Willkommen in Belgien! Im Land der Surrealisten, der 12 unterschiedlichen Biersorten, der Pommes Frites, der verrückten Regeln, Karnevalstänze, der Tauben, der Igel und vieles mehr. In 14 Kapiteln und 42 ausufernden Bildern, feiern die Performerinnen (Annabelle Chambon, Cédric Charron, Tabitha Cholet, Anny Czupper, Conor Thomas Doherty, Stella Höttler, Ivana Jozic, Gustav Koenigs, Mariateresa Notarangelo, Çigdem Polat, Annabel Reid, Merel Severs, Ursel Tilk, Kasper Vandenberghe, Andrew James Van Ostade) von Jan Fabres Compagnie Troubleyn in der Produktion Belgian Rules/ Belgium Rules (UA Volkstheater Österreich 2017) am Hebbel am Ufer (HAU) belgische Geschichte und Klischees. Sie erarbeiten ein sinnliches Theater mit einer Hommage an Belgien in der völligen Abwesenheit von Nationalismus.

Sie beginnen mit der Geburt des Königreichs, seiner Unabhängigkeit, seinen Sehenswürdigkeiten und sprechen in den belgischen Amtssprachen, Französisch, Niederländisch und Deutsch über die drei Regionen, Flandern, Wallonien und die deutsche Gemeinschaft. Sie berichten von Konflikten zwischen den Regionen, tanzen Karnevalstänze oder rappen mit >>I am rich and you are not<< über den belgischen Kolonialismus. Mythen, Kunstwerke und vergangene Realität verschwimmen zu surrealistischen Bildern mit soziokulturellen Phänomenen, die im starken Kontrast zueinanderstehen. Mal laut und leise, dann schrill und still, werden unter anderem Kunstwerke von belgischen Künstlern lebendig. In Fabres 4. Kapitel – Peter Paul Rubens erwacht Rubens Gemälde >>Das Pelzchen<< zum Leben. Sieben Performerinnen stehen nackt im Pelz mit Schusswaffen auf der Bühne und sprechen in den unterschiedlichen Amtssprachen von der belgischen Rüstungsindustrie Fabrique Nationale Herstal vom Waffenhandel und den erzielten Profiten. Sie richten dabei ihre Waffen in die Richtung des Publikums und errechnen, dass sie 27 Waffen pro Tag und 10 000 Waffen im Jahr verkaufen. Belgien gewinnt damit mindestens 1 Milliarde Euro im Jahr. >>Seid fabelhaft und effizient. Kauft sie und schießt<<, unterbrochen wird das lebende Gemälde mit dem Popsong >>Alors On Danse<< von Stromae und einer tanzenden Taube. Die sympathischen Tauben in Belgian Rules/ Belgium Rules sind Ratten der Lüfte, Liebhaber, Regelbrecher und zugleich die Friedensbotschafter für die belgischen Regionen und für Europa mit der Botschaft >>Es ist möglich nicht illegal zu sein und an Europa zu glauben<<.

Jan Fabres non-stop Party Belgian Rules/ Belgium Rules ist eine Ode an die Fantasie. Hier beschwört der Igel die Geburt von Belgien aus dem Geist des Theaters und lebende surrealistische Bilder erweitern die visuelle Wahrnehmung auf die auditive, olfaktorische und taktile. Das Ensemble kreiert ein sinnliches Theater, in dem es unter anderem mit Weihrauch oder Kälte unterschiedliche Wahrnehmungsebene gezielt anspricht. Regisseur Fabre, Autor Johan de Boose und seine Compagnie Troubleyn verschmelzen in Belgian Rules/ Belgium Rules politische Schönheit mit anspruchsvoller Ästhetik. Häufige Kostümwechsel, ein hoher Verbrauch an Bier und Konfetti, entgegengesetzte musikalische Klänge und Spannungen erhalten die vierstündige Performance am Leben, wobei der morbide Charakter der Produktion auch den Tod feiert.

wir zelebrieren den Tod. Er fließt durch unsere Adern. Wir atmen den Tod

Wie bereits in Fabres Inszenierung Preparatio Mortis (UA Festival Avignon 2005), übersetzt der Choreograph auch hier das Paradoxe-Verhältnis von Leben und Tod in eine mitfühlende Poesie des Tanzes. Die Compagnie Troubleyn präsentiert bis zur physischen Erschöpfung belgische (Kunst-)Geschichte und Klischees auf eine ironische, intellektuelle und kritische Art, sodass Belgian Rules/ Belgium Rules kein Loblied auf die Nation Belgien ist, sondern es eher die feierliche Möglichkeit gebietet, Belgier und Europäer ohne nationales Gedankengut zu sein.

>>Belgian Rules/ Belgium Rules<<, Hebbel am Ufer, Weiterer Spieltermin: 17.3.2018 Karten unter: tickets@hebbel-am-ufer.de oder 030/ 259004 27

Irgendwo da Draußen tummeln sie sich; die Wiedergänger, die wollen, dass Deutschland, Deutschland bleibt. Die Untoten aus der Erde, die leben wollen, nicht vergessen werden wollen. Pegida, AfD, Front National und viele andere, die den Faschismus wieder salonfähig gemacht haben. Die nicht nur fragen, was Heimat ist, sondern sagen, wie Heimat und Familie auszusehen hat.

Mein Land heißt Deutschland … Und das mag ich, so wie es ist. Ich will einfach zeigen, dass ich Deutschland mag, dass ich für Deutschland einiges tun werde, und will mich auch nicht an irgendwelchen rechtsradikalen Dinge beteiligen. Ich steh einfach auf das Land als Deutschland. Wir sollten aufpassen, dass Deutschland, Deutschland bleibt.

Angekrochen kommen sie mit Rettungsplänen zum Abendland. Diese besorgten Bürger*innen stehen auf der Bühne als Pappfigur, Bild, Stimme und möchten ihr gelobtes Land verteidigen. Fünf Schauspieler*innen und drei Tänzer halten in einer zweistündigen Collage aus Text, Tanz, Musik, Fotos, Video der Gesellschaft einen Spiegel vor die Augen. Das Bild ist klar. Und es macht Angst. Es macht Angst diesen faschistoiden Stimmen zu lauschen; die Menschen sehen als >>FLUTMASSE, als LANGSAM AUSHÖHLENDE FLUTMASSE DIE AUF UNS LASTEN DAS DEUTSCHE AN UNSEREN DEUTSCHSEIN LANGSAM AUSHÖHLEN<<. Es macht Angst die Gesichter von den rechtsradikalen Mob präsentiert zu bekommen. Elektronische Musik von Malte Beckenbach pulsiert und unterstützt die grün beleuchteten Szenerie. Frauke Petry, Beate Zschäpe, Marie le Pen, Beatrix von Storch, Horst Seehofer und viele mehr. Von den Darsteller*innen hin montiert. Befestigt und angeklebt. So schnell gehen die nicht weg. Alle bewegen und kriechen, kommen aus der Erde und wollen nicht vergessen werden, wie Elfriede Jelinek es in ihrem Heimatmonolog „Wolken.Heim.“ geschrieben hat. Alle sind sie wieder da. Und wollen HEIMAT. HEIMAT? Was ist das überhaupt?

Falk Richters Inszenierung FEAR, die sogar wegen dem Rechten Flügel vor Gericht ziehen musste, zeigt uns emotional und rational, was hier DRAUßEN ist. Ein besorgt-hasserfüllter Mob, der DRAUßEN in unserer Gesellschaft tobt und irgendwas will… aber die wahren Gründe nicht erkennt und dafür den Faschismus wiederaufleben lässt. ÜBERALL DIESE BILDER. DIESE STIMMEN. Das macht ANGST. WIRKLICH ANGST. Weil den Mob bekommt mensch nicht einfach so wieder weg. Also wohin? Laut, FEAR ab ins Grüne, Gemüse anbauen,… um diesen ganzen System endlich mal entfliehen zu können. Keine so schlechte Idee… erst mal zurück zur Natur.

FEAR| Schaubühne Berlin| 24.6., 25.6., 27.6., 28.6., 29.6.2016| 20h| Spieltermine in der neuen Spielzeit: (http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/fear.html) Karten unter: ticket@schaubuehne.de

Die Ausgeburt des Nationalismus – Regisseure Polscher und Freytag inszenieren Jelineks Heimatmonolog

Der Heimatmonolog thematisiert ohne jegliche Figuration und in hoch artifizieller Versprosa die Geburt des Nationalismus ausgehend von Dichtern und Denkern des 18. Jahrhunderts, bis er schließlich in den Nationalsozialismus mündet und die noch verbliebenen Spuren des Faschismus im gegenwärtigen heimischen Boden ausgräbt. Es ruht im Boden, es wächst in den Wäldern – das chorische WIR von Jelinek geht im deutschen Wald spazieren und trifft dort auf dekonstruierte Fragmente aus Texten von Fichte, Hölderlin, Heidegger, Hegel, Kleist und Briefen der RAF-Gefangenen.

Jelineks postdramatischer Text verweigert sich jeglicher Theaterkonventionen und ist somit für jeden Regisseur eine Herausforderung, aber zugleich ein offenes Meer. FreiGeist hat sich mit den wahnwitzigen Regisseuren, die sich dieser Herausforderung stellen, getroffen, um mehr über ihre Zusammenarbeit und ihre Inszenierung zu erfahren.

FG: Mark Polscher und Bernd Freytag als Regieduo, eine ungewöhnliche Kombination, vor allem da Ihr beide keine „klassischen“ Stadttheater-Regisseure seid. Wie habt Ihr zusammengefunden und woher kam der Gedanke gemeinsam zu arbeiten?

Mark: Kennengelernt haben wir uns 2001 bei Theaterarbeiten am Landestheater Linz. Seit diesem Zeitpunkt haben wir in verschiedenen Produktionen zusammengearbeitet, bei denen Bernd für den Chor verantwortlich war und ich für die Musik. Wir hatten uns etwas aus den Augen verloren, bis wir uns schließlich 2013 am Schauspiel Essen wieder getroffen haben. Zu dieser Zeit komponierte ich die Musik für Thomas Krupas Inszenierung „Skin Deep Song“ und Bernd arbeitete mit einem Arbeitslosen-Chor für Volker Löschs Inszenierung „Rote Erde“. Da wir auf einmal wieder vor Ort zusammen waren, jeder bei einer anderen Produktion, haben wir uns gesagt: Ok, jetzt wäre es an der Zeit, dass wir etwas zusammen inszenieren. Wir wollten gerne unsere Ideen, die wir in vielen Jahren gesammelt haben, in einem gemeinsamen Team umsetzen und schauen, wie ein von uns konzipiertes Theater aussehen könnte.

FG: Und wie kommt es, dass Ihr Elfriede Jelineks „Wolken.Heim.“ in Szene setzt?

Mark: Das Schauspiel Essen hat uns verschiedene Texte vorgeschlagen, darunter war auch „Wolken.Heim.“.

Bernd: Bei „Wolken.Heim.“ haben wir sofort gesagt, das machen wir! Das Stück vereint alle unsere künstlerischen Interessen, beziehungsweise alles, was wir bisher gemacht haben.

Mark: Außerdem hatte „Wolken.Heim.“ für uns von allen vorgeschlagenen Stücken die schönste und komplexeste Sprache. Aber auch das Thema „das deutsche Wesen“, sprich woher kommt Nationalismus, hat uns neben der Polyphonie des Textes interessiert.

FG: Dann frage ich Euch mal direkt im Anschluss, worum geht es für Euch in „Wolken.Heim“?

Bernd: Es handelt sich um einen Chormonolog, um einen Chor, der aus der Geschichte auftaucht und probiert sein Auftauchen zu legitimieren. Es ist ein Totenchor, was natürlich paradox ist, weil ein Chor von Toten nirgendwo auftauchen kann. Was macht ein Chor oder ein Sprecher, der auftauchen muss und nicht auftauchen kann oder wenn er auftauchen muss in etwas, das vor ihm oder in ihm liegt und das in eine Katastrophe führen kann? Weiter hat der Chor mit Nationenbildung zu tun, die Jelinek selber kritisch beäugt und unsere Textfassung, die in 21 Blöcken unterteilt ist, probiert mit diesen Phänomenen und Paradoxien umzugehen.

FG: Jelineks Werke sind im Allgemeinen als schwer umsetzbar bekannt, weil sie sehr sperrig sind, aus Textflächen bestehen und sich deswegen von klassischen Theatertexten unterscheiden. Deshalb ist es für jeden Regisseur eine Herausforderung, mit ihren Texten zu arbeiten. Wie habt ihr den Text für Euch bühnenfähig gemacht?

Bernd: Da „Wolken.Heim.“ keine klassischen Dramatis Personae besitzt, haben wir Jelineks synthetisches Verfahren umgekehrt, in dem wir den Text einer Analyse unterzogen haben, um ihn aufzuschließen. Die verschiedenen Stimmen beziehungsweise verschiedenen Autoren, die Jelinek in „Wolken.Heim.“ verarbeitet, haben wir uns angeguckt und haben uns dann Übergänge und Zuordnungen überlegt, das heißt welche Stimme, was sprechen könnte.

Mark: Wir sind bei der Erstellung unserer Fassung von einer Partitur ausgegangen. Wir sprechen im Konkreten von einer „Partitur“, um die Polyphonie und die Komplexität des Textes ausdrücken zu können. Beispielsweise haben wir ganz bewusst darauf geachtet, dass wir eine Besetzung aus verschiedenen Stimmen konzipieren. Sprich wir haben einen Chor von 12 Stimmen, der sich innerhalb des Stücks noch mal in Frauen- und Männer-Chor unterteilt, sowie in halbe Frauen- und halbe Männer-Chöre. Dann haben wir noch 4 Schauspieler*innen, die jeweils eine Solostimme und einen Schauspielerchor bilden. Natürlich nehmen wir noch mal alle 16 Stimmen zusammen. Im Grunde greifen wir mit unserer Besetzung alle Kombinationen auf, um klangliche Ebenen zu erstellen, die miteinander kommunizieren. Diese unterschiedlichen Schichten von der Solostimme bis zur großen Figur Chor entwerfen eine neue Art von klanglicher Dynamik, die sich im Raum verteilt.

FG: Würdet ihr Eure Inszenierung als Klangwerk oder als Schauspiel bezeichnen?

Mark: Es soll erlebbares Theater sein! Uns geht es um die Struktur und die Frage, wie können wir diese Textflächen von Jelinek theatralisch sinnvoll aufteilen, damit es eine Form ergibt, die man erleben kann. Dafür eignet sich unser Chor hervorragend, weil wir alle Geräusche, Klänge – damit meine ich nicht nur Sprache – von der Bühne selbst erzeugen können, sodass wir eine Musikalisierung erleben, die den Text erfahrbar macht.

Bernd: Manchmal haben wir fast nur reinen Klang auf der Bühne, der mit der Sprache von Jelinek korreliert. Sie behauptet, dass Sprache wie eine Druckkammer eine enorme Kraft erzeugt, mit der es sich lohnt zu arbeiten. Unser Chor vergegenwärtigt dies, indem er in sich sinkt, trommelt, stampft, verzweifelt, nicht aus sich heraus kommen kann und dennoch singen muss.

Mark: Die erste Möglichkeit, mich dem Text anzunähern, war Klang. So konnte ich eine erste Verbindung zum Text und seiner Konstruktion herstellen. Es ist sicher hilfreich zu wissen, dass Jelinek selbst eine starke Verbundenheit zur Musik hat und deswegen bestimmt auch musikalisch arbeitet. Mit einer klanglichen Annäherung konnten wir den Text in seiner Musikalität nehmen, ohne sofort die Sinnzusammenhänge zu prüfen.

FG: Jelinek beschreibt in „Wolken.Heim.“ ein kollektives WIR; dadurch möchte sie ein Nationalgefühl repräsentieren und den Ausschluss des Anderen offenlegen. Wie setzt ihr das theatralisch um?

Mark: Ganz simpel. Du hast einen Chor von 12 Leuten und einer steht außerhalb des Chors. Der Chor spricht zusammen, erzeugt Klang oder vollzieht simultane Bewegungen und einer nicht. Dies sagt schon einiges aus. Über einen Chor wird das Verhältnis von Individuum und Gesellschaft am besten darstellbar und der Chor kann dadurch seine politische Funktion offenbaren.

FG: Die aktuellen politischen Ereignisse, damit meine ich vor allem die Pegida-Aufmärsche in Dresden, deuten darauf hin, dass Nationalismus und Rassismus weiterhin sehr stark in unserer Gesellschaft verankert sind. Nimmt Eure Inszenierung Bezug zu aktuellen politischen Ereignissen?

Mark: Ja, das tut sie. Die Dresdener Ereignisse haben uns insofern inspiriert, als dass wir konkrete Anhaltspunkte hatten, um „Wolken.Heim.“ alltagstauglich zu machen. Das „deutsche Wesen“, welches Jelinek im Text beschreibt, konnten wir nun an gegenwärtigen und konkreten Phänomenen überprüfen. Dennoch ist „Wolken.Heim.“ in unserer Inszenierung sicherlich kein Pegida-Stück, weil es darüber hinausgeht.

Bernd: Das Problem mit der Aktualität ist, dass die Frage nach der eigentlichen Ursache nicht geklärt wird. Also ist die Oberfläche, die Ursache? Oder liegt die Ursache tiefer? Gibt es etwas, was Wirkung hat und von einer anderen Zeit herkommt? Dabei stellt sich auch die Frage, wo Theater stattfindet. Theater im Sinne von Ereignis, Veranstaltung, Text und Interpretation, welches versucht die Gegenwart zu bearbeiten und dabei meist aus der Vergangenheit kommt.

FG: Was erwartet mich bei Eurer Inszenierung von „Wolken.Heim.“ am Schauspiel Essen?

Im Chor: Überforderung, Ernsthaftigkeit und Groteske!

Ich bedanke mich für das interessante Interview und wünsche Euch ein großes: TOI TOI TOI!

„Wolken.Heim“| Schauspiel Essen| 12.3., 19.3., 1.4. 2015| jeweils 19 Uhr| Karten unter: tickets@theater-essen.de oder 0201-81 22-200