Postmigrantische Frauen als stummes Uhrwerk der Arbeit

Die Uhr steht. Sie lässt den Zeiger immer wieder an der gleichen Stelle aufschlagen, um ihr Herz (das Uhrwerk) in rhythmischen Tönen in den schwach-beleuchteten Theatersaal zu tragen. Dennoch wirkt die geschaffene Szenerie kalt. Und als der Vorhang aufgeht, steht die Frage im Raum, wo befinden wir uns?

Erziehungsanstalt? Hof? Wartesaal? Pflegeeinrichtung? Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 in Berlin-Kreuzberg hat eine lange Geschichte hinter sich. So scheint es wenig verwunderlich, dass der siebte Berliner Herbstsalon sich dieses postmigrantische Monument als Ausgangspunkt nimmt, um über Frauen aus der Arbeiterklasse zu sprechen. Jene „(…) schöne, gebildete, würdevolle, junge Frauen der ersten Generation von Einwanderinnen (…) die sich mit Arbeit unabhängig machte(n), sich emanzipierte(n) und dabei andere Frauen unterstützte(n).“, wie Langhoff es ausdrückt.

In Ersan Mondtags Inszenierung „das Rote Haus“ treffen wir auf vier dieser Frauen, Canan, Keriman, Saadet, Yüksel. Alle vier sind ihrem Traum von Unabhängigkeit gefolgt. Sie kamen nach Berlin, nahmen eine Anstellung bei dem Elektronikunternehmen Telefunken an und zogen dafür in das firmeneigene Wohnheim, das Rote Haus.

Angekommen in dem Gebäude, warten die nun gealterten Frauen. Nacheinander und im Loop gefangen fragen sie, „Sind Sie meine Enkelin?“. Teilweise schon genervt, schauen die betroffenen, jungen, rauchenden Pflegekräfte (Arbeiterinnen) von ihrem Smartphone auf. Sie wollten eine Auszeit auf dem Hof nehmen. Widerwillig gehen sie auf die suchende, gealterte Frau zu, nehmen sie an die Hand. Eine Symbiose entsteht.

Superfrauen werden zu biografischen Blitzlichtern des Roten Hauses

Es beginnt eine biografische Rückblende in schwarz-weißen Pop-Art. Ein Cartoon, der sich mit den Schattenbildern von gealterten Ich und Alter Ego erweitert. Die Frauen, Canan, Keriman, Saadet und Yüksel werden in ihrer Blende wie Superheldinnen vorgestellt; so bekommt Yüksel den Beinamen, die Resolute.

Ihre Geschichten wirken wie historische Blitzlichter des Roten Hauses, weil sie kurze biografischen Sequenzen sind; die zu dicht, zu komplex und zu schnell abgehandelt werden. Letztendlich bleibt nichts von den Geschichten der Frauen im Gedächtnis haften.

„Kill Your Darlings!“ für glänzende Superfrauen

Die biografischen Sequenzen haben eine Zeitverschiebung herbeigeführt, sodass das junge Alter Ego in einem Mehrbettzimmer aufwacht. Es sind die 60er. Eine Zeit, in der die Frauen bei Telefunken angestellt waren. Im Wechselspiel und durch die Zeit reisend, erscheinen Alter Ego und gealtertes Ich; dabei nimmt das gealterte Ich in erster Linie eine kommentierende Rolle ein. Wirklich mehr erfahren wir von den Superfrauen nicht. Die Geschichte des Hauses rückt in den Vordergrund.

Ersan Mondtag und sein Inszenierungsteam hätten sich einen Gefallen getan, wenn sie die Worte und die Geschichten der Frauen in den Fokus gestellt hätten. Wie René Pollesch es einst sagte, Kill Your Darlings!“; weniger ist oft mehr.

ЯE:IMAGINE – The Red House ist bis zum 30. November 2025 zu erleben

Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 bildet den Rahmen des siebten Herbstsalons und lädt mit unterschiedlichen Arbeiten zur Reflexion der Gegenwart ein, „um das Heute zu begreifen, (müssen wir) das Gestern kennen. Anders bekommen wir exakt das Morgen, das wir nicht brauchen können.“, schreibt Langhoff zu Яe:imagine. Ihre Worte sind ein guter Wegweiser für Deutschlands politische Misere, die droht in einer bereits erlebten Katastrophe zu enden. – Der Herbstsalon 2025 ist noch bis zum 30. November geöffnet.

Yael Ronen und ihr Gorki-Ensemble nehmen sich in >>Yes But No<< dem Thema #MeToo an und versuchen mit Witz und Gesang ein intimes Theater zu schaffen, welches interaktiv mit dem Publikum zusammenarbeitet.

Wellnessurlaub auf der Bühne. In Bademäntel gekleidete Schauspieler*innen (Riah May Knight, Lindy Larsson, Svenja Liesau, Orit Nahmias, Taner Şahintürk), die sich liegend auf den quadratischen Hockern rekeln und auf einen ruhigen Zuschauersaal warten, erlebt das Publikum eher selten. Sobald es still ist, berichtet die leicht bekleidete Schauspielerin Orit Nahmias, was an diesem Theaterabend passieren wird und zwar werden wir hier alle ganz intim. Auch wenn wir uns gerade mal 5-10 Minuten kennen, möchte das Gorki-Ensemble die Gelegenheit, in der Menschen nicht auf ihr Smartphone schauen, nutzen, um dem Riss im System, welches beispielsweise #MeToo möglich macht, eine lebenswertere Gesellschaft entgegensetzen. Eine Gesellschaft, die sich vom Machtgefühl der Dominanz entfernt und sich der Kooperation zuwendet. Aber die Einladung zum Versuch >>From Domination to Cooperation<< ist >>keine Einladung zum Sex!<<, betont Schauspielerin Nahmias, sondern ein Workshop, der im Anschluss an die Vorstellung versucht, gemeinsam mit den Zuschauern Grenzen auszuloten. Intim und musikalisch geht der Abend weiter und erforscht über (persönliche) Erlebnisse der Schauspieler*innen die Räume von sexuellen Erfahrungen, wie >>Hampelmänner tanzen<<, Experimente mit dem Dildo von Mutter oder haushaltsüblichen Gemüse. Oder Kondome auf Penisse aufziehen und sich gegenseitig im Arm halten, weil Homosexuelle das so machen.

Die meisten Geschichten sind amüsant, zynisch und steigern sich bis zu Erlebnissen von sexuellen Missbrauch. Beispielsweise erzählt Schauspielerin Svenja Liessan von der täglichen Vergewaltigungen ihres Stiefvaters. Und von ihrer Mutter, die während der Momente des sexuellen Übergriffs im Bad den Haartrockner eingeschaltet hat. Diese Erzählungen sind sehr verstörend und nicht geeignet für vorbelastete Persönlichkeiten, weswegen es wünschenswert wäre, wenn in der Stückankündigung eine Triggerwarnung vermerkt wird.

Regisseurin Ronen koppelt die unterschiedlichen Erzählungen und Diskussionsbeiträge mit musikalischen Einlagen, die unter anderem von dem israelischen Komponisten Duo, Yaniv Fridel und Ofer Shabi und dem Songschreiber Shlomi Shaban produziert wurden. Die Gesangseinlagen des Ensembles passen sich der #MeToo-Thematik an und behandeln Problemfelder auf dem künstlerischen Niveau eines Musicals, wie >>eine Einverständniserklärung zum Sex<< oder wann ist ein NEIN! Ein NEIN! Auch wenn Ronens >>Yes But No<< zentrale Punkte der #MeToo-Thematik anspricht und einen Raum für sexuellen Missbrauch öffnet, ist die Inszenierung insgesamt eher schwach. Das liegt unter anderem an einem fehlenden Konstrukt oder Plot, der den Abend zusammenhält. Auch das Spiel mit Videoelementen ist eher mager; eine Livecam wäre hier für mich interessanter gewesen, als das bloße Abspielen von Videos. Beneidenswert ist aber, dass Ronen und ihr Ensemble versuchen mit >>Yes But No<< ein partizipatives Theater zu kreieren und die Theatervorstellung zu einem diskursiven Raum machen, um ein anderes Machtverhältnis zu schaffen.

>>YES BUT NO<<, Maxim Gorki Theater Berlin, Weitere Vorstellungen, 28.9., 5.10. und 29.10. Karten unter: ticket@gorki.de und 030 20221-115.

Mit >>Mut zur Wahrheit<< treten das Schauspielensemble (Nika Mišković, Mehmet Ateşçi, Svenja Liesau, Till Wonka, Falilou Seck, Mareike Beykirch, Alexander Sol Sweid) von Oliver Frljićs Inszenierung >>Gorki – Alternative für Deutschland?<< auf die Bühne des Maxim Gorki Theaters und hinterfragen in einen offenen Diskurs die Strukturen ihres Hauses. Das migrantische Theater hat ein besonderes Einstellungsverfahren, in dem es Minderheiten und Migranten bevorzugt. Entscheidend beim Bewerbungsverfahren ist der (Migrations)hintergund. Sie fragen sich, warum sie gerade hier auf der Bühne stehen? Liegt es an der Hautfarbe, an einer zu erfüllenden Quote oder an ihrer Geschichte? Oder hat es doch etwas mit ihrer Qualifikation zu tun? Um dies herauszufinden, werden Mareike Beykirch und Svenja Liesau in ein Battle geschickt. Beide erzählen etwas von ihren biografischen Schicksalsschlägen und der Zuschauerapplaus entscheidet, welche Darstellerin am Gorki-Theater weiterarbeiten darf. Ein kurzer Werbespot zur AfD. Weiter geht es mit der deutschen Geschichte des Maxim Gorki Theaters, über die Ängste der Darsteller, die die  Inszenierung >>Gorki – Alternative für Deutschland?<< in Richtung Faschismus lenkt und versucht die unterschiedlichen Szenen zu synthetisieren.

Regisseur Oliver Frljićs, der sich durch seine provokanten Arbeiten auszeichnet, setzt in der Inszenierung >>Gorki – Alternative für Deutschland?<< sehr viel auf überspitze Selbstreferentialität. Er verbindet die Identität der Schauspieler mit der gegenwärtigen Zeit und dem Theaterraum. Dadurch erschafft er eine Hyperrealität, in der die Schauspieler als selbsternannte Minderheiten anfangen das Fremde auszugrenzen und aus Angst vor Armut, Veränderungen oder Arbeitslosigkeit in die AfD eintreten. Besonders gelungen ist das Kostümbild von Sandra Dekanić, welches das Ausgrenzen als menschliche Eigenschaft untermalt, in dem jeder Darsteller einen Bestandteil von Mareikes späterer SS-Uniform an sich trägt. Dennoch verliert sich Frljićs bei seinem Versuch die Hyperrealität aufrechtzuerhalten in der Selbstreferentialität und wird der Frage, was kann Theater in Zeiten rechtextremer Gewalt leisten in keiner Weise gerecht. Das erstklassige Gorki-Ensemble, welches er auf der Bühne stehen hat, wird wenig in seinem schauspielerischen Können herausgefordert und muss permanent auf sich selbst zurückgreifen. Tiefgreifende Substanz entwickelt >>Gorki – Alternative für Deutschland?<< erst mit der Frage von Svenja an ihren Sohn Franz (Alexander Sol Sweid): >>Würdest Du für Deutschland sterben?<< Er antwortet mit >>Warum?<<.

Faschismus ist wieder salonfähig geworden und bei der immensen Rückkehr des Nationalsozialismus, der sich durch demokratische Strukturen legitimieren lässt, ist die Frage, >>Würdest Du für Deutschland sterben?<<, das mindeste, was wir für unsere nachkommende Generation tun können.

>>Alternative für Deutschland?<<, Maxim Gorki Theater Berlin, Weiterer Spieltermin: 23.3., 7.4., 12.4., jeweils um 19.30 Uhr. Karten unter: ticket@gorki.de oder 030 20221-115.

Der Dramatiker Heiner Müller befasst sich in seinem Werk >>Die Hamletmaschine<< (1977) mit der Situation des Intellektuellen in der Zeit der DDR. Dort ist der Intellektuelle zum Zuschauer von Aufständen und Revolutionen geworden. Er ist der zweite Clown im kommunistischen Frühling, welcher das Volk mit belangloser Kunst unterhält und nicht ins zeitliche Geschehen eingreift. Dieses Motiv greift das Exil Ensemble (Maryam Abu Khaled, Mazen Aljubbeh, Hussein Al Shateli, Karim Daoud, Tahera Hashemi, Kenda Hmeidan, Ayham Majid Agha) des Maxim Gorki Theater in Berlin auf und transportiert es nach Syrien. Hier befindet sich Müllers Intellektueller als dritter Clown im Arabischen Frühling. Insgesamt befinden sich in Sebastian Nüblings Inszenierung >>Die Hamletmaschine<< sieben Schauspieler als Clowns auf der Bühne. Die Schauspieler stammen aus Syrien, Palästina oder Afghanistan. Alle kommen aus Kriegsgebieten, haben Fluchterfahrung und leben im Exil. Müllers Text >>Die Hamletmaschine<< wird an diesen Abend nur kaum gesprochen. Er erscheint hauptsächlich als Projektion in Deutsch, Englisch und Arabisch. Nur selten wird Bezug zum Text genommen. Müllers Drama wird mit Texten von Ayham Majid Agha ergänzt, welche die Clowns über den Brudermord von Kain und Abel nach Syrien, Damaskus, führt. Figuren und Handlungszusammenhänge verschwinden. Im Vordergrund von Nüblings Interpretation steht die belanglose Kunst der Clowns. >>[Das] Drama findet nicht mehr statt.<<, weder auf der Bühne noch in der Realität.

An diesem Abend wird das Publikum von sieben skurrilen Clowns unterhalten. Sie sprechen und projizieren ein Drama, das auf der Bühne nicht stattfindet. Zauberkunst und sinnentleerte Handlungen dominieren auf der Bühne. Im Äquivalent zu unserer realen Gesellschaft, hier spielt ein Drama. Genozide, wie beispielsweise an der syrischen Bevölkerung, sind Teil des Trauerspiels, die akzeptiert werden. Giftgasanschläge zur Ausrottung von Bevölkerungen werden nur beiläufig registriert. Das Drama >>Welt<< wird unter aller Augen gespielt, doch keiner interessiert sich dafür. Der Clown als Sinnbild des Intellektuellen im Arabischen Frühling verliert sich in der absurden Darstellung von Belanglosigkeiten. Wirre Handlungen und abstrakte Bilder sind das Fundament von Nüblings Inszenierung. Besonders misslungen ist Nüblings Orphelia-Szene, in der Hamlet eine Frau sein will. Hier holt ein weiblicher Clown spielend sein Luftballon-Glied hervor und relativiert die Geschlechtsidentität von Menschen auf das bloße Geschlechtsorgan. Auch wenn Müllers >>Hamletmaschine<< sehr offen für unterschiedliche Interpretationen ist und viele Möglichkeiten bietet mit ihr umzugehen, wäre es doch schön gewesen, wenn Heiner Müller an diesem Abend nicht verschwunden wäre. Müllers grausame und starke Poesie, welche prägende Bilder erzeugt, treffend unsere moderne Gesellschaft beschreibt und von seiner besonderen Sprache und Ausdruck lebt, ist unter den absurden Clowns verschwunden. Müller war an diesen Abend schlichtweg tot. Nur seine Worte hingen noch an der Wand.

>>Die Hamletmaschine<<, Maxim Gorki Theater Berlin, Weitere Spieltermine: 16.3., 6.4., 20.4., jeweils um 19.30 Uhr. Karten unter: ticket@gorki.de oder 030 20221-115

>>Kunst ist national und lässt sich nicht in alle Kulturen integrieren<<, sagen die Schauspieler*innen (Marthe Lola Deutschmann, Antonia Mohr, Jonathan Bruckmeier, Gunnar Schmidt) im Prolog der Inszenierung von >>STOLPERSTEINE STAATSTHEATER<<, welches im Rahmen des Dritten Berliner Herbstsalon am Maxim Gorki Theater gastierte. Seine Uraufführung feierte das Stück >>STOLPERSTEINE<< am 21.6.2015 in Karlsruhe zum 300-jährigen Stadtgeburtstag. Die Regisseure Hans-Werner Kroesinger und Regine Dura erarbeiten aus früheren Personalakten, alten Zeitungen, Flugblättern, Propagandatexten, Briefen und Postkarten eine Textfassung, die sich auf vier biografische Geschichten von Lilly Jank, Paul Gemmecke, Emma Grandeit und Hermann Brand stützt. Die Schauspieler*innen referieren an diesem Abend die recherchierten Akten, welche mit Zeitzeugenberichten und Liedern ergänzt werden, um der Textfassung Lebendigkeit zu verleihen. In wechselnden Rollen, oft wird nicht deutlich in welcher Rolle sie sich nun befinden, rekonstruieren die Schauspieler*innen die Zeit nach 1933 am Stadttheater Karlsruhe. Eine Zeit, in der Theaterkünstler aufgrund antisemitischer Diskriminierung entlassen wurden. >>STOLPERSTEINE STAATSTHEATER<< ist eine gelungene Arbeit im Rahmen des Dokumentartheaters. Das recherchierte Material erinnert mit den Worten der Betroffenen an die Schicksale der Karlsruher Opfer und zeichnet nach, wie das Dritte Reich mit seiner nationalsozialistischen Politik sich auf den Kulturbereich auswirkte. Leinwandprojektionen und gesungene Lieder verleihen der Inszenierung die nötige emotionale Kraft die Zuschauer ins Dritte Reich zu versetzen. Dem Ensemble gelingt es einen großen Teil an Aufklärungsarbeit zu leisten. Wie die Stolpersteine vom bildenen Künstler Günter Demming erinnern sie an die Opfern des Nationalsozialismus, in dem sie immer wieder über weitere Briefe oder Erinnerungen stolpern, welche die Betroffenen Künstler auf die gegenwärtige Bühne bringen. Auf theatralischer Ebene ermöglicht die dokumentarische Textfassung >>nicht viele Spielräume<<, sodass das Schauspiel eher trocken und oft unbelebt am Produktionstisch stattfindet, was dem Geschehen nötige Spannung und Emotionalität raubt, auch die vielen Rollenwechsel verwirren eher das Schauspiel, als dass es der Inszenierung hilft.

Die Performance-Künstler Johannes Maria Schmit und Iggy Lord Malmborg theatralisieren seit 2009 mit ihrer Serie >>white on white<< weiße Subjektivität aus weiß-männlicher Perspektive. Das kritische Unterfangen des Weiß-Seins hatte in der Amtszeit von Barack Obama, laut den Performern ein dialektisches Moment. Nun ist Donald Trump Präsident und es findet eine ununterbrochene Inszenierung eines weißen Mannes in Machtposition statt. Mit der Arbeit >>white on white #Fuckme!<< versuchen die Künstler sich neu zu positionieren. Dazu verfrachten sie das Publikum des Studio R vom Maxim Gorki Theater in einem Raum mit einer Bestuhlung aus roten Gymnastikbällen. Auf der Bühne befindet sich ein Radio, links und rechts jeweils ein Stuhl und vor den Stühlen ein Bild von Walter Benjamin und Theodor W. Adorno. Nach einiger Zeit strahlt das Radio Informationen in den Raum aus, wie >>Du hast das Recht ein Teil der Masse zu sein<< oder >>Ich bin die Lügenpresse<<. Das Radio sagt den Zuschauern, wo sie sich befindet und zu welcher Klasse sie gehören. Es gibt kein entkommen. Neben musikalischen Stücken, sendet das Radio Passagen von George Lukács >>Geschichte und Klassenbewusstsein<< und fragt: Was ist Kulturmarxismus? Grob rezitiert, beschreibt der Begriff >>Kulturmarxismus<<, welcher aus der Frankfurter Schule stammt, eine kritische Auseinandersetzung mit dem Bild von weißen US-Amerikanern, die Stolz auf ihre weiße Ethnie sind und ein konservatives Wertesystem vertreten. Schmit und Malmborg simulieren eine Radiosendung, welche auf die Masse einrieselt. Mit dem Radio als Akteur (Unterhaltungsmedium) des Abends greifen sie Lukács Kritik an die passiven Proletarier auf, die die Sklavenhaltergesellschaft des Kapitalismus akzeptieren und den Konsum von Medien, die die Ideen der herrschenden Klasse propagieren, nicht ausreichend reflektieren und die bürgerliche Ideologie nicht in Frage stellen. Gleichzeitig schafft das Performance-Duo eine neue dialektische Form, in dem sie als herrschende Klasse das Radioprogramm gestalten, das Lukács, Adorno und Benjamin zitiert. Die Zuschauer auf den roten Gymnastikbällen erfahren im Sinne des Kulturmarxismus eine Gehirnwäsche in der Tradition der Frankfurter Schule. Das Performance-Duo beweist mit >>white on white #Fuckme!<< nicht nur einen bewussten Umgang mit komplexen Theorien, sondern auch mit theatralen Strukturen und moderner Ästhetik.

>>white on white #Fuckme! (we didn‘t make it)<< | Studio R am Maxim Gorki Theater| 23.11., 20.30h| Karten unter: ticket@gorki.de

Vorhang auf für Gypsyland Europa. Wie in einer Fashionshow treten die Schauspieler*innen mit Elektrosound in knalligen Kostümen auf, laufen nach vorne an den Steg und präsentieren mit Hilfe des Mannes in Glitter ihre Persönlichkeiten. Da ist beispielsweise Mehmet, ein schwul-queerer Raucher und Lindy, ein Roma aus Schwede. Ein Romani-Traveller, der nicht immer offen zugibt, schwul zu sein. Er hat keine Lust sich jedes Mal rechtfertigen zu müssen. Dafür hasst er sich. Ein Stich ins Herz. Choreografisch untermalen die Schauspieler*innen ihre Aussagen und Statements, bis sie sich, beziehungsweise einen Teil ihrer Kleidung abgelegt haben und über ihre Erfahrungen als Ausgegrenzte der Gesellschaft sprechen. Negerlippe, Kanake oder Zigeuner werden sie diffamierend genannt. Was soll in diesem Stück thematisiert werden? – Nun kommen die Angehörigen der Schauspieler*innen zu Wort. Das Ensemble setzt sich an diesem Abend hauptsächlich aus Roma und Romani-Traveller zusammen. Gemeinsam mit den unterstützenden Kräften, Orit und Mehmet ergründen sie das Leben als Roma in unserer Gesellschaft und zeigen auf, wie versucht wird die Geschichte der Sinti und Roma, sowie die Menschen selbst auszulöschen. Beispielsweise erzählt Mihaela von der Zwangssterilisierung ihrer Cousine in einem rumänischen Dorf. Mit der Zwangssterilisierung wurde eine Überproduktion an Kindern verhindert und eine Maßnahme zur Ausrottung der Roma eingeleitet. Der Vorhang mit Gypsyland Europa wird heruntergerissen. Nun befinden wir uns in Großbritannien im Jahre 2003. Riah erzählt mit meditativen Trommelschlägen von einem Hassverbrechen durch die weiße Mehrheitsbevölkerung gegen die Roma an ihrem Kindheitsort. Ihre Erzählungen erinnern an eine mittelalterliche Hexenverbrennungsorgie. Die Roma wurden verbrannt. Keine Medien berichteten davon. Erst als ihre Mutter, eine britisch-privilegierte Romni, mehrere Medien anruft und von den Ereignissen erzählt, werden die Medien aufmerksam und stürmen das Dorf. Daraufhin verbarrikadiert die Polizei den Ort. Aber nicht, um die Bevölkerung vor den Medien zu schützen, sondern aus Angst vor der Rache der Roma. Als die Dorfbewohner von den ‚Verrat‘ an die Medien erfuhren, wurde Riahs Familie gebrandmarkt.

>>Ein Mensch ohne Geschichte existiert nicht und hat keine Zukunft<<

Gelöscht, betrogen, verraten. Die Geschichte der Roma ist heute noch immer nicht vollständig dokumentiert, anerkannt und aufgearbeitet. Ein paar olle Denkmäler helfen nicht, um einen Genozid ausreichend offen zu legen oder die Opfer für ein Verbrechen an das Mensch-Sein zu entschädigen. Schämen sollte sich Deutschland und alle anderen Länder, die immer wieder Rechtsextremisten einen so freien Raum in der Gesellschaft ermöglichen, dass die nationalsozialistische Vergangenheit nicht hinreichend aufgearbeitet werden kann. Immer wieder werden Menschen als Andere wahrgenommen, ausgegrenzt und zu einer auszulöschenden Minderheiten degradiert. Weshalb >>ROMA ARMEE<< dieser Degradierung den Superheldenstatus entgegensetzt. Nur Besonderheiten haben die Fähigkeit und die Gabe die Welt zu verändern und zu einem besseren Ort zu machen, was das Stück mit seinen Schauspieler*innen und den musikalisch-choreografischen Unterbrechungen auf jeden Fall erreicht hat. Ronen und Ensemble verarbeiten ein hartes Stück verdrängte Geschichte mit viel Witz, Zynismus und Musik zu einer dramatisch und kunterbunten Revue, die das Schweigen über die Geschichte der Roma bricht.

ROMA ARMEE | Maxim Gorki Theater| 13. – 15.10.2017 jeweils um 19.30 Uhr| Karten unter: 030-20221-115 oder ticket@gorki.de

>>Gefangen im Sammelbecken für Opfer<<, so beschreibt die Schauspielerin Mareike Beykirch ihre Herkunft aus Sachsen-Anhalt. Sie kommt aus armen Verhältnissen. Ihre Mutter putzt, um die Familie zu ernähren. Und als das Putzen nicht mehr ausreicht, muss sie Hartz 4 beantragen. Mareike hat inzwischen eine gute Schauspielausbildung absolviert, arbeitet an einem renommierten Theater und ist intellektuell. Sie findet keine sprachliche Ebene, um sich vernünftig mit ihrer Mutter zu unterhalten. Wenn sie zu Hause ist, fühlt sie sich, als habe sie >>Schichtverrat<< begangen. Sie passt nicht mehr in dieses System. Auch die Schauspielerin Çiğdem Teke hat Systemverrat begangen. Sie hat einen Sohn und lebt mit einer Frau zusammen. Statt Mutter-Vater-Kind, lebt sie mit ihrer Frau und ihrem Sohn in einer queeren Familie oder in einer sogenannten Regenbogenfamilie. Das Wort Familie greift nicht mehr, da passen sie nicht mehr rein.

>>die sprache ist ja so brutal, entweder sie beschreibt dich und schreibt dir ständig irgend etwas zu, das du dir gar nicht ausgesucht hast, das du nie als teil von dir erzählt haben wolltest, oder sie erwähnt dich gar nicht, und dann gibt es dich nicht, dann wird deine geschichte nie erzählt, dann musst du ständig die geschichten anderer erzählen, dich verstellen und so tun als seist du gar nicht du oder als tue diese abweichung, diese DIFFERENZ gar nichts zur sache, und dann fühlst du dich wie ein VERRÄTER AN DIR SELBST dabei haben ja die anderen dich verraten, sie schaffen eine sprache, in der du nicht vorkommst […] ALS OPFER WILL ICH HIER GANZ SICHER NICHT SPRECHEN<<

Falk Richters Charaktere berichten in dem Projekt >>VERRÄTER<< über persönliche Momente, in denen sie sich als Verräter gefühlt haben. Springen immer wieder aus dem Persönlichen ins Fiktive und bauen dadurch eine Differenz zum eigenen Ich auf. Die Sprache über die sich beschreiben müssen, fasst sie nicht mehr. Sie existieren so nicht. Neue Wörter müssen konstruiert werden, damit sie sich ausdrücken können. >>Alle Philosophie ist Sprachkritik. […] Kampf gegen die Verhexung unseres Verstandes durch die Mittel unserer Sprache. << (Wittgenstein, Tractatus) Und alle Sprachkritik ist wiederum Systemkritik. Neben den starken Monologen der Darsteller, taucht auf einmal aus dem nichts ein singender Jakob (Daniel Lommatzsch) auf. Die Übergänge fangen an holprig zu werden. Zu viele Elemente treffen aufeinander, was die Harmonie des Stücks stört.

Jakob möchte mit der jüdischen Schauspielerin Orit Nahmias ein Holocaust-Musical inszenieren. Damit unterbricht er immer wieder die Monologreihe der Darsteller und möchte sie so in eine andere Welt verführen, die der Realität etwas schönes abgewinnen kann, wie im Film >>La La Land<<. Doch leider klappt das nicht. Orit will keine Jüdin spielen und generell nervt Jakob mit seinen Unterbrechungen, seiner Musical-Idee und Fluchtversuchen aus der nun entstandenen nationalistischen Gesellschaft, in der Mann mit nackten Oberkörper durch den Wald reitet. Schließlich ist das Leben zu kurz, um zu singen, zu tanzen und sich im Bett rumzuwälzen, oder? Vielleicht sollten wir beginnen neben der grausamen Realität das Leben zu genießen, eben weil es endlich ist. Aber wäre das dann nicht auch VERRAT?

Çiğdem Teke, Knut Berger. Foto: Ute Langkafel.

>>VERRÄTER<<| Maxim Gorki Theater Berlin| 11. und 13. Mai 2017 jeweils um 19.30 Uhr| Karten unter: ticket@gorki.de oder 030 20221-115

Als der Dramatiker Bertolt Brecht im Jahre 1921 sein Frühwerk >>Im Dickicht<< verfasst, ist er noch immer von der Atmosphäre der Berliner Großstadt, die er 1920 bei einem Ausflug kennen gelernt hat, beeindruckt. Der Mensch entfremdet sich von der Arbeit und von den Menschen; natürliche Beziehungen zerfallen, wie die (bürgerliche) Familie. Die Individuen vereinzeln sich und verlieren sich in untergründigen Milieus, um sich ihrer Selbst bewusst zu werden. Der Mensch verliert an Emotionalität und wird kalt. Der Regisseur Sebastian Baumgarten hat mit dieser Kälte experimentiert, in dem er zwei Ebenen erschaffen hat: die Leinwand und die Bühne. So erscheinen die Charaktere nicht fassbar, weder auf der Leinwand noch auf der Bühne. Die Figuren verfremden sich, in dem sie immer wieder aus der Leinwand auf die Bühne heraustreten. Baumgartens Verfremdung hat dialektische Elemente, in dem er das Bild der Schauspieler von der Leinwand mit der Stimme der Schauspieler auf der Bühne als Einheit von Stimme und Bild synthetisiert, das heißt die Schauspieler treten als vollständige Charaktere auf der Bühne auf. Der Schauspieler ist nun in der Einheit seiner Rolle, aber der Zuschauer kann sich durch die Verschiebungen der Ebenen nicht in diese Rolle einfühlen, sondern es bleibt beim Betrachten und Wahrnehmen der Entfremdung und des Zerfalls.

Dimitrij Schaad, Alesksandar Radenković. Foto: Ute Langkafel

Regisseur und das Gorki-Ensemble aus Top-Schauspielern (Lea Draeger, Mateja Meded, Aleksandar Radenković, Taner Şahintürk, Dimitrij Schaad, Norbert Stöss, Thomas Wodianka und Till Wonka) vollziehen Brechts V-Effekt in einem sehr anspruchsvollen und hoch ästhetischen Stil, was immer wieder fasziniert und fesselt. Die Geschichte zwischen dem Holzhändler Shlink (Thomas Wodianka) und dem Leihbücherei-Angestellten George Garga (Till Wonka) wird nachvollziehbar erzählt, der Kampf zwischen den beiden bringt den Zerfall der bürgerlichen Gesellschaft und den Selbstverlust der Charaktere, vor allem durch Gargas Schwester Marie (Lea Draeger) auf den wunden Punkt. Sie prostituiert sich, nimmt das Geld, wirft es aber anschließend aus dem Fenster.

Baumgartens Stückfassung setzt sich nicht nur aus den beiden Brechtfassungen von >>Im Dickicht (der Städte)<< zusammen, sondern auch aus >>Der Dschungel<< Upton Sinclair und aus Alfred Döblins >>Die drei Sprünge des Wang-Iun<<, um den Kampf und die Entfremdung des Einzelnen auf den Punkt zu bringen. Obwohl die großartige und hoch ästhetische Leistung von Ensemble und Regisseur bewundernswert ist, war der Abend ohne Popcorn etwas langatmig. Lieber hätte mir das Ensemble mehr auf der Bühne als figurativen Charakter gefallen; als auf der Leinwand.

>>DICKICHT<<| Maxim Gorki Theater Berlin| Spieltermine: 22.4. (+ 19.00 Uhr Einführung) und 12.05. jeweils um um 19.30 Uhr| Karten unter: ticket@gorki.de oder 030-20221-115

…wenn man etwas ausspricht, ist es da, man hat das Bild im Kopf; weil wenn man es einmal weiß, dann vergisst man es nicht. (Dimitrij Schaad)

Was muss der Mensch gescheit verdrängen oder verleugnen, um (über-)leben zu können?, fragen Yael Ronen und Ensemble in ihrer neuen Inszenierung DENIAL am Maxim Gorki Theater. Da wären einmal die problematische Kindheit, in der beispielsweise Dimitrij Schaad keine Unterstützung, Liebe und Anerkennung von seinen Eltern brauchte. Er war fest davon überzeugt, dass er eine glückliche Kindheit hatte. Obwohl er sich nicht wirklich an sie erinnern kann und alles Vergangene, wie ein schwarzes, leeres Loch erscheint. Orit Nahmias hatte viele liebe Freunde, die irgendwie doch nur in der Imagination existierten. Aber vielleicht sind es auch die kleinen verdrängten Dinge, die das Leben lebenswert erscheinen lassen, wie der Kosename, Klobürste. Zwar ist man kurz vorm Suizid, aber hey! Uns und er Welt geht es gut, oder?!

Mit emotionalen Geschichten, die bis ins Mark drängen, hat Yael Ronen und ihr Ensemble ein grundlegendes Problem unserer Gesellschaft angesprochen und zwar: die FASSADE. Über welche Ereignisse darf ich sprechen? Womit entlarve ich mein Selbst? Was sollte ich lieber vor mir und den Anderen verbergen? – Über unterschiedliche Erinnerungen schafft Ronen einzelne Szenen, die sich ins Extremste zuspitzen und auf Auflösung, Komik oder Tragik hoffen lassen. Es werden gezielt Spannungsbögen kreiert, die man selten an einem Theaterabend so stark zu spüren bekommt. Tragisches wird durch Zynismus oder Komik gemildert, wie beim Coming-Out von Oscar Olivio. Zwar leugnet er permanent homosexuell zu sein, telefoniert aber Abend für Abend über die Kreditkarte seines Onkels mit dem vulgären Bauch von Schaad.

Dimitrij Schaad, Oscar Olivio. Foto: Ute Langkafel.

Erst nachdem sein Onkel ihn erwischt und als Schwuchtel bezeichnet, folgt das Happy-End. In DENIAL gibt es aber auch Momente von purer Tragik, wie >>das Gespräch<<, so heißt die Überschrift der Szene. Hier spricht die Schauspielerin Maryam Zaree über ihr Problem nicht weinen zu können und dass ihre Mutter auch nie geweint hat; zumindest kann sie sich nicht daran erinnern, sie jemals weinen gesehen zu haben. Im Gespräch, welches sie mit ihrer Mutter über die Leinwand in der Inszenierung DENIAL führt, fragt sie Ihre Mutter, nach ihrem politischen Engagement im Iran. Über ihre Zeit im Gefängnis. Sie möchte von ihr wissen, ob sie gefoltert wurde.

Wurdest Du missbraucht?

War ich als Kind dabei?

(Maryam Zaree)

Sie möchte wissen, warum ihr Vater sich doch nicht mit dem Glas seiner Uhr umgebracht hat, obwohl er es vor hatte. Zaree stellt viele Fragen. Dabei möchte sie ihrer Mutter nur sagen, dass es in Ordnung ist, darüber zu sprechen, weil sie damit umgehen kann.

Çiğdem Teke, Maryam Zaree. Foto: Ute Langkafel.

Ist es wirklich in Ordnung zu sprechen? Wird dann alles Gut?

Als der Schauspieler Dimirij Schaad anfängt von seiner Kindheit zu erzählen, in der sein Vater ihn missbrauchte; stellt er gleichzeitig die Frage, ob es wirklich sinnvoll ist über Vergangenes zu sprechen. Dann hat man nämlich diese Bilder im Kopf, die eigentlich vergessen werden wollen. Bilder, die immer wieder und wieder hochkommen. Das Leben zerstören und unerträglich machen. Was also tun?

DENIAL ist eine großartige Inszenierung, die bis in die Tiefen der menschlichen Psyche eindringt und immer wieder erneut Problemfelder anspricht, die das Individuum lieber verdrängt. Über Live-Cam und weiße Kunststoff-Lamellen, die von der Decke wedeln, schafft die Bühne zwei Sprechzimmer. Lamellen und Live-Cam projizieren verzerrte und zerstückelte Seelen. Bilder, die man so nicht wahrnimmt. Es ist eher das Hinterzimmer des Unbewussten, welches nach und nach zum Vorschein dringt und nach Anerkennung schreit. Auch Schauspieler und Rollen überlagern sich, sodass nicht immer klar ist, was Fiktion und Realität ist. Durch diese Überlagerung entstehen extreme Spannungen, die immer wieder die Fragen nach dem Wahren aufwerfen. Ronen und Ensemble schaffen mit DENIAL eine ungemein tragische Inszenierung, die schon fast schmerzhaft unter die Haut geht. Zynismus und Witz lockern die Szenerie immer wieder auf. Im Zwielicht wird klar: Weggucken als Überlebensinstinkt, ist nicht mehr.

DENIAL| Maxim Gorki Theater| 18.9.2016 19.30h| 1.10.2016 19.30h| Weitere Spieltermine: http://www.gorki.de/de/denial | Karten unter: ticket@gorki.de oder 030/ 20221-115.