Postmigrantische Frauen als stummes Uhrwerk der Arbeit

Die Uhr steht. Sie lässt den Zeiger immer wieder an der gleichen Stelle aufschlagen, um ihr Herz (das Uhrwerk) in rhythmischen Tönen in den schwach-beleuchteten Theatersaal zu tragen. Dennoch wirkt die geschaffene Szenerie kalt. Und als der Vorhang aufgeht, steht die Frage im Raum, wo befinden wir uns?

Erziehungsanstalt? Hof? Wartesaal? Pflegeeinrichtung? Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 in Berlin-Kreuzberg hat eine lange Geschichte hinter sich. So scheint es wenig verwunderlich, dass der siebte Berliner Herbstsalon sich dieses postmigrantische Monument als Ausgangspunkt nimmt, um über Frauen aus der Arbeiterklasse zu sprechen. Jene „(…) schöne, gebildete, würdevolle, junge Frauen der ersten Generation von Einwanderinnen (…) die sich mit Arbeit unabhängig machte(n), sich emanzipierte(n) und dabei andere Frauen unterstützte(n).“, wie Langhoff es ausdrückt.

In Ersan Mondtags Inszenierung „das Rote Haus“ treffen wir auf vier dieser Frauen, Canan, Keriman, Saadet, Yüksel. Alle vier sind ihrem Traum von Unabhängigkeit gefolgt. Sie kamen nach Berlin, nahmen eine Anstellung bei dem Elektronikunternehmen Telefunken an und zogen dafür in das firmeneigene Wohnheim, das Rote Haus.

Angekommen in dem Gebäude, warten die nun gealterten Frauen. Nacheinander und im Loop gefangen fragen sie, „Sind Sie meine Enkelin?“. Teilweise schon genervt, schauen die betroffenen, jungen, rauchenden Pflegekräfte (Arbeiterinnen) von ihrem Smartphone auf. Sie wollten eine Auszeit auf dem Hof nehmen. Widerwillig gehen sie auf die suchende, gealterte Frau zu, nehmen sie an die Hand. Eine Symbiose entsteht.

Superfrauen werden zu biografischen Blitzlichtern des Roten Hauses

Es beginnt eine biografische Rückblende in schwarz-weißen Pop-Art. Ein Cartoon, der sich mit den Schattenbildern von gealterten Ich und Alter Ego erweitert. Die Frauen, Canan, Keriman, Saadet und Yüksel werden in ihrer Blende wie Superheldinnen vorgestellt; so bekommt Yüksel den Beinamen, die Resolute.

Ihre Geschichten wirken wie historische Blitzlichter des Roten Hauses, weil sie kurze biografischen Sequenzen sind; die zu dicht, zu komplex und zu schnell abgehandelt werden. Letztendlich bleibt nichts von den Geschichten der Frauen im Gedächtnis haften.

„Kill Your Darlings!“ für glänzende Superfrauen

Die biografischen Sequenzen haben eine Zeitverschiebung herbeigeführt, sodass das junge Alter Ego in einem Mehrbettzimmer aufwacht. Es sind die 60er. Eine Zeit, in der die Frauen bei Telefunken angestellt waren. Im Wechselspiel und durch die Zeit reisend, erscheinen Alter Ego und gealtertes Ich; dabei nimmt das gealterte Ich in erster Linie eine kommentierende Rolle ein. Wirklich mehr erfahren wir von den Superfrauen nicht. Die Geschichte des Hauses rückt in den Vordergrund.

Ersan Mondtag und sein Inszenierungsteam hätten sich einen Gefallen getan, wenn sie die Worte und die Geschichten der Frauen in den Fokus gestellt hätten. Wie René Pollesch es einst sagte, Kill Your Darlings!“; weniger ist oft mehr.

ЯE:IMAGINE – The Red House ist bis zum 30. November 2025 zu erleben

Das Rote Haus auf der Stresemannstraße 30 bildet den Rahmen des siebten Herbstsalons und lädt mit unterschiedlichen Arbeiten zur Reflexion der Gegenwart ein, „um das Heute zu begreifen, (müssen wir) das Gestern kennen. Anders bekommen wir exakt das Morgen, das wir nicht brauchen können.“, schreibt Langhoff zu Яe:imagine. Ihre Worte sind ein guter Wegweiser für Deutschlands politische Misere, die droht in einer bereits erlebten Katastrophe zu enden. – Der Herbstsalon 2025 ist noch bis zum 30. November geöffnet.

Rauchend lauscht das blauliebende Mädchen (Benny Claessens) mit kreideweißen Gesicht und stark topierten Haaren der Stimme der blauen Wüste, den fundamentalistischen Worten des Johannes. Johannes der Täufer ist Gefangener des Herrschers Herodes (Lea Draeger) und seine düsteren Prophezeiungen vor der Burg >>LOST<<, imponieren dem hübschen Mädchen Salome, das gerade von dem Burgfest des Tetrarchen geflohen ist, um den gierigen Blicken ihres Vaters Herodes zu entkommen. Sie ist angewidert von seinen Maulwurfsaugen und möchte am liebsten nach Tel Aviv reisen.

Nun steht sie aber rauchend vor der Burg, inmitten der blauen Wüste von Palästina, kurz vor Erfindung des Christentums und gleichzeitig mitten in der Gegenwart und hört die radikalen Worte des Johannes. Seine flüsternden Worte über den Untergang und seine Stimme –personifiziert in einem Fünfer-Chor (Mehmet Ateşçi, Karim Daoud, Jonas Grunder-Culemann, Anna Mattes, Aram Tafreshian)–, gefallen Salome so sehr, dass sie sich in ihnen verliebt und diese in sie übergehen. Kalt und selbstzerstörerisch sagt Salome in Ersan Mondtags Inszenierung, „Ich werden für euch Tanzen, Tetrarch.“ Und bringt damit die Prophezeiung von Johannes in Bewegung.

Gewaltige und ausdrucksstarke Bilder sind ein Markenzeichen von dem Künstler Ersan Mondtag und ein mitreißender Bestandteil seiner neuen Gorki-Inszenierung >>SALOME<< (UA 2. Dezember 2018), nach Oscar Wilde in der Neufassung von Thomaspeter Goergen. Mondtags Bühne ist eine in Wellen getauchte Burg, namens >>LOST<<, die umgeben ist von Steinen und Nebel, sowie von dem Chor der Wahrsagern in dunklen Samt-Umhängen. Das Innenleben von Herodes Burg ähnelt einer Säulenhalle, in welcher Mitte eine überdimensional-liebreizende Nacktskulptur von Salome steht. Über diese Skulptur wird Herodes Besessenheit zu Salome besonders deutlich. Die königlich gekleideten Charakteren haben in diesem Stück Punkfrisuren (Kostüm, Josa Marx) und wirken dadurch außergewöhnlich modern.

Das bildhafte Setting in Mondtags Inszenierung zieht das Publikum in das selbstzerstörerische Schicksal der Salome. Wo Bilderfluten drohen Text und Schauspiel unverständlich werden zu lassen, tritt Schauspielerin Orit Nahmias als jüdische Hofnärrin auf und ergreift das Wort. Nahmias resümiert mit viel Humor und Zynismus das Gesehene auf der Bühne und katapultiert das Geschehen in Form von Unterbrechungen in die Gegenwart. Hierbei kritisiert sie unter anderem unsere neoliberale Gesellschaft, die neben Ausbeutung, Krieg und Dekadenz, nicht mehr viel kennt. Sie erklärt auch, „Benny verkörpert die Prinzessin, weil wir mit Genderfragen spielen“

In Mondtags Inszenierung >>SALOME<< können sich die Schauspieler*innen mit viel Gespür fürs Zusammenspiel verausgaben –was etwas das temperamentvolle Auftreten von Schauspieler Benny Claessen bremst– und schaffen dadurch ein unterhaltsames und erlebnisreiches Schauspiel. Auch wenn das Ende der Inszenierung –lieber hätte ich es nur mit dem Suizid von Salome gesehen– als Endlösung zur Rettung unseres Planeten den Suizid vorschlägt.

In jeder Familie gibt es Konflikte, Auseinandersetzungen und immer liegt irgendwo eine Leiche im Keller; so ergeht es auch der griechischen Herrscherfamilie in Theben. Ihre komplexe Familiengeschichte ist geprägt von Mord, Inzest, Suizid und der Schwierigkeit Recht und Gerechtigkeit zu differenzieren. Regisseur Mondtag beginnt die Tragikomödie mit einem Streit zwischen den Schauspielern Yousef Sweid und Orit Nahmias. Beide möchten Eteokles spielen, weil dieser als erster Anrecht auf den Thron hat und ehrenvoll begraben wird. Nachdem Orit Nahmias erklärt hat, dass diese Rolle ihr aufgrund ihrer israelischen Herkunft besonders gut passt, muss der Palästinenser Yousef Sweid sich mit der Rolle des Polyneikes zufrieden geben. Im Geschwisterzwist gefangen, sprechen Eteokles und Polyneikes über den Nahostkonflikt, das Geschlecht, über den neuen US-Präsidenten und den (kommenden) Faschismus, bevor sie in die Antike verschwinden. Dort angekommen, begegnet der Zuschauer Greisen. Verstaubte Charaktere mit runzeligen Gesichtern, grauen Haaren und einer altersbedingten Bewegungsschwäche. Think pink! Ist das Motto der mythologischen Alten, die mit viel Humor, Zynismus und Sarkasmus über die Dramen von König Ödipus, Antigone und Sieben gegen Theben  die Revolte von Ödipus Tochter, Antigone erzählen.

Ungeheuer ist vieles, nichts ist ungeheurer als der Mensch.

Das eigentliche Trauerspiel beginnt mit dem Mord an König Laios. Er ist der König von Theben und Ödipus Vater. Als Ödipus (Benny Claessen) erfährt, dass er seinen Vater umgebracht hat, rollt er sich wehleidig und theatralisch die Treppen von Kreos herunter.

Mondtags antike Familienbande bietet an diesen Abend viele Slapsticks, humorvolle Rollenausgänge und gelungene Situationskomik. Beispielsweise tritt der Schauspieler Claessen in seinen dichterischen Gesangseinlagen (hier werden unter anderen Texte von Hölderlin verwendet) mit Aussagen wie >>Bla, Bla, heterosexuelles weißes Zeug<< aus seiner Rolle des Ödipus heraus. Aber auch Ödipus Onkel, Kreon (Aram Tafreshian), der nun Herrscher über Theben ist und stark verkündet >>Ich bin der Staat, ich bin das Gesetz<< zuckt weinerlich zusammen, als die Rechtbrecherin Antigone auf dem Weg nach Hause ist. Insgesamt sind die schauspielerischen Leistungen des Ensembles erstklassig und unterhalten das Publikum. Mondtags und Aljoscha Begrichs zusammengestrichene antike Drama >>Ödipus und Antigone<< (unter Verwendung der Texte von Durs Grünbein >>Sieben gegen Theben<<, Soeren Voima >>Europa Antigone<< und Friedrich Hölderlin >>Antigone<<) setzt gelungen die Mythen von Ödipus und Antigone zusammen und schafft mit der Rebellin Antigone einen neuen Ausgang, in dem sie mit dem Herstellen von Gerechtigkeit die Herrschenden vor Angst bibbern lässt.

>>Ödipus und Antigone<<, Maxim Gorki Theater Berlin, Weiterer Spieltermin: 17.04. jeweils um 19.30 Uhr. Karten unter: ticket@gorki.de oder 030 20221-115

Ein nackter Junge liegt im Schnee. Weitere Internatskinder stehen um ihn herum und demütigen ihn. Sie schlagen ihn und spucken auf ihn. Im Chor singen sie das Volkslied >>Bunt sind schon die Wälder<< vom Schweizer Dichter Johann Gandenz. >>Das Internat<<, so heißt Ersan Mondtags erste Inszenierung am Schauspiel Dortmund, erinnert an eine Disziplinaranstalt. Abgelegte Kinder werden von den elterlichen Werten der großen Internatskindern erzogen. Die elterliche Erziehung verlangt ein hohes Maß an Ordnung, die mit äußerster Disziplin unter Zuhilfenahme von Gewalt einzuhalten ist. Die Stimme eines toten Kindes umweht das Internat wie ein Wind. Seine Worte betten die Handlungen der Darsteller*innen in einem Rahmen. Als das tote Kind sich vorstellt, möchte es kaltes Kind genannt werden.

Das kalte Kind ist zurückgekehrt, um sich zu rächen. Es möchte Vergeltung an denen ausüben, die es bis zum Tod gefoltert haben. Das Kind wird die Macht stürzen und die Jugend gegen die Herrschenden revoltieren lassen. Dafür wird die Zeit rückwärts laufen. Veränderungen sind nur in der Vergangenheit möglich.

Nachwuchsregisseur Ersan Mondtag, der auch für Bühne und Kostüm verantwortlich ist, erarbeitet mit seiner Bildersprache ein hochkarätiges Gesamtkunstwerk. Seine artifizielle Ausdrucksweise spiegelt sich im routinierten und disziplinierten Alltag der Internatskinder, welche gemeinsam Essen, Lernen, Duschen und zu Bett gehen. Ohne viele Worte greift die Inszenierung gesellschaftspolitische Fragen aus der Gegenwart auf, wie beispielsweise: Was hält eine Gemeinschaft zusammen? Sind es Routine, Geheimnisse oder Qualen? Bildet die Masse eine Gesellschaft? Muss der Einzelne aus der Masse heraustreten, um eine gerechte Ordnung zu erzielen? Sind Widerstand und Revolte, das geeignete Mittel um Machtstrukturen zu durchbrechen? Kann ein Einzelner die Verhältnisse stürzen?

Der Stücktext >>Das Internat<< verfasst von den Dramaturgen Alexander Kerlin und Matthias Seier gibt den Bildern einen notwendigen Rahmen. Genau, wie die Musik des Komponisten T.D. Finck von Finckenstein, ergänzt der Text die Bilder der Bühne. Mondtags Inszenierung >>Das Internat<< erinnert an ein Bilderbuch. Es ist eine moderne und außergewöhnliche Herangehensweise an theatrale Strukturen. Das Bild tritt an die Stelle von Text und wird zum primären Ausdruck an diesem Abend. Mondtag erzählt mit seinem düsteren Bühnenbild und den uniformierten, sowie nackten Körpern –teilweise wird Nacktheit mit Ganzkörperanzügen mit Stoffgenitalien dargestellt– von einer Jugendvereinigung, die an eine Burschenschaft im Kriegszustand erinnert. Zu den Bühnenbildern werden auf einer Hauswand Ausschnitte aus der Gegenwart abgespielt, beispielsweise wie das Fahndungsvideo vom Berliner U-Bahn-Treter. >>Das Internat<< ist ein Abbild von gesellschaftlichen Machtstrukturen, in denen die Hierarchie die Masse drangsaliert. Ob es sinnvoll ist bei der Umkehr der Machtverhältnisse den Souverän zu drangsalieren, ist eine moralische Frage, die an diesen Abend unbeantwortet bleibt.

>>Das Internat<<, Schauspiel Dortmund, weitere Termine: 16.2.2018/ 10. und 11. 3.2018/ 27. und 28.4.2018/ 2. und 3.5.2018/ 13.5.2018/ 8.6.2018/ 23.6.2018/ 8. und 11.7.2018. Karten unter Tel. (0231) 5 02 72 22.