Zerstreuung und Schnelligkeit sind zentrale Faktoren von unserer digitalen Gesellschaft, die geprägt ist von einer globalisierten Weltordnung, Vielzahl an Kriegen und klimatischen Krisen. Sie verursachen einen gesellschaftlichen Umschwung, zerstreuen Identitäten und beunruhigen die Weltbevölkerung. Diese Unruhe ist auch in der Theaterlandschaft spürbar. Ästhetiken, Thematiken und das Schauspiel deformieren sich und setzen sich in neue Formen zusammen. Aus den 409 deutschsprachigen Inszenierungen der letzten Theatersaison, hat die siebenköpfige Berliner Festspieljury (Margarete Affenzeller, Eva Behrendt, Wolfgang Höbel, Andreas Klaeui, Dorothea Marcus, Christian Rakow und Shirin Sojitrawalla) 10 bemerkenswerte Inszenierungen ausgewählt. Wie >>Woyzeck<< von Ulrich Rasche (Theater Basel) und >>Die Welt im Rücken<< von Jan Bosse (Wiener Burgtheater). Beide wurden im Rahmen des 55. Theatertreffens der Berliner Festspiele gezeigt und gekürt. Die Inszenierungen der Jury-Auswahl sind ein dramatischer Spiegel unserer Zeit, in der Mensch und Gesellschaft sich immer mehr in die Richtung eines Abgrunds bewegen. Sowohl Rasches >>Woyzeck<< (Theater Basel, 15. Sept. 2017) als auch die Inszenierung >>Die Welt im Rücken<< (UA Wiener Burgtheater, 11. März 2017) von Jan Bosse nehmen sich dieser Thematik an, verknüpfen sie mit gegensätzlichen Ästhetiken und zeigen dadurch wie vielfältig die deutschsprachige Theaterlandschaft ist. Der Regisseur und Bühnenbildner Ulrich Rasche sagt zu seiner eingeladenen Inszenierung >>Woyzeck<<, >>Wer sich nicht bewegt, fällt hinunter<<.

Rasche hat für diese Inszenierung eine übergroße Drehschreibe konzipiert. Die Scheibe ist ständig im Betrieb. Sie dreht sich um ihre eigene Achse und lässt die Spieler im Kreis gehen und drehen. Die Schauspieler sind ganz in Schwarz gekleidet, uniform und werden in Rasches Inszenierung zu Artisten, die viel Körperkraft in ihre Bewegungen investieren. Sie haben keine Rollen, sie haben keine Persönlichkeiten und sprechen Büchners Text >>Woyzeck<< ohne Emotionen im Rhythmus ihrer langsamen Bewegungen. Durch ihre langsame Sprechweise, ist keine narrative Struktur erkennbar. Büchners Text >>Woyzeck<< bleibt in Rasches Inszenierung Fragment und behält seine rassistischen Ausdrücke, wie >>Zigeuner<<. Begleitet werden die Worte und Bewegungen der Schauspieler von Musikern (Katelyn King, Alexander Maschke, Sebastian Hirsig, Lucas Rössner, Theo Evers). Sie formen die Inszenierung >>Woyzeck<< zu einem performativen Klangbild, das über Musik Emotionen, Stimmungen und Spannungen erzeugt. Die Schauspieler werden nur durch ihre Stimmen zum Teil des Bildes, nicht aber durch ihre darzustellende Rolle oder ihr Kostüm. Erst im kurzen Auftritt von Florian von Manteuffel, der den Doktor in Rasches >>Woyzeck<< spielt, steht für einige Minuten am Berliner Premiereabend ein Charakter auf der Bühne und belebt die langatmige Performance. Für den Zuschauer entsteht das Gefühl, dass Rasche die Worte von Büchner, >>Langsam, Woyzeck, langsam; eins nach dem andern! Er macht mir ganz schwindlig.<< zu sehr beherzigt hat. Allein die Musiker erzeugen mit ihrem Klang Spannungen und tragen das Drehbühnen-Stück. Das Theater mehr sein kann, als eine drehende Schreibe, zeigen Regisseur Jan Bosse und der Schauspieler Joachim Meyerhoff beim 55. Theatertreffen in ihrer Adaption >>Die Welt im Rücken<<. Gemeinsam verarbeiten sie den autobiografischen Roman von Thomas Melle zu einer spannenden Entdeckungsreise in den Alltag eines manisch-depressiven Menschen, der von einem Hoch ins nächste emotionale Tief fällt. Thomas (Joachim Meyerhoff) ist ein bipolarer Autor, der während seiner Hochphasen Sex mit Madonna hat oder Thomas Bernhard in einem McDonald‘s am Wuppertaler Hauptbahnhof sieht. In seinen manischen Phasen trifft er Stars und Sternchen, hoppt von einer Party zur nächsten und kürt sich selber zum Messias.

Sein narzisstischer Größenwahn kennt keine Grenzen und keine Widerworte. Bis es zu einem nächsten Tief kommt. Und Thomas versucht sich zu suizidieren, in eine psychiatrische Klinik alias >>Sammelsurium der gescheiterten Existenzen<< eingewiesen wird und vom Arzt eine endogene Depression mit Schizo-Elementen pathologisiert bekommt. Sein Gefühlsleben erinnert an ein Ping-Pong-Spiel. Regisseur Bosse und Schauspieler Meyerhoff erfassen mit wenig aufwändigen Mitteln das chaotische Ungleichgewicht der Bodenstoffe eines bipolaren Menschen. Die Bühne ist meistens schlicht eingerichtet, oder leer. Licht und Requisiten unterstützen den Schauspieler Meyerhoff bei seinen fesselnden Monologen, Stimmungen oder Interaktionen mit dem Publikum. Während seiner manischen Phasen ist viel Licht im Einsatz und bei seinen emotionalen Tiefs dimmt das Licht. Meyerhoff schlüpft in unterschiedliche Rollen, spricht und agiert sehr lebendig und humorvoll. Er elektrisiert mit seiner mitreißenden One-Man-Show das Publikum und bringt es an passenden Momenten zum Lachen. Bosse und Meyerhoff haben mit ihrer Arbeit eine gelungene Adaption von >>Die Welt im Rücken<< geschaffen, in der die Intention des Romans und die packenden Worte von Melle auf den Punkt kommen, >>Etwas stimmte nicht – Ich meinte: mit der Welt. Er meinte natürlich mit mir!<<. Melles Roman >>Die Welt im Rücken<< und Georg Büchners >>Woyzeck<< zeigen beide zwei Menschen, die sich am Abgrund der Gesellschaft befinden und von dieser stigmatisiert und pathologisiert werden. Regisseur Rasche und Bosse greifen in ihren Arbeiten neue Ästhetiken und Herangehensweisen an das Thema Ausgrenzung auf, versuchen durch ihre Kreationen auf die gesellschaftliche Unruhe im Theater zu reagieren und sensibilisieren das Publikum für das gestörte System, in dem unter anderem ein Ungleichgewicht herrscht. Das 55. Theatertreffen der Berliner Festspiele hat mit seinem diesjährigen Programm ihren Besuchern erfolgreich einen guten Überblick über die deutschsprachige Theaterlandschaft gezeigt. Im nächsten Jahr findet das 56. Theatertreffen vom 3. bis 19. Mai 2019 statt und berücksichtigt Premieren, die im Zeitraum vom 22. Januar 2018 bis 20. Januar 2019 stattfinden.

55. Theatertreffen der Berliner Festspiele (4. bis 21.Mai 2018), weitere Spieltermine:

>>Woyzeck<<, Theater Basel, https://www.theater-basel.ch/Spielplan/Woyzeck/ozSASzSk/Pv4Ya/, Karten unter, Telefon: +41 (0) 61 29 511 33 und Mail: billettkasseætheater-basel.ch

>>Die Welt im Rücken<<, Wiener Burgtheater, 1., 8., 15., 26, Juni, Karten unter, Telefon: +43 (0)1 514 44-7810 und Mail: bestellbuero@burgtheater.at

*) Beitragsbild: >>Am Königsweg<<, Regie: Falk Richter, Schauspieler: Anne Müller, Benny Claessens, Tilman Strauß, Frank Willens, Frank Willens, Deutsches Schauspielhaus Hamburg, Foto: Arno Declair.

Sorry, ich habe keine Zeit mit Dir zu sprechen, Dir zu zuhören oder mich um Dich zu kümmern. Das wollte ich Dir nur sagen. Du … ICH BIN MOMENTAN ECHT SUPER MEGA KRASS BUSY … Das wollte ich Dir JETZT nur sagen. Deswegen schreibe ich Dir und rufe Dich an. Ich dachte Du solltest wissen, dass ich SUPER MEGA KRASS BUSY bin. … Und müde. Natürlich. Komme kaum noch zum Schlaf.

In Falk Richters und Nir de Volffs Inszenierung NEVER FOREVER, welche im September 2014 an der Schaubühne Berlin Uraufführung feierte, befinden sich die Charaktere mitten in unserer digitalen Leistungsgesellschaft. Isoliert und arbeitend, leben wir mehr oder minder vor uns hin und suchen nach Leben. Nach wahren Begegnungen, die uns spüren lassen, dass wir existieren. Gemeinsam zusammenlebend. Beziehung. NEIN! DAS IST MIR ZU NAH. – Die Angst vor Nähe und vor der Symbiose, in der das eigene Ich mit dem Anderen zu verschmelzen droht, lässt das Ich ins Digitale verschwinden. Das Netz schafft Nähe. Schafft (erträgliche) Verbindungen, die ich jederzeit kappen kann. Jeder ist für sich. Getrennt und doch verbunden. Wir leben in einem Neoliberalismus, der Kapitalakkumulation über Isolation betreibt. Der Autor und Regisseur Richter schafft mit NEVER FOREVER ein Äquivalent zu unserer Gesellschaft. Ein Ebenbild, welches sich in abgetrennten Zimmern und Zellenblöcken abspielt. Beziehungen gehen auf und ab, sodass mensch es gar nicht mehr aushalten kann.

Regine Zimmermann. Foto: Arno Declair

Und lieber allein bleiben möchte; wäre da nicht der Wunsch nach Nähe. Gefangen in einer melancholischen Stimmung sind die Schauspieler und Tänzer auf der Suche nach sich selbst, haben Angst sich durch den Anderen, beziehungsweise durch die Anderen zu verlieren. Dafür setzt die Inszenierung auf Monologe oder Solos. Die Verbindung zum Anderen erfolgt meist über ein Kommunikationsmedium oder durch Spiegelung. Das narzisstische Ich versucht über die Spiegelung mit dem Anderen in Kontakt zu treten, eine Beziehung aufzubauen und sich Selbst zu finden. Aber statt Selbstfindung, bleibt nur die unerträgliche Nähe und der Selbstverlust. Denn, wer ist der Mensch unter all den Möglichkeiten und Rollen?

»Ich bin Deine Tochter.

Also das kann nicht sein. Die Mutterrolle habe ich immer abgelehnt, die wollte ich nicht spielen.«

Ensemble. Foto: Arno Declair

Verstörend, prallen die Protagonisten gegen Wände oder hauen mit dem Hammer auf dem Tisch. Verletzen sich, um sich zu spüren. Die Szenen erscheinen, wie  das Innenleben eines von Borderline-Erkrankten Individuums. Richter hat mit dem Choreografen Nir de Volff eine veränderte ästhetische Richtung eingeschlagen, die mehr Brutalität und Gewalt zulässt, um hervorzuheben, dass unsere Gesellschaft in Körper und Seele Spuren hinterlässt. Nir de Volff zeigt mit seinen Tänzern von Total Brutal das Gegenwarts-Indivduum : erschöpft, isoliert, einsam, verletzt. SYSTEMFEHLER. Der Mensch durchlebt im Zeitalter der Digitalität eine Wandlung. Es wird zum narzisstischen Leistungssubjekt, das keiner Beziehung stand hält und sich immer wieder als Projekt-Ich neu entwerfen muss. Genau wie Goethes Gretchen prophezeit die Schauspielerin Ilse Ritter den Untergang der Menschen:

»Meine Ruh ist hin. Mein Herz ist schwer. Ich finde sie nimmer und nimmermehr. Wo ich ihn nicht hab, Ist mir das Grab. Die ganze Welt Ist mir vergällt. Mein armer Kopf Ist mir verrückt. Meiner armer Sinn Ist mir zerstückt.«

NEVER FOREVER ist ein hartes Stück Realität, in der der Mensch an der digitalen Leistungsgesellschaft körperlich und seelisch zugrunde geht. Düster und brutal angehaucht, versucht das Ensemble die Zuschauer ästhetisch wachzurütteln und zu erklären, in welche Richtung sich unsere Gesellschaft bewegt. Narzissmus, Isolation und ein ständiges Leistungsstreben, das für individuellen Zerfall und für Kapitalakkumulation sorgt. Nichts bleibt. Nichts hält. Alles entwirft sich immer wieder neu; bis alles verschwunden ist.

NEVER FOREVER| weitere Spieltermine an der Schaubühne Berlin: http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/never-forever.html/m=318 | Karten unter: ticket@schaubuehne.de oder 030/89 00 23.

Irgendwo da Draußen tummeln sie sich; die Wiedergänger, die wollen, dass Deutschland, Deutschland bleibt. Die Untoten aus der Erde, die leben wollen, nicht vergessen werden wollen. Pegida, AfD, Front National und viele andere, die den Faschismus wieder salonfähig gemacht haben. Die nicht nur fragen, was Heimat ist, sondern sagen, wie Heimat und Familie auszusehen hat.

Mein Land heißt Deutschland … Und das mag ich, so wie es ist. Ich will einfach zeigen, dass ich Deutschland mag, dass ich für Deutschland einiges tun werde, und will mich auch nicht an irgendwelchen rechtsradikalen Dinge beteiligen. Ich steh einfach auf das Land als Deutschland. Wir sollten aufpassen, dass Deutschland, Deutschland bleibt.

Angekrochen kommen sie mit Rettungsplänen zum Abendland. Diese besorgten Bürger*innen stehen auf der Bühne als Pappfigur, Bild, Stimme und möchten ihr gelobtes Land verteidigen. Fünf Schauspieler*innen und drei Tänzer halten in einer zweistündigen Collage aus Text, Tanz, Musik, Fotos, Video der Gesellschaft einen Spiegel vor die Augen. Das Bild ist klar. Und es macht Angst. Es macht Angst diesen faschistoiden Stimmen zu lauschen; die Menschen sehen als >>FLUTMASSE, als LANGSAM AUSHÖHLENDE FLUTMASSE DIE AUF UNS LASTEN DAS DEUTSCHE AN UNSEREN DEUTSCHSEIN LANGSAM AUSHÖHLEN<<. Es macht Angst die Gesichter von den rechtsradikalen Mob präsentiert zu bekommen. Elektronische Musik von Malte Beckenbach pulsiert und unterstützt die grün beleuchteten Szenerie. Frauke Petry, Beate Zschäpe, Marie le Pen, Beatrix von Storch, Horst Seehofer und viele mehr. Von den Darsteller*innen hin montiert. Befestigt und angeklebt. So schnell gehen die nicht weg. Alle bewegen und kriechen, kommen aus der Erde und wollen nicht vergessen werden, wie Elfriede Jelinek es in ihrem Heimatmonolog „Wolken.Heim.“ geschrieben hat. Alle sind sie wieder da. Und wollen HEIMAT. HEIMAT? Was ist das überhaupt?

Falk Richters Inszenierung FEAR, die sogar wegen dem Rechten Flügel vor Gericht ziehen musste, zeigt uns emotional und rational, was hier DRAUßEN ist. Ein besorgt-hasserfüllter Mob, der DRAUßEN in unserer Gesellschaft tobt und irgendwas will… aber die wahren Gründe nicht erkennt und dafür den Faschismus wiederaufleben lässt. ÜBERALL DIESE BILDER. DIESE STIMMEN. Das macht ANGST. WIRKLICH ANGST. Weil den Mob bekommt mensch nicht einfach so wieder weg. Also wohin? Laut, FEAR ab ins Grüne, Gemüse anbauen,… um diesen ganzen System endlich mal entfliehen zu können. Keine so schlechte Idee… erst mal zurück zur Natur.

FEAR| Schaubühne Berlin| 24.6., 25.6., 27.6., 28.6., 29.6.2016| 20h| Spieltermine in der neuen Spielzeit: (http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/fear.html) Karten unter: ticket@schaubuehne.de

Schon einige Jahre ist es her, dass Tatjana Winter und Til zueinander finden und dem Berliner Zuschauer die Misere der Großstadt vergegenwärtigen, in der das leistungsstrebende Subjekt nach permanenter Nähe sucht, die er nicht zulassen kann. Die ständige (Selbst-)Optimimierung führt zu einer Narzissifizierung seines Selbst, wodurch der Andere verschwindet, nicht mehr wahrgenommen wird. Das Selbst geht auf in Selbstausbeutung und läutet damit das Ende der Liebe ein. Menschen können keine Bindungen mehr eingehen, haben Angst vor Nähe und Furcht vor Einsamkeit. Moderne Technologien ermöglichen Verbindungen mit einer unbeschreiblichen Distanz, die den ‚Verbundenden‘ eine Nähe suggeriert.

TIL: „die blonde“

TATJANA: „äh naja ja also“

TIL: „ach ja die Frau mit den zwei Kindern“

TATJANA: „Ja.“

TIL: „Ja aha und was genau wolltest du jetzt?“

TATJANA: „deine Stimme also ich dachte einfach dass (Pause) diese Musik hat mich einfach so … aufge … wühlt.“

TIL: „ach ja das ist … nett, warte mal, kann ich … shit. Warte … kann ich dich irgendwie … später …“

TATJANA: „Was?“

Genau wie die technologischen Verbindungen, ist die Bindungsfähigkeit der Menschen gestört. DISCONNECTED! Vertrauen wird zur Herausforderung und die Bindungsfähigkeit zu einem unerfüllbaren Wunsch. Richters Konzertlesung, die am 11. Juni 2016 an der Schaubühne mit musikalischer Begleitung von Helgi Hrafn Jónsson stattgefunden hat, hat über die Texte von „For the disconnected Child“, „Small Town Boy“ (UA Maxim Gorki Theater Berlin 2014) und „Zwei Uhr Nachts“ (UA Schauspiel Frankfurt 2015) die disconnected Kids auftreten lassen. Mit den Schauspielern Ursina Lardi und Tilman Strauß sowie dem Autor und Regisseur Falk Richter verkörpert die Lesung rastlos suchende Menschen, die in einer Welt voller Möglichkeiten nach Bindungen streben. Unfähig sind sich einzulassen. Sich dann doch wieder allein abends vor den Schwuz wiederfinden. Und schutzlos in der Welt herumirren. Die Lesung wandelt sich dank talentierter Schauspieler und Autor-Regisseur zu einer Performance mit großartigen Unterhaltungswert und mitfühlender Dramatik. Wieder einmal konnte mensch den bedeutenden Texten von Richter lauschen und dabei zusehen, wie die Darsteller dem Text emotionale Tiefe verleihen. Neben der Lesung präsentierte der isländische Musiker Helgi Hrafn Jónsson, der sowohl die Musik für „For the disconnected Child“ und „Zwei Uhr Nachts“ mitkomponiert hat, Lieder aus seinem neuen Album „VÆNGJATAK“ und spielte zusätzlich in bekannter und geliebter Qualität Songs aus der Inszenierung „For the disconnected Child“. Wie auch in den Aufführungen, wurde hier Sprache zu Klang und verteilte Emotionen an die Großstadt. Ein sehr hervorragender Abend den Richter mit Zuschauern und Freunden Daheim an der Schaubühne geteilt hat. Danke!

Das Buch zur Lesung: „SMALL TOWN BOY und andere Stücke“ von Falk Richter| Theater der Zeit| 16,00€| Erhältlich unter: http://www.theaterderzeit.de/buch/small_town_boy_und_andere_st%C3%BCcke/.

Helgi Jonsson on Tour| 24.9.2016 Christuskirche (Düsseldorf), 20.00 Uhr; 25.9.2016 Monsouturm (Frankfurt), 20.00 Uhr; 26.9.2016 Admiralspalast (Berlin) 20.00 Uhr| Karten unter: http://www.helgijonsson.com/tour/.

Zwischen all den Mannequins, gekleidet im 60-70-iger Jahre Stil, dem Beat von der Stuttgarter Rock-Band „Die Nerven“ und dem Bilderzähler (Paul Grill) aus dem Kinderzimmer, steht auf der Bühne ein leicht verwirrter Jüngling (Tilman Strauß) in Jeans und grünen Sweatshirt. Er fängt an von seiner Jugend in der alten BRD zu erzählen und irgendwas davon, dass Jesus uns befreien kann. Nacheinander treten weitere Charaktere (Paul Grill, Jule Böwe, Julischka Eichel, Peter René Lüdicke) auf, die genau wie der Jugendliche gekleidet sind. Sie fangen an, ein Teil seiner Erzählung zu werden. Tauchen mit ihm in seine Welt und seinem Sommer 1969.

Die Theateradaption „Die Erfindung der Roten Armee Fraktion durch einen manisch-depressiven Tennager im Sommer 1969“ (= „Die Erfindung der RAF“) von Armin Petras und Maja Zade entwickeln aus dem 800-seitigen Roman von Frank Witzel, ein Drama, welches mit Hilfe der Fantasiewelt eines Teenagers aus den späten 60-igern, die Zeit der BRD widerspiegelt und die mutmaßliche Entstehung der RAF aufdeckt. Verschiedene Perspektiven, unterschiedliche Geschichten und immer wieder neue Handlungsstränge entflammen Momente von Dramatik und Witz, halten das Spiel lebendig, schaffen es aber leider nicht bis zum Ende einen angenehmen Spannungsbogen zu konstruieren, der die unterschiedlichen Erzählweisen zu einem dramatischen Komplex zusammenfügt, weswegen das Spiel leicht konfus wirkt und hin und wieder ein Gefühl von Verlorenheit aufkommt.

Petras Inszenierung schafft es dennoch den facettenreichen Text mit fünf grandiosen Schauspielern (Jule Böwe, Julischka Eichel, Paul Grill, Peter René Lüdicke und Tilman Strauß) aus dem Berliner Schaubühnen und dem Stuttgarter Schauspiel Ensemble, sowie der Live-Band „Die Nerven“ gelungen umzusetzten. Immer wieder kommen Momente auf, in denen Choreografie, Musik, Sprache und Text in zugespitzter Dramatik auffallen, als Einheit einschlagen und gezielte Stimmungen ausströmen, die die Adaption lebendig machen.

Wie der Moment, in dem die vermeintlichen Mitglieder aus der RAF (Jule Böwe, Paul Grill, Julischka Eichel) von einem Banküberfall erzählen. Claudia (Jule Böwe) beschreibt den Tag des Überfalls, wie in einem Trauma gefangen. Als sie (Claudia) mit Bernd (Paul Grill) sich auf dem Weg machte, im Auto saßen, zur Bank gingen, ohne Masken, sich das Geld vom Tresor und von der Kasse einpacken ließen, rückwärts die Bank verließen, einen Mann überfallen…die Musik wird ganz laut, das Licht wird kalt, Christiane (Julischka Eichel) und Bernd (Paul Grill) wälzen sich auf dem Boden oder bespielen choreografisch das Bühnenbild. Claudia (Jule Böwe) zusammengekauert am Bühnenrand. Adrenalin.

>>…weil niemand [Dich] ernst nimmt, der nicht bereit ist zu töten.

Jeder Mord ist wichtig für die Revolution!<<

(Jule Böwe)

Schaubühne_Petras „Die Erfindung der RAF“ vorn: Jule Böwe, hinten: Julischka Eichel, Paul Grill. (C) Thomas Aurin.

Die Stuttgarter Rock-Band „Die Nerven“ liefern der Inszenierung den nötigen Beat und die einzelnen Mitglieder (Julian Knoth, Max Rieger, Kevin Kuhn) setzten sich sogar selber wohlgeformt in Szene. Neben der ganzen Tragik, die die Inszenierung mit sich bringt, gibt es da noch den Moment, in dem der Tennager (Tilman Strauß) dem Pfarrer Fleischmann (Peter René Lüdicke) sein Herz ausschüttet. Nicht nur die Politik lag der Jugend früher am Herzen, sondern auch die Umwelt, was eine bewusste Mülltrennung mit sich bringt. So erzählt der Jüngling voller Schuldbewusstsein, dem Würstchen essenden Pfarrer, der sich für nichts zu interessieren scheint, seine Teebeutel-Problematik, in der er den Beutel doch irgendwie nicht wirklich gut entsorgt habe. Das absurde Bühnengeschehen mit dem apathischen Pfarrer, bringt den Schauspieler Tilman Strauß so zum Lachen, dass er das Publikum mit in das Geschehen hineinzieht, was sehr schön ist.

Petras Inszenierung von „Die Erfindung der RAF“ schafft einen herausragenden Theaterabend an dem die Welt eines manisch-depressiven Tennagers Ende der 60-iger in der BRD und die vermeintliche Entstehung der RAF im Vordergrund stehen. Die Bezüge zu West- und Ost-Deutschland sind zwar vorhanden, aber nicht ausschlaggebendes Element an diesem Abend. Eher entstanden Sympathien gegenüber der im Schauspiel gegründeten Roten Armee Fraktion und ihren Mitgliedern, weil sich dort die Jugend wenigstens mal  politisch engagiert hat.

Die nächsten Spieltermine für „Die Entstehung der RAF“| Schaubühne Berlin| 8.5., 29.5.2016| Karten unter: 030-8900-23 oder unter ticket@schaubuehne.de.

Wonach suchst Du? Hat Deine Suche überhaupt mal ein Ende? – Nähe? Zu abstrakt! Hey! Geh nicht weg! Bleib, bitte! – Tut mir Leid, Sie sind unvermittelbar.

In Falk Richters neuen Projekt FOR THE DISCONNECTED CHILD geht es um den Wunsch nach Nähe, Zuneigung und diese zulassen zu können. – Begegnung, Verbindung, Auflösung. – Die Disziplinargesellschaft wird zur Leistungsgesellschaft und das nach Nähe suchende Subjekt verfällt einem Optimierungszwang. Selbstoptimierung. Beziehungsoptimierung. Der Mensch unterliegt einer Narzissifizierung seines Selbst. Der Andere verschwindet, weil das Selbst die Andersartigkeit des Anderen nicht mehr wahrnimmt. Das narzisstische Selbst beginnt in dieser kapitalistischen Leistungsgesellschaft sich selbst auszubeuten. Ist ja auch viel produktiver als Fremdausbeutung. Die ständige Selbstoptimierung verläuft köhärent mit einer Selbstausbeutung, wodurch das Gehorsamsubjekt nun zum leistungsorientierten „Homo oeconomicus“ wird.

Wir sind am Ende der Liebe angekommen. Menschen können nicht mehr Bindungen eingehen, haben Angst vor Nähe und gleichzeitig Furcht vor der Einsamkeit. Das Zeitalter der neuen Technologien ermöglicht diverse Verbindungen mit einer unglaublichen Distanz, das heißt Beziehungen werden nicht mehr nah erfahren. Die Nähe als solche verschwindet. Die Bindungsfähigkeit des Menschen ist gestört, DISCONNECTED. Genau wie in der Psychologie: Disconnected Kinds. Autistische oder an ADHS erkrankte Kinder suche die Nähe zu ihrer Mutter. Voller Verlangen versuchen sie Vertrauen zu anderen Menschen aufzubauen mit der latenten Gewissheit, dass man Menschen nicht trauen kann. Vertrauen wird zur Herausforderung. Bindungsfähigkeit zu einem unerfüllbaren Wunsch. – MAMA! MAMA? HÖRST DU MICH? – Genau wie diese Kinder, sind die Menschen in Falk Richters Projekt FOR THE DISCONNECTED CHILD. Rastlos suchende Menschen nach Bindungen in einer Welt voller Möglichkeiten. Unfähig sich einzulassen, wie Peter Tschaikowskis Eugen Onegin. Ein freiheitsliebender Dandy, der Tatjanas gestandene Liebe dankend zurückweist. Eugen möchte seine Freiheit nicht für eine „wahrscheinlich lebenslange“ Bindung opfern. Falk Richter bettet diese Opernhandlung in sein Stück ein und lässt seine Figuren auf „Eugen Onegin“ blicken. Die Darsteller*innen (Franz Hartwig, Ursina Lardi, Stefan Stern, Tilman Strauß, Luise Wolfram) halten wie Eugen an ihrer selbst geschaffenen Freiheit fest. – Wenn eine selbstgeschaffene Freiheit zum Zwang wird, ist mensch dann noch frei? Oder unterliegt das von sich selbst entworfene Projekt „freier Mensch“ neoliberalen Zwangsstrukturen? – Liebe und der neoliberale Markt fusionieren miteinander. Der Arbeitsmarkt wird emotionalisiert und die zwischenmenschliche Beziehungen werden optimiert. Den optimalen Partner lernen wir heutzutage auf Dating- und Partnersuchwebseits kennen. Die Sprache verliert an Bedeutung, weil das Jargon des neoliberalen Marktes mit dem der Liebe zusammenfällt. Die Sprache tritt in den Hintergrund und der Klang wird zum zentralen Stilelement des Stücks FOR THE DISCONNECTED CHILD.

Sieben Komponisten (Malte Beckenbach, Achim Bornhoeft, Oliver Frick, Helgi Hrafn Jónsson, Jan Kopp, Jörg Mainker, Oliver Prechtl) vertonen Texte von Falk Richter oder ‚kreieren eigene Kompositionen‘. Vier Sänger (Helgi Hrafn Jónsson, Borjana Mateewa, Gyula Orendt, Maraike Schröter) mit ergreifenden Stimmen schaffen es die Zuschauer*innen in ihrem Bann zu ziehen, sei es Melancholie oder sprühender Zynismus. So sorgt die Sopranistin Maraike Schröter für unglaublich viel Witz als sie die 12. Komposition >>Hör auf zu weinen<< singt. Die 12. Szene erinnert an eine Textszene von Falk Richters Inszenierung „Rausch“: „Bist du gut angekommen?“. Menschen, die Falk Richters Stücke kennen, werden feststellen, dass FOR THE DISCONNECTED CHILD ein Remix aus neuen und alten Schriften des Autors Richters ist. Besonderes viel Lob für seine atemberaubende Gesangsleistung bekommt Helgi Hrafn Jónsson, der nicht nur eine begnadete Stimme hat, die zu Tränen rührt, sondern auch instrumental den Saal mit den passenden Klängen füllt.

 

FOR THE DISCONNECTED CHILD von Falk Richter ist eine einzigartige Aufführung, wo Text, Klang, Gesang und Tanz (Steven Michel, Franz Rogowski, Jorijn Vriesendorp) auf höchsten künstlerischen Niveau aufeinandertreffen. Die Zuschauer*innen bekommen einen facettenreichen Einblick (unterstützt durch das Bühnenbild von Katrin Hoffmann) in die Menschen unserer kapitalistischen Leistungsgesellschaft, die versuchen nahbare Liebe zu erfahren und das „Andere-Selbst“ als Erlösung für die selbstgeschaffene „Erfolgsdepression“ zu erkennen.

Sonntag, 5. April
For the Disconnected Child
Text, Regie und Choreographie: Falk Richter

Premiere am 14.06.2013 an der Schaubühne am Lehniner Platz

(Rezension vom 5.Juli 2013)