„Das ist ein Privileg“, kommentiert bissig die weiße Klimaforscherin Prof. Dr. Uta Oberdorf (Jule Böwe) den Exkurs der schwarzen Bewerberin Dr. Anna Vogel (Alina Vimbai Strähler) im Gespräch um die Post-Doc-Stelle an ihrem renommierten Institut für Kilmaforschung. Vogel sprach von über 100 Millionen indigene Kolonisierungstote seit 1492, eine demographische Katastrophe und Teil der Geschichte der europäischen Expansion. Laut der Klimaforscherin Oberdorf hat erst vor 30 Jahren das Zeitalter des Anthropozäns begonnen. Sie erwidert weiter den Exkurs über die demographische Katastrophe mit den Worten, dass den schmelzenden Polarkappen die Hautfarbe nicht interessiere. Und spielt damit auf eine aktiv agierende Position gegen klimatische Veränderungen an, die der Mensch heute -unabhängig von rassistischen Stereotypen- einnehmen könnte.

Das Drei-Frauen-Stück „Kein Weltuntergang“ von der britischen Autorin Chris Bush versucht über die Theorie der möglichen Welten (des Philosophen Saul A. Kripke) diverse Perspektiven der globalen Klimakrise einzunehmen, um sich mit dem Hyperobjekt Klimakatastrophe auseinanderzusetzen. Regisseurin Mitchell, die das Gegenwartsdrama von Bush an der Schaubühne (4. September 2021) uraufführte, konstruierte dafür ein klimaneutrales Setting (Bühne und Kostüm, Chloe Lamford), in dem die drei Frauen, gefangen in einer Zeitschleife, fragmentarisch Gesprächssituationen mit unterschiedlichen Narrativ spielen. Immer wieder gehen die drei Türen auf und zu. Einmal kommt Frau Dr. Vogel zu spät, ein anderes Mal hat Frau Prof. Dr. Oberdorf keine Zeit.

Im Laufe der möglichen Welten gleicht die zersplitterte Form des Textes einer linearen Erzählung, in dem die ambitionierte Post-Doc-Forscherin Anna Vogel ihren Traumjob am Institut für Klimaforschung bekommt. Sie adoptiert aus klimaökonomischer Sicht ein Kind names Lena (Veronika Bachfischer). Und stirbt unerklärlich auf einer Arktis-Expedition. Lena (Veronika Bachfischer) ist der stringente Charakter von Bushs „Kein Weltuntergang“. Zu Beginn betritt sie die Bühne mit einer Urne, dekoriert den ansonsten kahlen Bühnenraum mit Kunstblumen und einen Eisbären. Während dem Spiel zwischen Anna und Uta, zitiert sie Studien, Konventionen, Fabeln über das Hyperobjekt Klimakrise. Sie beschreibt unser Zeitalter als „Goldglöcken-Zone“, weil der Mensch wie die Märchengestalt Goldglöckchen den (Eis-)Bären die Nahrung raubt, in deren Lebensraum eindringt und einen zerstörten Haushalt hinterlässt. Zum Ende des Stücks wird deutlich, dass jede Person Anna sein kann, das heißt ein engagierter Mensch, der sich aktiv für den Klimaschutz einsetzt. „But none of all helps“, weil die Welt letztendlich wie die Forscherin Anna Vogel an alles gestorben sein wird.

Was es bedeutet als schwarze Frau in einer globalisierten Welt mit Kolonialgeschichte zu leben, untersucht die Performerin Selina Thompson in ihrem Film „salt: dispersed.“; die Inszenierung „salt.“ ist aufgrund von Erkrankung ausgefallen. Direkt zu Beginn berichtet die Britin Thompson von rassistischen Vorfällen in ihrem Alltag und der immer wiederkehrenden Frage, „where are you really born?“ -die meisten Engländer sind weiß-. Sie spricht von einem rassistischen Lehrer, der seinen Schülern erklärt, dass schwarze Menschen schwarz sind, weil sie laut einer Sage faul seien und die „Waschung“ verschlafen haben. Sie erzählt von einer mantrischen Abwehrhaltung, „you pushed against me, i pushed back“. Ein Versuch sich innerlich von den rassistischen und misogynen Anfeindungen zu distanzieren. Ihre Monologe wirken im Film sehr nah und emotional. Sie treffen tief in die europäische Gegenwart und in die europäische Kolonialgeschichte hinein.

Über das Nachleben der Sklavenroute ihrer Vorfahren an Board eines kommerziellen Containerschiffs, berichtet sie eindrücklich über ihre koloniale Vergangenheit. Mehrere Millionen schwarze Sklaven -darunter auch ihre Vorfahren- haben den Grundstein für den heutigen europäischen ökonomischen Erfolg gelegt. Zu recht betont sie, dass Europa seine Hände in Blut wäscht.

Dass nur ein sehr geringer Teil der Weltbevölkerung etwas von einer guten wirtschaftlichen Struktur spürt, zeigt die Arbeit „Love“ vom britischen Autor-Regisseur Alexander Zeldin. Sie ist der letzte Teil von Zeldins Triologie „The Inequalities“; andere Teile sind „Faith“ und „Hope and Charity“. Die hyperreale Inszenierung „Love“ lässt die Zuschauer einen Einblick in eine Notunterkunft für Wohnungslose werfen. Dort leben auf engsten Raum eine Patchworkfamilie (Janet Etuk, Joel MacCormack, Amelia und Oliver Finnegan), Sohn mit pflegebedürftiger Mutter (Daniel York Loh, Amelda Brown) und eine junge Frau (Hind Swareldahab) zusammen. Sie teilen sich Küche und Badezimmer. Die Einrichtung ist als Übergangsstation gedacht für Menschen, die vor der Wohnungsnot stehen und das Anrecht auf staatliche Wohnungsvermittlung haben.

Darauf setzt zumindest die Patchworkfamilie, welche aufgrund von Mieterhöhung ihre Bleibe zwangsräumen musste. Über die anderen Bewohner der Unterkunft erfahren sie, dass diese schon ein knappes Jahr auf die Vermittlung einer Wohnung warten. Die Inszenierung „Love“ schafft es mit ihrer realistischen Art ein Spiegelbild von den Berliner Mietverhältnissen zu schaffen. Auch in der deutschen Hauptstadt sind viele Menschen von Wohnungsnot bedroht. Hier leben Familien teilweise in beengten Wohngemeinschaften oder Wohnungen, weil sie sich keine angemessene Bleibe leisten können.

Einen starken Kontrast zu den hyperrealen Arbeiten der 20. FIND-Ausgabe (fern von alltäglichen Diskursen) bieten Angélica Liddells Werke „Liebestod“ und „the Scarlet Letter“. Die Regisseurin arbeitet hier wie gewohnt provokativ, konstruiert Extreme in Bild und Wort. Ihre Texte beziehen sich auf hochkarätige Literatur, wie Richard Wagners „Tristan und Isolde“oder Antonin Artaud „Theater der Grausamkeiten“. Die Performance „Liebestod“ ist eine Art von Hommage an den spanischen Stierkämpfer Juan Belmonte und bedient sich einer Blutmetapher aus dem Stierkampf. Für ihr performatives Blutritual tunkt sie beispielsweise Brot in ihr eigenes Blut und verspeist es oder schneidet sich mit einer Rasierklinge Hände und Füße auf. Liddell bleibt in ihren neuen Arbeiten definitiv ihrer artifiziellen Theaterkunst treu und gilt laut dem Dramaturgen Florian Borchmeyer als „bedeutendste Textperformerin der Welt“.

Das Festival läuft noch bis zum 10. Oktober 2021 und präsentiert viele weitere spannenden Arbeiten aus dem Bereich der Gegenwartsdramatik, wie „Outside“ vom russischen Regisseur Kirill Serebrennikov oder Thomas Ostermeiers Inszenierung mit dem französischen Schriftsteller Édouard Louis „Wer hat meinen Vater umgebracht?“(„Qui a tué mon père“).

Einige Arbeiten aus dem FIND Programm befinden sich bereits im Repertoire der Schaubühne und lassen sich nachträglich anschauen, wie die klimaneutrale Inszenierung von Mitchell oder die Arbeit von Ostermeier. Geplant ist auch ein Remake von Alexander Zeldins „The Inequalities“ mit dem Schaubühnen Ensemble.

20. Ausgabe von FIND (Festival für Internationale Dramatik) – Schaubühne Lehniner Platz

Spieltermine: 29. September 2021 – 10. Oktober 2021,
https://www.schaubuehne.de

Foto: Richard Davenport (aus „salt.“, Selina Thompson)

Thomas Ostermeier und sein Dramaturg Florian Borchmeyer adaptieren sehr werkgetreu den Roman von Horváth für die Bühne. Sie ersetzen das N-Wort durch Afrikaner, was von einem reflektierten Geist zeigt und die rassistischen Strukturen des Regimes passender auf den Punkt bringt. Die treffende Atmosphäre der Zeit wird auch durch die Kostüme (Angelika Götz) getragen, welche an die Zeit der 40-iger Jahre und an das faschistische Regime erinnern. Teilweise wirken Kostümwechsel als Transformation, wie zu Beginn des Schauspiels. Jörg Hartmann tritt neutral gekleidet auf die Bühne und während des Vorlesens von dem Brief eines Arbeiters, „Was verdanke ich Adolf Hitler?“ transformiert er sich über seinen braunen Anzug in die Rolle des Lehrers und in die Zeit des Nationalsozialismus. Das Ensemble ergänzt die Worte des Lehrers durch seine geführten inneren Monologe und Gedanken, dadurch legt der Regisseur die jeweilige Handlungsmotivationen des Lehrers offen; was ein Mitfühlen mit ihm ermöglicht.

„Jugend ohne Gott“ ist eine Koproduktion mit den diesjährigen Salzburger Festspielen (Salzburg Premiere 28. Juli 2019). Es zeigt deutlich die Handschrift des Regisseurs, (komplexe) Klassiker stilvoll, naturalistisch und spannend zugänglich zu machen.

Weitere Vorstellungen von „Jugend ohne Gott“ an der Schaubühne Berlin: 9. bis 12. September, 20 Uhr 2019. Karten unter: 030 890023 oder ticket@schaubuehne.de

Regisseur Thomas Ostermeier inszeniert >>abgrund<< mit einem ausgeprägten Realismus, um den gegenwärtigen Menschen und seine Gesellschaft umfassend offenzulegen. Der moderne Mensch neigt zu Distanz, Isolation, möchte flexibel bleiben, sich nicht festlegen, sich nicht involvieren. Er möchte Ich-Sein, oder doch lieber jemand anderes. Sein Ego steht im Vordergrund, aber am besten ist alles ganz unverfänglich und gleichzeitig irgendwie doch mittendrin. Gut erkennbar wird der moderne Mensch in Sabines Verhalten. Sie weist ängstlich das Telefonat von der verzweifelten Bettina ab, um nicht in ein Problem miteinbezogen zu werden. Der Mensch ist da und engagiert, aber nur insoweit es für ihn nützlich ist. Ostermeier greift für seine realistischen Phänomene, unter anderem auf einen PVC-Vorhang zurück und bespielt diesen mit Filmaufnahmen, die sich mit weiteren Filmaufnahmen kreuzen. Vereint wirken die Bilder dreidimensional. Eine Live Kamera projiziert dramatische Momente und Gefühle auf die Wand. Zwar sind die Stimmungen intensiver sichtbar, werden aber gefiltert, sodass Empathie verloren geht. Emotionen sind an diesen Abend minder erfahrbar.

Die am Publikumssitz installierten Kopfhörer spielen Ton und Musik in Stereo und verstärken somit das Hörerlebnis; andererseits entfremden sie vom Schauspiel. Mannigfache Überschriften und Stimmungen sorgen für andere Settings und geben Gesprächsthemen an. Realismus und zeitliche Chronologie schwinden mit der Einführung des zweiten Plots; in dem das Kleinkind Pia (Tabea Fromholz / Lucy Kip / Nele Richter) ihre Mutter Bettina aufdringlich nach Mich fragt, während sie ihre kleine Schwester Gertrud stillt.

Regisseur Ostermeier und Zade haben mit der Inszenierung >>abgrund<< ein gutes Abbild unserer (Berliner) Gesellschaft geschaffen. Hin und wieder macht die emotionale Distanz einige Szenen zu Abbildern aus einem Möbelhauskatalog. Stärkt damit aber den immanenten Appell an den Zeitgeist.

>>abgrund<<, Schaubühne Berlin, Weitere Vorstellungen: 17.04., 19.04., 21.04.,22.04.,09.05., 28.05., 29.05.,30.05.2019. Karten unter: 030 890023 oder ticket@schaubuehne.de

Obwohl der Roman >>RÜCKKEHR NACH REIMS<< ein autobiografischer Roman des französischen Philosophen Didier Eribon ist, spricht er alle Individuen an, die sich aus ihren sozialisierten Strukturen lösen mussten, um sich selbst zu finden. Eribon stammt aus der französischen Arbeiterstadt Reims. Sein Vater war Fabrikarbeiter und seine Mutter Putzfrau. Seine Geschwister gehören ebenfalls der Arbeiterklasse an. Früher wählten die französischen Arbeiter die Kommunisten und lehnten sich gegen die Bourgeoisie auf. Sie identifizierten sich mit der kommunistischen Partei, die sie zu politischen Subjekten machte. Beeindruckt von der politischen Kraft der Arbeiter und von den linksintellektuellen Schriften, strebte der junge Eribon nach dem Leben eines Intellektuellen. Er wurde Marxist und entdeckte in jungen Jahren seine Homosexualität, die er nur eingeschränkt in Reims ausleben konnte. Nach und nach distanzierte sich Eribon von seiner Familie und von der Klasse der Arbeiter. Er ging nach Paris und wurde dort als Biograf des Philosophen Michel Foucault berühmt. Heute zählt er zu den französischen Intellektuellen, zur Elite und ist ein bedeutender Philosoph und Soziologe. Er hat sich von der Schicht der Arbeiter, von seiner Herkunft und von seiner Familie lösen müssen, um sich in den Reihen der Akademiker integrieren zu können. Eribon hat nichts mehr mit seiner Familie gemeinsam.

Er hatte jahrelang keinen Kontakt zu seiner Familie. Während seiner Abwesenheit ist  sein Vater verstorben. Der Regisseur Thomas Ostermeier schaffte es Eribon für seine Inszenierung >>RÜCKKEHR NACH REIMS<< (UA Manchester International Festival (MIF) Juli 2017) zu gewinnen. Gemeinsam begeben sie sich auf eine Erinnerungsreise, in der Eribon in seine Heimatstadt Reims zurückkehrt, seine Mutter besucht und den Spuren des europäischen Rechtsruck auf den Grund geht. Aus der Erinnerungsreise ist ein Film (Thomas Ostermeier und Sébastien Dupouey) entstanden, der in Ostermeiers Inszenierung >>RÜCKKEHR NACH REIMS<< zu einem dokumentarischen Essay verarbeitet wird. Im Schauspiel möchte der Filmregisseur (Hans-Jochen Wagner) Eribons Roman >>RÜCKKEHR NACH REIMS<< adaptieren, dafür engagiert er die Schauspielerin Katrin (Nina Hoss), die den Roman auf das vorhandene Filmmaterial einsprechen soll. Zusammen mit dem Tontechniker (Renato Schuch) erarbeiten sie Eribons Erinnerungsreise in eine dokumentarische Niedergangserzählung des Sozialismus. Sie beschreiben einen Sozialismus, der sich nach rechts bewegt und eine Arbeiterklasse, die ihr politisches Bewusstsein an die Bourgeoisie abgegeben hat und nun konstruierten Phantasmen, wie >>Ausländer<<, >>Flüchtlinge<< und >>Nation<< hinterher jagt. Innerhalb der Produktion kommt es zwischen den Beteiligten zu Streitereien, unter anderem weil Katrin den Film hoffnungslos findet, weil Eribons Familie sich aufgegeben hat. Es scheint, als gäbe es keinen anderen Ausweg für die Arbeiterklasse, als sich mit den Rechten zu sympathisieren. Das macht Katrin sauer, weswegen sie sich von ihrer Rolle als Katrin entfremdet und nun beginnt als Schauspielerin Nina Hoss von ihren Vater, Willi Hoss zu erzählen. Willi Hoss sei auch Arbeiter gewesen, aber er habe sich nicht selbst aufgegeben, sondern hat als Kommunist bei Daimler Benz für die Rechte der Gastarbeiter gekämpft. Er hat die Grünen mitgegründet und sich für den Regenwald in Brasilien engagiert.

Ostermeiers Inszenierung >>RÜCKKEHR NACH REIMS<< ist eine spannende, humorvolle und gelungene Adaption, die neben Eribons Erinnerungsreise in seine Heimat und seinen gesellschaftsanalytischen Ableitungen aus der Scham seiner Sexualität und seiner Armut, den Niedergang der Sozialdemokraten darstellt, wie es in Deutschland mit der Agenda 2010 unter Gerhard Schröder passiert ist. Nina Hoss spielt sehr authentisch die Rolle der Katrin, sodass während des Spiels ein Moment der Entfremdung stattfindet, als Nina Hoss in Persona beginnt von der Vergangenheit ihres Vaters, Willi Hoss, zu sprechen. Hoss Stimme ist elektrisierend, fesselt an die Filmaufnahmen und den Text von Eribon. Sie ermöglicht dadurch eine Empathie mit Eribon, aber auch mit seiner Familie, wodurch die Tragik des Ganzen spürbar wird. Ostermeier verschränkt Film und Schauspiel zu einem Element, schafft aber dennoch zwei unterschiedliche Ausgangsmöglichkeiten aus dem Drama, wie die filmische Selbstaufgabe der Familie Eribon oder wie die im Schauspiel erzählte Auflehnung gegen die herrschenden Verhältnisse von Willi Hoss. Dem Zuschauer bleibt es überlassen, welchen Ausgang er aus seiner selbstverschuldeten Unmündigkeit wählt.

>>RÜCKKEHR NACH REIMS<<| Schaubühne Berlin| 22.11. um 20.00 Uhr, 25.-28.11. jeweils um 19.30 Uhr| Karten unter: ticket@schaubuehne.de oder 030-890023

Obwohl die Uraufführung von Ostermeiers >>Ein Volksfeind<< knapp fünf Jahre her ist, trifft es unseren heutigen Zeitgeist auf dem Punkt. Wir sind gefangen zwischen Recht und Gerechtigkeit, Macht und Wahrheit und der Frage, für welchen Preis ein Mensch beginnt seine Überzeugungen zu verraten? Wie hoch ist der Preis um die Wahrheit fallen zu lassen? Ab welchen Betrag wird Recht zu Unrecht? Oder welches Gefühl motiviert uns zu betrügen? In Ibsens >>Ein Volksfeind<< findet der Badearzt Thomas Stockmann (Christoph Gawenda) heraus, dass das Wasser im Kurort mit krankheitserregenden Mikroorganismen kontaminiert ist. Nachdem er seine Langzeitstudie seinen Freunden von der Presse zeigt, stehen sie absolut hinter ihm, oder wie der Verleger Aslaksen (David Ruland) so schön sagt: >>Sie haben die Mehrheit hinter sich.<<. Ein Artikel wird für den Druck vorbereitet, um das Volk über das verunreinigte Wasser aufzuklären. Doch dann taucht Thomas Bruder Peter (Ingo Hülsmann) in der Redaktion auf. Er ist der Stadtrat von dem Kurort und vergegenwärtigt dem Verleger Aslaksen und dem Redakteur Horstad (Renato Schuch), welche Auswirkungen so ein Skandal auf die Gemeinde haben würde. Prompt wird der Druck gestoppt. – Ab wann fängst Du an gegen Deine Überzeugungen zu handeln?

Der Regisseur Ostermeier inszeniert Ibsens Drama in realistischer Manier. Thomas Stockmann ist ein junger promovierter Familienvater, lebt mit Ehefrau (Eva Meckbach) und Kind in einer studentenähnlichen Bleibe, in der seine Freunde zum Jamen oder zum Essen vorbeischauen. Das Bühnenbild ist schlicht und zeichnet sich durch die ästhetischen Wandzeichnungen der Künstlerin Katharina Ziemke aus. Besonders durch Ostermeiers Methode des Storytelling können sich Zuschauer mit den Schauspielern und dem Gespielten identifizieren, was bei Thomas Stockmanns einberufener Versammlung zu einer hohen Partizipation der Zuschauern führt. In der Versammlung geht um das Ich, welches in unserer Gesellschaft irgendwo hineingepresst wird. INTEGRATION. Schlägt diese Integration bei Kindern beispielsweise fehl, dann werden sie pathologisiert, haben ADHS und bekommen Medikamente. Schließlich bewegt sich die Diskussionsrunde in Richtung Demokratie und der Frage: Ist es noch Demokratie, wenn es die Demokratie in Frage stellt?

Christoph Gawenda Foto: Arno Declair

>>Tut mir Leid, wir konnten nicht anders.<<

Eigentlich verdient unsere Gesellschaft den Untergang, da muss ich Dr. Stockmann zustimmen. In unserer Gesellschaft kann ein jeder erfolgreich sein, wenn er bloß Macht hat. Wer Macht hat, hat Freunde. Und wer im Recht ist, dem steht schon längst keine Gerechtigkeit zu. Er kann sich diese aber kaufen, sobald er die finanziellen Mittel dafür hat. Laut Aslaksen, ist der Mensch wandelbar, hoffentlich wandelt er sich bald zum besseren.

>>Ein Volksfeind<< | Schaubühne Berlin | Termine unter: http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/ein-volksfeind.html/m=318  Karten unter: +49.30.890023 oder ticket@schaubuehne.de