Sorry, ich habe keine Zeit mit Dir zu sprechen, Dir zu zuhören oder mich um Dich zu kümmern. Das wollte ich Dir nur sagen. Du … ICH BIN MOMENTAN ECHT SUPER MEGA KRASS BUSY … Das wollte ich Dir JETZT nur sagen. Deswegen schreibe ich Dir und rufe Dich an. Ich dachte Du solltest wissen, dass ich SUPER MEGA KRASS BUSY bin. … Und müde. Natürlich. Komme kaum noch zum Schlaf.

In Falk Richters und Nir de Volffs Inszenierung NEVER FOREVER, welche im September 2014 an der Schaubühne Berlin Uraufführung feierte, befinden sich die Charaktere mitten in unserer digitalen Leistungsgesellschaft. Isoliert und arbeitend, leben wir mehr oder minder vor uns hin und suchen nach Leben. Nach wahren Begegnungen, die uns spüren lassen, dass wir existieren. Gemeinsam zusammenlebend. Beziehung. NEIN! DAS IST MIR ZU NAH. – Die Angst vor Nähe und vor der Symbiose, in der das eigene Ich mit dem Anderen zu verschmelzen droht, lässt das Ich ins Digitale verschwinden. Das Netz schafft Nähe. Schafft (erträgliche) Verbindungen, die ich jederzeit kappen kann. Jeder ist für sich. Getrennt und doch verbunden. Wir leben in einem Neoliberalismus, der Kapitalakkumulation über Isolation betreibt. Der Autor und Regisseur Richter schafft mit NEVER FOREVER ein Äquivalent zu unserer Gesellschaft. Ein Ebenbild, welches sich in abgetrennten Zimmern und Zellenblöcken abspielt. Beziehungen gehen auf und ab, sodass mensch es gar nicht mehr aushalten kann.

Regine Zimmermann. Foto: Arno Declair

Und lieber allein bleiben möchte; wäre da nicht der Wunsch nach Nähe. Gefangen in einer melancholischen Stimmung sind die Schauspieler und Tänzer auf der Suche nach sich selbst, haben Angst sich durch den Anderen, beziehungsweise durch die Anderen zu verlieren. Dafür setzt die Inszenierung auf Monologe oder Solos. Die Verbindung zum Anderen erfolgt meist über ein Kommunikationsmedium oder durch Spiegelung. Das narzisstische Ich versucht über die Spiegelung mit dem Anderen in Kontakt zu treten, eine Beziehung aufzubauen und sich Selbst zu finden. Aber statt Selbstfindung, bleibt nur die unerträgliche Nähe und der Selbstverlust. Denn, wer ist der Mensch unter all den Möglichkeiten und Rollen?

»Ich bin Deine Tochter.

Also das kann nicht sein. Die Mutterrolle habe ich immer abgelehnt, die wollte ich nicht spielen.«

Ensemble. Foto: Arno Declair

Verstörend, prallen die Protagonisten gegen Wände oder hauen mit dem Hammer auf dem Tisch. Verletzen sich, um sich zu spüren. Die Szenen erscheinen, wie  das Innenleben eines von Borderline-Erkrankten Individuums. Richter hat mit dem Choreografen Nir de Volff eine veränderte ästhetische Richtung eingeschlagen, die mehr Brutalität und Gewalt zulässt, um hervorzuheben, dass unsere Gesellschaft in Körper und Seele Spuren hinterlässt. Nir de Volff zeigt mit seinen Tänzern von Total Brutal das Gegenwarts-Indivduum : erschöpft, isoliert, einsam, verletzt. SYSTEMFEHLER. Der Mensch durchlebt im Zeitalter der Digitalität eine Wandlung. Es wird zum narzisstischen Leistungssubjekt, das keiner Beziehung stand hält und sich immer wieder als Projekt-Ich neu entwerfen muss. Genau wie Goethes Gretchen prophezeit die Schauspielerin Ilse Ritter den Untergang der Menschen:

»Meine Ruh ist hin. Mein Herz ist schwer. Ich finde sie nimmer und nimmermehr. Wo ich ihn nicht hab, Ist mir das Grab. Die ganze Welt Ist mir vergällt. Mein armer Kopf Ist mir verrückt. Meiner armer Sinn Ist mir zerstückt.«

NEVER FOREVER ist ein hartes Stück Realität, in der der Mensch an der digitalen Leistungsgesellschaft körperlich und seelisch zugrunde geht. Düster und brutal angehaucht, versucht das Ensemble die Zuschauer ästhetisch wachzurütteln und zu erklären, in welche Richtung sich unsere Gesellschaft bewegt. Narzissmus, Isolation und ein ständiges Leistungsstreben, das für individuellen Zerfall und für Kapitalakkumulation sorgt. Nichts bleibt. Nichts hält. Alles entwirft sich immer wieder neu; bis alles verschwunden ist.

NEVER FOREVER| weitere Spieltermine an der Schaubühne Berlin: http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/never-forever.html/m=318 | Karten unter: ticket@schaubuehne.de oder 030/89 00 23.

In was für einer Welt leben wir? – Permanent muss der Mensch sich „Überforderungen“ aussetzen, sei es in Beziehungen, in der Arbeitswelt, die mit Wohlfühlmaßnahmen auf das Intime zugreifen wollen –das sogenannte Private, welches das Innenleben des Selbst definieren soll–, um eine Produktivitätssteigerungen zu erzielen; oder aber Bilderfluten von unterschiedlichen Medien, die in einen hineindrängen als ob es kein Morgen gäbe. Überall Überforderungen, die ständig von den Fragen: Ist das MEIN Leben? Wie bin ich in dieses Leben hineingeraten? Lebe ich FÜR JEMAND ANDERES? begleitet werden.

Falk Richters Charaktere stehen in „ZWEI UHR NACHTS“ mitten im Leben, beschreiben gegenwärtige Zustände des modernen Leistungssubjekts, in dem sie unter anderem mit ihren Körpern in Form von Tanz die Spuren unserer transparenten Optimierungsgesellschaft offenbaren. Dabei bilden Sprechtempo, Musik, Stimme und Bewegung eine Art musikalische Partitur, die als Ausdrucksmöglichkeit emotionaler Zustände dient und zugleich die Räume öffnet, in der Sehnsüchte verbannt wurden. Im Schauspiel „ZWEI UHR NACHTS“, das ein Auftragswerk für die „Frankfurter Positionen 2015“ ist, wissen die Menschen nicht, wie sie weiterleben sollen, wohin das Leben sie führen wird, beziehungsweise „Warum ist überhaupt etwas und nicht viel mehr nichts?“, um es mit Leibniz Worten zu komprimieren. Hin und Her gerissen von den verschiedenen Möglichkeiten, die ein zufriedenes Leben versprechen, verlieren sich Richters Charaktere als Prototypen unserer Gegenwart in Arbeits- und Liebesleben, Einsamkeit, Verzweiflung und Zerstörungswut. Wo bleibt aber das ICH unter all den Möglichkeiten?

„WER IST DIESER MANN?“, fragt sich auch Marc Oliver Schulze, nachdem Constanze Becker mit dem Mann telefoniert hat, der anscheinend lieber Radiohead hört, anstatt sich um seinen Job zu kümmern. Ja, WER IST DIESER MANN? Von dem der begnadete Schauspieler Marc O. Schulze voller Elan, atemlos erzählt. „Wieso hat [dieser Mann] seit drei Tagen sein Handy nicht mehr eingeschaltet? Warum hat er gestern Nacht um 1 Uhr 57 seinen Skype Account gelöscht und anschließend unter einem anderen Namen neu eingerichtet? Warum sitzt er unterhalb des Fensters eines Hotelzimmers in einer Stadt, in der er in diesem Augenblick […] NICHT sein sollte und – ja was? Weint? […] Was vermisst er? […] Wer bist du? […] Wie bin ich in dieses Leben hineingeraten? Ist das MEIN LEBEN?“. ZWEI UHR NACHTS: Getrieben von Identitätsproblemen und der Frage, wie möchte ich Leben? Suchen Richters Darsteller Ventile um den permanenten gesellschaftlichen Anforderungen, die in einer agonischen Überforderung enden, zu entgehen. Leider ohne Erfolg. In einen Loop gefangen, jagen Ausbeutung und Enttäuschung sich gegenseitig. Die Firma möchte die neue Familie sein und interessiert sich brennend für das Innenleben seines Arbeitnehmers, damit sie ihn nach seinen Präferenzen motivieren kann, um dadurch einen Mehrwert zu erzielen, welcher dem Kapital zugutekommt. Und die Eltern, die sich eigentlich für das Innere ihres Kindes interessieren sollten, wissen gar nicht wer ihr Kind ist und versteifen sich auf Floskeln und halbherzige Gespräche. Neben dem Einblick in unsere immer sich selbst optimierende Postmoderne, sei es das Selbst oder die technologischen Errungenschaften, ist da noch die Frau.

Lisa Stiegler kritisiert in ihrem Monolog die gesellschaftliche Stellung der Frau, in dem sie sich immer wieder selbst verneint und aufzeigt, dass sie ein Mensch ist, der versucht sich von der Gesellschaft und den Anforderungen an das weibliche Subjekt abzugrenzen. „Ich bin keine Frau, die 0,1% Fettprodukte isst […] Ich bin keine Feministin, keine Emanze […] oder vielleicht doch?“. Dieser Moment ist eins der stärksten und aussagekräftigsten Szenen, dies mag sicherlich an der hervorragenden schauspielerischen Leistung von Lisa Stiegler liegen, aber auch an den atemberaubenden Tanzeinlagen von Johanna Lemke und Jorijn Vriesendorp, die bedauerlicherweise in „ZWEI UHR NACHTS“ etwas zu kurz kommt. Johanna Lemke tanzt völlig verstört, hektisch, überfordert vom Dasein und zieht somit die Zuschauer in ihren Bann. Etliche Male versucht sie sich eine Zigarette anzuzünden; leider vergeblich, heutzutage kann mensch nicht mal mehr in Ruhe eine Zigarette rauchen.

WER ist eigentlich für den ganzen Schlamassel verantwortlich? – Natürlich ist jeder für sich selbst verantwortlich! Treu dem Sartreschen Motto: „Der Mensch ist nichts anderes als wozu er sich macht“. Wenn wir es nicht schaffen in einer Welt voller Ratgeber über ein zufriedenes und glückliches Leben, glücklich und zufrieden zu sein, dann liegt die Verantwortlichkeit auf Seiten des Selbst, unabhängig in welcher politischen, gesellschaftlichen oder kulturellen Umgebung er sich befindet. Mit einem sarkastischen Unterton gibt Richter zu verstehen, dass alles zu haben, alles zu sein und/ oder alles zu tun, dennoch kein glückliches und zufriedenes Leben garantieren kann. Spätestens um ZWEI UHR NACHTS holt der Existentialismus uns ein und fragt nach dem authentischen Selbst.

„ZWEI UHR NACHTS“ ist genau wie „FOR THE DISCONNECTED CHILD“ (UA Schaubühne Berlin, 2013.) ein grandioses Schauspiel, das diverse Künste -Musik, Tanz, Schauspiel, Text, Video- in ein harmonisches Ganzes ohne jeglichen Makel zusammenfügt. Die Musik von Helgi Hrafn Jónsson und Valgeir Sigurdsson erweitert und untermalt wundervoll mit ihren Klängen die melancholischen und aufreibenden Szenerien, die voller Emotionen sind. Aber auch die Tänzer erweitern das gesprochene Wort und ersetzen es manchmal ganz durch Tanz, sodass der immer wiederkehrende Wunsch nach einer neuen Ausdrucksmöglichkeit gegeben ist. Neben Musik und Tanz als neue Sprachen, ist auch Chris Kondeks Videoinstallation über die Frankfurter Großstadt hervorragend und schafft nicht nur eine neue Ebene, sondern vergegenwärtigt gelungen in einigen Szenen Einsamkeit, Verlassenheit und die Kälte in einer Großstadt.

In der vorletzten Szene bei der alle Genres -Tanz, Musik, Video, Text- aufeinanderprallen, sind es in erster Linie die Bilderfluten, die mit mehreren Leinwänden bei den Zuschauern eine Überforderung der Aufnahmefähigkeit erzielen und dadurch bestens eine Analogie zu unserer transparenten Optimierungsgesellschaft mit ihren Leistungssubjekten herstellt. Getrieben aus den Momenten der Unruhe, tauchen bei den einzelnen Darstellern Sinnkrisen auf, wie so häufig in Richters Werken auf der Suche nach alternativen Lebens-, Arbeits- und Beziehungskonzepten. Aber können gefundene Alternativen wirklich einen Ausweg garantieren? – Gefangen im eigenen System, kommt die Identität abhanden und der Mensch ist nur noch eine Ressource; wie in dem Sci-Fi-Thriller „The Matrix“. Traum und Realität verschwimmen und die Sehnsucht nach einem anderen Leben macht sich breit. Jedes einzelne Mitglied des Ensembles „ZWEI UHR NACHTS“ trägt zu dieser atemberaubenden Inszenierung bei, sei es Constanze Becker als sarkastische Business-Frau, die wie jüngst die Unternehmen Apple und facebook ihren weiblichen Angestellten anbietet, ihre Kinder einzufrieren, oder Lisa Stiegler, die der Frau eine zentrale Stimme im Spiel gibt -was ich sehr lange Zeit bei Richters Inszenierungen vermisst habe- oder Marc Oliver Schulze, der auf der Suche nach sich und dem Anderen ist. „ZWEI UHR NACHTS“ ist eine herausragende Inszenierung und ich hoffe sie bleibt dem Schauspiel Frankfurt erhalten.

Schauspiel Frankfurt (Bockenheimer Depot)| Premiere 1.2.2015| Weitere Informationen und Aufführungstermine: https://www.schauspielfrankfurt.de/spielplan/premieren/2-am/#

Installation „Weightwatch“

Die Installation „Weightwatch“ fand am 26. und 27.7.2014 jeweils von 18 bis 20 Uhr im damenundherren e.V. in Düsseldorf statt. Das damenundherren ist ein öffentlicher Raum für Kunst, Kultur und Politik. Der öffentliche Raum ist besonders wichtig für die Installationsanordnung, weil „Weightwatch“ sich mit Aspekten des alltäglichen Lebens (Essen, Trinken et cetera) befasst und ein öffentlicher Raum eine authentische Darstellung des Alltäglichen ermöglicht, weil alle Räumlichkeiten des alltäglichen Lebens miteinbezogen werden können. Das damenundherren wurde in installationsrelevante Räumlichkeiten eingeteilt: Buffet, Bar, Fernsehzimmer, Wohnzimmer und Toiletten.

Das vegane Buffet setzte sich aus gesellschaftlich-deklariert „gesunden“ sowie „ungesunden“ Speisen zusammen. Gleichberechtigt wurden die Speisen nebeneinander gestellt, sodass die Besucher die Dichotomie in „gesund“ und „ungesund“ hinterfragen und bestenfalls feststellen, dass die Kategorien von „gesund“ und „ungesund“ gesellschaftlich konstruiert sind und es immer auf das Maß ankommt. Beispielsweise kann ein Hauch von Muskatnuss das Essen verfeinern, aber ab 4 Gramm treten beim Menschen schon Vergiftungserscheinungen auf. Über dem Buffet-Anfang hing an der Wand ein Ernährungsplan, der die Gäste darüber informierte, welche Speisen man zu welcher Tageszeit am besten essen sollten, um erfolgreich abzunehmen. Um das Buffet herum wurden fingierte und funktionierende Kameras installiert. Eine Webcam und eine Standkamera überwachten das Buffet. Dabei wurden die aufgenommenen Bilder im Fernsehzimmer mittels Beamer abgespielt. Die Wiedergabe der aufgenommenen Szenen sollte den Teilnehmern vor Augen führen, dass sie in einem überwachten Raum Nahrung zu sich nehmen, sowie hervorheben, dass sie gerade essen, was sie gerade essen, wie viel sie gerade essen und wie sie aussehen, wenn sie essen. Die Kameraüberwachung in „Weightwatch“ stellt den Focaultschen Aspekt der Überwachung dar, der dafür sorgen sollte, dass die Besucher anfangen sich zu disziplinieren, weil sie beobachtet werden und anfangen sich überwacht zu fühlen; auch, wenn sie nicht überwacht werden. Mit den Überwachungstechniken (Kameras, Tonaufnahmegerät und Webcam) wurde ein Panoptismus angestrebt. Die großen Schaufenster, durch die vorbeiziehende Passanten Besucher beim Essen beobachten konnten, sollten den Panoptismus-Effekt weiter untermalten. Zusätzlich zum Panoptismus wurde die Transparenzgesellschaft von Han über die Live-Übertragung der aufgenommenen Bilder aufgegriffen. Neben den Kameras am Buffet gab es eine Spiegelwand, in der die Besucher sich während der Essensnahme oder Nahrungsaufnahme spiegeln konnten. Die Spiegelwand verstärkte die Selbstbeobachtung während des Nahrungsakts. Die in „Weightwatch“ angestrebte Disziplinierung und Beobachtung sollte bei den Besuchern ein Moment der Selbstkontrolle auslösen, in dem die Besucher sich beim Essen permanent überwacht fühlen. Die Spiegelwand sowie der Ernährungsplan sollten die Selbstbeobachtung beziehungsweise den Zwang nach einem kontrollierten Essverhalten verstärken. Mit diesen Aspekten wurde versucht das zentrale Element von Deleuze Theorie die (Selbst-)Kontrolle in die Installation einzubauen. An der Bar konnte man sich mit Getränken eindecken. Dabei dienten die Barhocker als Sitzgelegenheiten und konnten in Verbindung mit der Theke für den Akt der Nahrungsaufnahme in Anspruch genommen werden. Im Wohnzimmer und im Fernsehzimmer gab es weitere Sitzgelegenheiten für den Akt der Nahrungsaufnahme. Unterdessen konnten sich die Besucher dort während des Essens die aufgenommen Bilder, die über den Beamer auf eine weiße Wand übertragen wurden, anschauen. Die Teilnehmer wurden an der Bar, im Wohnzimmer und im Fernsehzimmer während des Essens gefilmt. Die Wände des Wohnzimmers sowie die Wand des Fernsehzimmers dienten als Ausstellungswände, damit die Besucher im Laufe des Essens mit Bildern von fraglich-essgestörten Personen konfrontiert werden. Die ausgestellten Bilder waren Teil des „BMI-Project“ von Kate Harding (https://www.flickr.com/photos/77367764@N00/sets/72157602199008819/) . Die Autorin rief Menschen dazu auf, ihr Fotos samt den eigenen Maßen, der Body-Mass-Index-Kennzahl und der Einteilung dieser nach Unter-, Normal-, Übergewicht oder Fettleibigkeit einzusenden. Das entstandene Flickr-Album „Illustrated BMI Categories“ aus dem die ausgestellten Bilder stammen, sind Beispiele für die Willkür des BMI und beweisen wie wenig der BMI über den Gesundheitszustand eines Menschen aussagt.

Die ganze Installation wurde von einer musikunterlegten Tonspur begleitet. Die Tonspur setzte sich aus einer Auswahl von persönlichen Erfahrungsberichten von Essgestörten, Gedichten über Depressionen und verzerrte Körperbilder sowie Aussagen über eine disziplinierte und transparente Leistungsgesellschaft zusammen. Die Erfahrungsberichte stammen von der Spiegel TV Reportage „Wenn der Hunger zur Sucht wird – Das Leiden der Magersüchtigen“, der Autobiografie von Marya Hornbacher „Alice im Hungerland – Leben mit Bulimie und Magersucht“ und dem Roman von Margaret Atwood „The Edible Woman“. Die Gedichten von Sylvia Plath „Ariel“ und Margaret Atwood „Fying inside your own body“ behandeln hauptsächlich die Themen Depression und verzerrte Körperbilder, wobei beides Begleiterscheinungen von Essstörungen sind. Bei den Aussagen über die Disziplinargesellschaft und der transparenten Leistungsgesellschaft handelte es sich um eine Dokumentation über Foucaults Werk „Überwachen und Strafen“ sowie ein Interview mit den Philosophen Han. Unter den Tonaufnahmen wurde passende minimalistisch-elektronische Musik gelegt. Die Tonspur diente als musikalisches Stilmittel, das für eine leicht melancholische Atmosphäre sorgte, die die Besucher für die prekäre Grenzziehung von „normalen“ und „pathologischen“ Essverhalten sensibilisierte. Weiter sollte es das Reflektionsvermögen der Gäste steigern und dadurch die Aspekte Selbstkontrolle und Disziplinierung stützen.

Wonach suchst Du? Hat Deine Suche überhaupt mal ein Ende? – Nähe? Zu abstrakt! Hey! Geh nicht weg! Bleib, bitte! – Tut mir Leid, Sie sind unvermittelbar.

In Falk Richters neuen Projekt FOR THE DISCONNECTED CHILD geht es um den Wunsch nach Nähe, Zuneigung und diese zulassen zu können. – Begegnung, Verbindung, Auflösung. – Die Disziplinargesellschaft wird zur Leistungsgesellschaft und das nach Nähe suchende Subjekt verfällt einem Optimierungszwang. Selbstoptimierung. Beziehungsoptimierung. Der Mensch unterliegt einer Narzissifizierung seines Selbst. Der Andere verschwindet, weil das Selbst die Andersartigkeit des Anderen nicht mehr wahrnimmt. Das narzisstische Selbst beginnt in dieser kapitalistischen Leistungsgesellschaft sich selbst auszubeuten. Ist ja auch viel produktiver als Fremdausbeutung. Die ständige Selbstoptimierung verläuft köhärent mit einer Selbstausbeutung, wodurch das Gehorsamsubjekt nun zum leistungsorientierten „Homo oeconomicus“ wird.

Wir sind am Ende der Liebe angekommen. Menschen können nicht mehr Bindungen eingehen, haben Angst vor Nähe und gleichzeitig Furcht vor der Einsamkeit. Das Zeitalter der neuen Technologien ermöglicht diverse Verbindungen mit einer unglaublichen Distanz, das heißt Beziehungen werden nicht mehr nah erfahren. Die Nähe als solche verschwindet. Die Bindungsfähigkeit des Menschen ist gestört, DISCONNECTED. Genau wie in der Psychologie: Disconnected Kinds. Autistische oder an ADHS erkrankte Kinder suche die Nähe zu ihrer Mutter. Voller Verlangen versuchen sie Vertrauen zu anderen Menschen aufzubauen mit der latenten Gewissheit, dass man Menschen nicht trauen kann. Vertrauen wird zur Herausforderung. Bindungsfähigkeit zu einem unerfüllbaren Wunsch. – MAMA! MAMA? HÖRST DU MICH? – Genau wie diese Kinder, sind die Menschen in Falk Richters Projekt FOR THE DISCONNECTED CHILD. Rastlos suchende Menschen nach Bindungen in einer Welt voller Möglichkeiten. Unfähig sich einzulassen, wie Peter Tschaikowskis Eugen Onegin. Ein freiheitsliebender Dandy, der Tatjanas gestandene Liebe dankend zurückweist. Eugen möchte seine Freiheit nicht für eine „wahrscheinlich lebenslange“ Bindung opfern. Falk Richter bettet diese Opernhandlung in sein Stück ein und lässt seine Figuren auf „Eugen Onegin“ blicken. Die Darsteller*innen (Franz Hartwig, Ursina Lardi, Stefan Stern, Tilman Strauß, Luise Wolfram) halten wie Eugen an ihrer selbst geschaffenen Freiheit fest. – Wenn eine selbstgeschaffene Freiheit zum Zwang wird, ist mensch dann noch frei? Oder unterliegt das von sich selbst entworfene Projekt „freier Mensch“ neoliberalen Zwangsstrukturen? – Liebe und der neoliberale Markt fusionieren miteinander. Der Arbeitsmarkt wird emotionalisiert und die zwischenmenschliche Beziehungen werden optimiert. Den optimalen Partner lernen wir heutzutage auf Dating- und Partnersuchwebseits kennen. Die Sprache verliert an Bedeutung, weil das Jargon des neoliberalen Marktes mit dem der Liebe zusammenfällt. Die Sprache tritt in den Hintergrund und der Klang wird zum zentralen Stilelement des Stücks FOR THE DISCONNECTED CHILD.

Sieben Komponisten (Malte Beckenbach, Achim Bornhoeft, Oliver Frick, Helgi Hrafn Jónsson, Jan Kopp, Jörg Mainker, Oliver Prechtl) vertonen Texte von Falk Richter oder ‚kreieren eigene Kompositionen‘. Vier Sänger (Helgi Hrafn Jónsson, Borjana Mateewa, Gyula Orendt, Maraike Schröter) mit ergreifenden Stimmen schaffen es die Zuschauer*innen in ihrem Bann zu ziehen, sei es Melancholie oder sprühender Zynismus. So sorgt die Sopranistin Maraike Schröter für unglaublich viel Witz als sie die 12. Komposition >>Hör auf zu weinen<< singt. Die 12. Szene erinnert an eine Textszene von Falk Richters Inszenierung „Rausch“: „Bist du gut angekommen?“. Menschen, die Falk Richters Stücke kennen, werden feststellen, dass FOR THE DISCONNECTED CHILD ein Remix aus neuen und alten Schriften des Autors Richters ist. Besonderes viel Lob für seine atemberaubende Gesangsleistung bekommt Helgi Hrafn Jónsson, der nicht nur eine begnadete Stimme hat, die zu Tränen rührt, sondern auch instrumental den Saal mit den passenden Klängen füllt.

 

FOR THE DISCONNECTED CHILD von Falk Richter ist eine einzigartige Aufführung, wo Text, Klang, Gesang und Tanz (Steven Michel, Franz Rogowski, Jorijn Vriesendorp) auf höchsten künstlerischen Niveau aufeinandertreffen. Die Zuschauer*innen bekommen einen facettenreichen Einblick (unterstützt durch das Bühnenbild von Katrin Hoffmann) in die Menschen unserer kapitalistischen Leistungsgesellschaft, die versuchen nahbare Liebe zu erfahren und das „Andere-Selbst“ als Erlösung für die selbstgeschaffene „Erfolgsdepression“ zu erkennen.

Sonntag, 5. April
For the Disconnected Child
Text, Regie und Choreographie: Falk Richter

Premiere am 14.06.2013 an der Schaubühne am Lehniner Platz

(Rezension vom 5.Juli 2013)