrenden Frage, „where are you really born?“ -die meisten Engländer sind weiß-. Sie spricht von einem rassistischen Lehrer, der seinen Schülern erklärt, dass schwarze Menschen schwarz sind, weil sie laut einer Sage faul seien und die „Waschung“ verschlafen haben. Sie erzählt von einer mantrischen Abwehrhaltung, „you pushed against me, i pushed back“. Ein Versuch sich innerlich von den rassistischen und misogynen Anfeindungen zu distanzieren. Ihre Monologe wirken im Film sehr nah und emotional. Sie treffen tief in die europäische Gegenwart und in die europäische Kolonialgeschichte hinein.

Über das Nachleben der Sklavenroute ihrer Vorfahren an Board eines kommerziellen Containerschiffs, berichtet sie eindrücklich über ihre koloniale Vergangenheit. Mehrere Millionen schwarze Sklaven -darunter auch ihre Vorfahren- haben den Grundstein für den heutigen europäischen ökonomischen Erfolg gelegt. Zu recht betont sie, dass Europa seine Hände in Blut wäscht.

Dass nur ein sehr geringer Teil der Weltbevölkerung etwas von einer guten wirtschaftlichen Struktur spürt, zeigt die Arbeit „Love“ vom britischen Autor-Regisseur Alexander Zeldin. Sie ist der letzte Teil von Zeldins Triologie „The Inequalities“; andere Teile sind „Faith“ und „Hope and Charity“. Die hyperreale Inszenierung „Love“ lässt die Zuschauer einen Einblick in eine Notunterkunft für Wohnungslose werfen. Dort leben auf engsten Raum eine Patchworkfamilie (Janet Etuk, Joel MacCormack, Amelia und Oliver Finnegan), Sohn mit pflegebedürftiger Mutter (Daniel York Loh, Amelda Brown) und eine junge Frau (Hind Swareldahab) zusammen. Sie teilen sich Küche und Badezimmer. Die Einrichtung ist als Übergangsstation gedacht für Menschen, die vor der Wohnungsnot stehen und das Anrecht auf staatliche Wohnungsvermittlung haben.

Darauf setzt zumindest die Patchworkfamilie, welche aufgrund von Mieterhöhung ihre Bleibe zwangsräumen musste. Über die anderen Bewohner der Unterkunft erfahren sie, dass diese schon ein knappes Jahr auf die Vermittlung einer Wohnung warten. Die Inszenierung „Love“ schafft es mit ihrer realistischen Art ein Spiegelbild von den Berliner Mietverhältnissen zu schaffen. Auch in der deutschen Hauptstadt sind viele Menschen von Wohnungsnot bedroht. Hier leben Familien teilweise in beengten Wohngemeinschaften oder Wohnungen, weil sie sich keine angemessene Bleibe leisten können.

Einen starken Kontrast zu den hyperrealen Arbeiten der 20. FIND-Ausgabe (fern von alltäglichen Diskursen) bieten Angélica Liddells Werke „Liebestod“ und „the Scarlet Letter“. Die Regisseurin arbeitet hier wie gewohnt provokativ, konstruiert Extreme in Bild und Wort. Ihre Texte beziehen sich auf hochkarätige Literatur, wie Richard Wagners „Tristan und Isolde“oder Antonin Artaud „Theater der Grausamkeiten“. Die Performance „Liebestod“ ist eine Art von Hommage an den spanischen Stierkämpfer Juan Belmonte und bedient sich einer Blutmetapher aus dem Stierkampf. Für ihr performatives Blutritual tunkt sie beispielsweise Brot in ihr eigenes Blut und verspeist es oder schneidet sich mit einer Rasierklinge Hände und Füße auf. Liddell bleibt in ihren neuen Arbeiten definitiv ihrer artifiziellen Theaterkunst treu und gilt laut dem Dramaturgen Florian Borchmeyer als „bedeutendste Textperformerin der Welt“.

Das Festival läuft noch bis zum 10. Oktober 2021 und präsentiert viele weitere spannenden Arbeiten aus dem Bereich der Gegenwartsdramatik, wie „Outside“ vom russischen Regisseur Kirill Serebrennikov oder Thomas Ostermeiers Inszenierung mit dem französischen Schriftsteller Édouard Louis „Wer hat meinen Vater umgebracht?“(„Qui a tué mon père“).

Einige Arbeiten aus dem FIND Programm befinden sich bereits im Repertoire der Schaubühne und lassen sich nachträglich anschauen, wie die klimaneutrale Inszenierung von Mitchell oder die Arbeit von Ostermeier. Geplant ist auch ein Remake von Alexander Zeldins „The Inequalities“ mit dem Schaubühnen Ensemble.

20. Ausgabe von FIND (Festival für Internationale Dramatik) – Schaubühne Lehniner Platz

Spieltermine: 29. September 2021 – 10. Oktober 2021,
https://www.schaubuehne.de

Foto: Richard Davenport (aus „salt.“, Selina Thompson)

Obwohl die Uraufführung von Ostermeiers >>Ein Volksfeind<< knapp fünf Jahre her ist, trifft es unseren heutigen Zeitgeist auf dem Punkt. Wir sind gefangen zwischen Recht und Gerechtigkeit, Macht und Wahrheit und der Frage, für welchen Preis ein Mensch beginnt seine Überzeugungen zu verraten? Wie hoch ist der Preis um die Wahrheit fallen zu lassen? Ab welchen Betrag wird Recht zu Unrecht? Oder welches Gefühl motiviert uns zu betrügen? In Ibsens >>Ein Volksfeind<< findet der Badearzt Thomas Stockmann (Christoph Gawenda) heraus, dass das Wasser im Kurort mit krankheitserregenden Mikroorganismen kontaminiert ist. Nachdem er seine Langzeitstudie seinen Freunden von der Presse zeigt, stehen sie absolut hinter ihm, oder wie der Verleger Aslaksen (David Ruland) so schön sagt: >>Sie haben die Mehrheit hinter sich.<<. Ein Artikel wird für den Druck vorbereitet, um das Volk über das verunreinigte Wasser aufzuklären. Doch dann taucht Thomas Bruder Peter (Ingo Hülsmann) in der Redaktion auf. Er ist der Stadtrat von dem Kurort und vergegenwärtigt dem Verleger Aslaksen und dem Redakteur Horstad (Renato Schuch), welche Auswirkungen so ein Skandal auf die Gemeinde haben würde. Prompt wird der Druck gestoppt. – Ab wann fängst Du an gegen Deine Überzeugungen zu handeln?

Der Regisseur Ostermeier inszeniert Ibsens Drama in realistischer Manier. Thomas Stockmann ist ein junger promovierter Familienvater, lebt mit Ehefrau (Eva Meckbach) und Kind in einer studentenähnlichen Bleibe, in der seine Freunde zum Jamen oder zum Essen vorbeischauen. Das Bühnenbild ist schlicht und zeichnet sich durch die ästhetischen Wandzeichnungen der Künstlerin Katharina Ziemke aus. Besonders durch Ostermeiers Methode des Storytelling können sich Zuschauer mit den Schauspielern und dem Gespielten identifizieren, was bei Thomas Stockmanns einberufener Versammlung zu einer hohen Partizipation der Zuschauern führt. In der Versammlung geht um das Ich, welches in unserer Gesellschaft irgendwo hineingepresst wird. INTEGRATION. Schlägt diese Integration bei Kindern beispielsweise fehl, dann werden sie pathologisiert, haben ADHS und bekommen Medikamente. Schließlich bewegt sich die Diskussionsrunde in Richtung Demokratie und der Frage: Ist es noch Demokratie, wenn es die Demokratie in Frage stellt?

Christoph Gawenda Foto: Arno Declair

>>Tut mir Leid, wir konnten nicht anders.<<

Eigentlich verdient unsere Gesellschaft den Untergang, da muss ich Dr. Stockmann zustimmen. In unserer Gesellschaft kann ein jeder erfolgreich sein, wenn er bloß Macht hat. Wer Macht hat, hat Freunde. Und wer im Recht ist, dem steht schon längst keine Gerechtigkeit zu. Er kann sich diese aber kaufen, sobald er die finanziellen Mittel dafür hat. Laut Aslaksen, ist der Mensch wandelbar, hoffentlich wandelt er sich bald zum besseren.

>>Ein Volksfeind<< | Schaubühne Berlin | Termine unter: http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/ein-volksfeind.html/m=318  Karten unter: +49.30.890023 oder ticket@schaubuehne.de

>>ICH BIN WIE GELD

Das ist auch was Schönes, denn Geld ist überall und kennt keine Grenzen,

keine Moral und keine Angst<<

SYSTEMZUSAMMENBRUCH. Wir leben in einem Zeitalter des Zerfalls. Nichts hat mehr Bedeutung, nichts hat mehr Wert oder bildet eine Einheit. KRISE. Finanzkrise. Identitätsproblem. Beziehungskrise.

>>Und wenn ich gehen würde, würde es nichts ändern

Und wenn ich bleiben würde, würde es nichts ändern

Und wenn du mich anschauen würdest, würde es nichts ändern

Und wenn ich dich berühren würde, würde es nichts ändern

Und wenn ich dich wirklich, wirklich wollen würde, würde es nichts ändern

Vergiss alles, was ich gesagt habe

Lass uns einfach alles so lassen, wie es ist

Es ist zu kompliziert, das jetzt zu ändern

Das hat nur mit mir zu tun

Das hat nichts mir dir zu tun

Du lebst dein Leben, ich leb mein Leben

Du bist da, ich bin hier<<

Die Inszenierung TRUST von Falk Richter und Anouk van Dijk hatte ihre Uraufführung am 10. Oktober 2009 an der Schaubühne in Berlin und nach fast sieben Jahren, hat sie nicht an Aktualität und Qualität verloren. Nein, es ist noch immer unbeschreiblich schön und zeigt, wie sehr eine Aufführung von Ensemble (Peter Cseri, Lea Draeger, Jack Gallagher, Cathlen Gawlich, Franz Hartwig, Angie Lau, Vincent Redetzki, Kay Bartholomäus Schulze, Nina Wollny) lebt und am Leben erhalten wird. Alle Beteiligten am diesen Abend -hier muss ich doch mein Bedauern ausdrücken, dass Judith Rosmair nicht mehr mitspielt- haben Großes auf der Bühne geleistet und gemeinsam mit Falk Richter und Anouk van Dijk ein überwältigendes Schauspiel geschaffen, das mit der Musik von Malte Beckenbach -und immer die Frage: Wo ist der Soundtrack der Aufführung erhältlich?- zutiefst bewegt. Der Text trifft den Nerv der Zeit und gemeinsam mit der Choreografie fesselt TRUST das Publikum. Die Ästhetik des Stücks ist genial und glänzt mit den Talenten, die jede Szene unvergesslich werden lassen.

TRUST ist das zweite Projekt, welches Anouk van Dijk und Falk Richter entworfen haben, in dem sie mit der Ästhetik von Tanz, Text und Musik, Stimmungen, Erkenntnisse der politischen Gegenwart und Gefühle erzeugen. Dabei sind die Momente, in denen sich Schauspieler und Tänzer gemeinsam zu wohlklingenden Tönen bewegen, die Augenblicke, in denen alles eigentlich ganz Still wird und die reine Ästhetik zu Tränen rührt.

Derzeit arbeiten Richter und van Dijk an ihrer neuen Inszenierung SAFE PLACES am Schauspiel Frankfurt. Wir dürfen gespannt sein; das Stück feiert am 8.10.2016 seine Uraufführung uns setzt sich mit der europäischen (Krisen-)Gesellschaft auseinander (https://www.schauspielfrankfurt.de/spielplan/premieren/safe-places/).

TRUST von Falk Richter und Anouk van Dijk| Schaubühne Berlin| 30.6.2017| 20 Uhr| Karten erhältlich unter: ticket@schaubuehne.de. Weitere Spieltermine folgen in der kommenden Spielzeit.

Irgendwo da Draußen tummeln sie sich; die Wiedergänger, die wollen, dass Deutschland, Deutschland bleibt. Die Untoten aus der Erde, die leben wollen, nicht vergessen werden wollen. Pegida, AfD, Front National und viele andere, die den Faschismus wieder salonfähig gemacht haben. Die nicht nur fragen, was Heimat ist, sondern sagen, wie Heimat und Familie auszusehen hat.

Mein Land heißt Deutschland … Und das mag ich, so wie es ist. Ich will einfach zeigen, dass ich Deutschland mag, dass ich für Deutschland einiges tun werde, und will mich auch nicht an irgendwelchen rechtsradikalen Dinge beteiligen. Ich steh einfach auf das Land als Deutschland. Wir sollten aufpassen, dass Deutschland, Deutschland bleibt.

Angekrochen kommen sie mit Rettungsplänen zum Abendland. Diese besorgten Bürger*innen stehen auf der Bühne als Pappfigur, Bild, Stimme und möchten ihr gelobtes Land verteidigen. Fünf Schauspieler*innen und drei Tänzer halten in einer zweistündigen Collage aus Text, Tanz, Musik, Fotos, Video der Gesellschaft einen Spiegel vor die Augen. Das Bild ist klar. Und es macht Angst. Es macht Angst diesen faschistoiden Stimmen zu lauschen; die Menschen sehen als >>FLUTMASSE, als LANGSAM AUSHÖHLENDE FLUTMASSE DIE AUF UNS LASTEN DAS DEUTSCHE AN UNSEREN DEUTSCHSEIN LANGSAM AUSHÖHLEN<<. Es macht Angst die Gesichter von den rechtsradikalen Mob präsentiert zu bekommen. Elektronische Musik von Malte Beckenbach pulsiert und unterstützt die grün beleuchteten Szenerie. Frauke Petry, Beate Zschäpe, Marie le Pen, Beatrix von Storch, Horst Seehofer und viele mehr. Von den Darsteller*innen hin montiert. Befestigt und angeklebt. So schnell gehen die nicht weg. Alle bewegen und kriechen, kommen aus der Erde und wollen nicht vergessen werden, wie Elfriede Jelinek es in ihrem Heimatmonolog „Wolken.Heim.“ geschrieben hat. Alle sind sie wieder da. Und wollen HEIMAT. HEIMAT? Was ist das überhaupt?

Falk Richters Inszenierung FEAR, die sogar wegen dem Rechten Flügel vor Gericht ziehen musste, zeigt uns emotional und rational, was hier DRAUßEN ist. Ein besorgt-hasserfüllter Mob, der DRAUßEN in unserer Gesellschaft tobt und irgendwas will… aber die wahren Gründe nicht erkennt und dafür den Faschismus wiederaufleben lässt. ÜBERALL DIESE BILDER. DIESE STIMMEN. Das macht ANGST. WIRKLICH ANGST. Weil den Mob bekommt mensch nicht einfach so wieder weg. Also wohin? Laut, FEAR ab ins Grüne, Gemüse anbauen,… um diesen ganzen System endlich mal entfliehen zu können. Keine so schlechte Idee… erst mal zurück zur Natur.

FEAR| Schaubühne Berlin| 24.6., 25.6., 27.6., 28.6., 29.6.2016| 20h| Spieltermine in der neuen Spielzeit: (http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/fear.html) Karten unter: ticket@schaubuehne.de

Schon einige Jahre ist es her, dass Tatjana Winter und Til zueinander finden und dem Berliner Zuschauer die Misere der Großstadt vergegenwärtigen, in der das leistungsstrebende Subjekt nach permanenter Nähe sucht, die er nicht zulassen kann. Die ständige (Selbst-)Optimimierung führt zu einer Narzissifizierung seines Selbst, wodurch der Andere verschwindet, nicht mehr wahrgenommen wird. Das Selbst geht auf in Selbstausbeutung und läutet damit das Ende der Liebe ein. Menschen können keine Bindungen mehr eingehen, haben Angst vor Nähe und Furcht vor Einsamkeit. Moderne Technologien ermöglichen Verbindungen mit einer unbeschreiblichen Distanz, die den ‚Verbundenden‘ eine Nähe suggeriert.

TIL: „die blonde“

TATJANA: „äh naja ja also“

TIL: „ach ja die Frau mit den zwei Kindern“

TATJANA: „Ja.“

TIL: „Ja aha und was genau wolltest du jetzt?“

TATJANA: „deine Stimme also ich dachte einfach dass (Pause) diese Musik hat mich einfach so … aufge … wühlt.“

TIL: „ach ja das ist … nett, warte mal, kann ich … shit. Warte … kann ich dich irgendwie … später …“

TATJANA: „Was?“

Genau wie die technologischen Verbindungen, ist die Bindungsfähigkeit der Menschen gestört. DISCONNECTED! Vertrauen wird zur Herausforderung und die Bindungsfähigkeit zu einem unerfüllbaren Wunsch. Richters Konzertlesung, die am 11. Juni 2016 an der Schaubühne mit musikalischer Begleitung von Helgi Hrafn Jónsson stattgefunden hat, hat über die Texte von „For the disconnected Child“, „Small Town Boy“ (UA Maxim Gorki Theater Berlin 2014) und „Zwei Uhr Nachts“ (UA Schauspiel Frankfurt 2015) die disconnected Kids auftreten lassen. Mit den Schauspielern Ursina Lardi und Tilman Strauß sowie dem Autor und Regisseur Falk Richter verkörpert die Lesung rastlos suchende Menschen, die in einer Welt voller Möglichkeiten nach Bindungen streben. Unfähig sind sich einzulassen. Sich dann doch wieder allein abends vor den Schwuz wiederfinden. Und schutzlos in der Welt herumirren. Die Lesung wandelt sich dank talentierter Schauspieler und Autor-Regisseur zu einer Performance mit großartigen Unterhaltungswert und mitfühlender Dramatik. Wieder einmal konnte mensch den bedeutenden Texten von Richter lauschen und dabei zusehen, wie die Darsteller dem Text emotionale Tiefe verleihen. Neben der Lesung präsentierte der isländische Musiker Helgi Hrafn Jónsson, der sowohl die Musik für „For the disconnected Child“ und „Zwei Uhr Nachts“ mitkomponiert hat, Lieder aus seinem neuen Album „VÆNGJATAK“ und spielte zusätzlich in bekannter und geliebter Qualität Songs aus der Inszenierung „For the disconnected Child“. Wie auch in den Aufführungen, wurde hier Sprache zu Klang und verteilte Emotionen an die Großstadt. Ein sehr hervorragender Abend den Richter mit Zuschauern und Freunden Daheim an der Schaubühne geteilt hat. Danke!

Das Buch zur Lesung: „SMALL TOWN BOY und andere Stücke“ von Falk Richter| Theater der Zeit| 16,00€| Erhältlich unter: http://www.theaterderzeit.de/buch/small_town_boy_und_andere_st%C3%BCcke/.

Helgi Jonsson on Tour| 24.9.2016 Christuskirche (Düsseldorf), 20.00 Uhr; 25.9.2016 Monsouturm (Frankfurt), 20.00 Uhr; 26.9.2016 Admiralspalast (Berlin) 20.00 Uhr| Karten unter: http://www.helgijonsson.com/tour/.

Alle sind auf der Suche nach Identität beziehungsweise dem Gefühl von Zugehörigkeit; egal ob Frau, Mann, heterosexuelles oder homosexuelles Pärchen. Ihr Alltag ist ständig von Fragen begleitet: Wer bin ich? Wer sind wir? Was macht uns aus? Wo gehören wir hin? Und wer gibt uns vor, wer, wie, was wir sein sollen? Ist es die Gesellschaft? Sind es die Eltern oder die Herkunft, die für mein Zugehörigkeitsgefühl verantwortlich sind und mir sagen sollen, wie ich zu sein habe?

In Falk Richters und Anouk van Dijks fünftem gemeinsamen Projekt „Complexity of Belonging“, in der fünf Tänzer und vier Schauspieler unterschiedlich miteinander agieren und sich in Szene setzen, begibt sich die französische Forscherin Eloise (Eloise Mignon) auf die Suche nach dem Begriff von Zugehörigkeit. Mittels Interviews über Herkunft, Beziehung, Gemeinschaft versucht sie sich dem Begriff und dem Gefühl von Zugehörigkeit zu nähern. Dabei trifft sie auf unterschiedliche Charaktere, wie einer Traumatherapeutin (Karen Sibbing), die um ihre Fernbeziehung kämpft oder auf einen Mann (Stephen Phillipps), der kurz vorm Burnout steht, weil die Gesellschaft mit all ihren Ansprüchen an ihm zerrt. Dieses Moment, in der der Mann seiner Freundin via Skype seine innigsten Gefühle mitteilt und von seiner Erfolgsdepression berichtet, treffen die Genres Text, Tanz und Musik in gemeinsamer Harmonie aufeinander, ergänzen sich gegenseitig und erzeugen somit die intendierte Stimmung von Stress, gesellschaftlichen Druck und Angst im Raum. Malte Beckenbachs düstere Klänge, die sich unter anderem wie ein pulsierender Herzschlag anhören, unterstützen Stephen Philipps Aussagen: „Ich hasse meinen Körper und vielleicht sollte ich mit meinem Leben etwas sinnvolles machen, wie beispielsweise zu Greenpeace gehen“. Während des Gesprächs tanzt Lauren Langlois um ihm herum, zerrt wie die gesellschaftlichen Zustände an ihm, laugt ihn aus, in dem sie auf ihn klettert, auf seinen Schultern sitzt und mit ihrem Gewicht einen Druck ausübt, der unsere heutigen Leistungsgesellschaft nahe kommt. „Ich will schlafen und ausruhen. (…) Wieso kann mir keiner sagen, was ich machen soll? Ich möchte glücklich sein!“.

Aber auch die Szene in der Lauren nach ihrem perfekten Mann sucht, vergegenwärtigt, dass wir uns in einer Identitätskrise befinden. Lauren ist nämlich hin und her gerissen von den ganzen Stereotypen, die einen perfekten Mann ausmachen.

Innerhalb ihres Monologs wird sie durch den Bühnenraum gezogen, gestellt, gesetzt; wie eine Marionette lässt sie sich von den ganzen gesellschaftlichen Normen und Stereotypen beeinflussen und formen. Dabei möchte sie eigentlich nur geliebt werden; auch wenn sie nicht genau weiß, was das eigentlich sein soll.

„Complexity of Belonging“ erweitert nicht nur Text durch Tanz, sondern unterbricht das Schauspiel mit spektakulären Tanzeinlangen. Besonders aussagekräftig ist die Choreografie, in der Schauspieler und Tänzer in einer Diagonale auf Sesseln sitzen. Erst adrett, abwechselnd nach links oder rechts fallend, dann gemütlich sitzend. Wie in einem Loop gefangen, symbolisieren sie ihre Verfangenheit in der Gesellschaft, in der sich der Mensch seinen eigenen Platz suchen muss, um existieren zu können. Diese äußerst beeindruckende Choreografie, wird von Malte Beckenbachs Komposition bestens untermalt und erzeugt eine energiegeladene und doch nachdenkliche Stimmung.

Richters Texte, die er mit Hilfe von persönlichen Geschichten der Darsteller geschrieben hat, greifen nicht nur Klischees auf, stellen unsere transparente Leistungsgesellschaft in Frage, sondern thematisieren ganz zentral Rassismus, Gender, das Finden von Geschlechteridentitäten und wie unsere Gesellschaft damit umgeht. Beispielsweise wünscht sich Josh von Joel ein Kind. Mit Sarkasmus versucht Josh seinem Partner zu erklären, wie sie ihren Kinderwunsch erfüllen können: „Let’s have an international surrogate baby“.

Falk Richters und Anouk van Dijks Projekt „Complexity of Belonging“, welches am 6.10.2014 an der Melbourne Theatre Company seine Uraufführung feierte und nun durch Europa tourt, ist eine beeindruckende Inszenierung, in der die Schauspieler und vor allem die Tänzer von Chunky Move großartige Leistungen vollbringen. Auch die Musik von Malte Beckenbach, die immer wieder mit ihren Klängen Tanz und Text unterstützt und die Szenen in Emotionen und Energien festigt, ist einfach wundervoll. Das australische Himmelpanorama von Robert Cousins wird durch die unterschiedliche Beleuchtung (Niklas Pajanti) zum Leben erweckt und verleiht der ganzen Szenerie Lebendigkeit. So atemberaubend „Complexity of Belonging“ auch ist, weil ernsthafte politische Problematiken sich in beeindruckenden Tanz und unter anderem Humor finden lassen, eröffnet das Schlussmoment die „Weisheit des Abends“, dass der Mensch für den Anderen lebt – abgesehen von der falsche Schlussfolgerung – eine viel zu starke Tragik, die nicht weiter ausgeführt wird und dadurch plakativ wirkt. Dennoch ist „Complexity of Belonging“ von den Künstlern Falk Richter und Anouk van Dijk ein großartiges Meisterwerk mit atemberaubenden Tänzern und Schauspielern, das jegliche Art von Bewunderung verdient!

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Schaubühne Berlin | COMPLEXITY OF BELONGING | 26., 27., 28., 29. Mai 2015 | Jeweils um 20:00h. Karten unter: ticket@schaubuehne.de

Thèâtre National de Chaillot | COMPLEXITY OF BELONGING | 3., 4., 5., 6., Juni 2015 | Jeweils um 21:00h. Karten unter: http://theatre-chaillot.fr/en/dance/complexity-of-belonging