Rauchend lauscht das blauliebende Mädchen (Benny Claessens) mit kreideweißen Gesicht und stark topierten Haaren der Stimme der blauen Wüste, den fundamentalistischen Worten des Johannes. Johannes der Täufer ist Gefangener des Herrschers Herodes (Lea Draeger) und seine düsteren Prophezeiungen vor der Burg >>LOST<<, imponieren dem hübschen Mädchen Salome, das gerade von dem Burgfest des Tetrarchen geflohen ist, um den gierigen Blicken ihres Vaters Herodes zu entkommen. Sie ist angewidert von seinen Maulwurfsaugen und möchte am liebsten nach Tel Aviv reisen.

Nun steht sie aber rauchend vor der Burg, inmitten der blauen Wüste von Palästina, kurz vor Erfindung des Christentums und gleichzeitig mitten in der Gegenwart und hört die radikalen Worte des Johannes. Seine flüsternden Worte über den Untergang und seine Stimme –personifiziert in einem Fünfer-Chor (Mehmet Ateşçi, Karim Daoud, Jonas Grunder-Culemann, Anna Mattes, Aram Tafreshian)–, gefallen Salome so sehr, dass sie sich in ihnen verliebt und diese in sie übergehen. Kalt und selbstzerstörerisch sagt Salome in Ersan Mondtags Inszenierung, „Ich werden für euch Tanzen, Tetrarch.“ Und bringt damit die Prophezeiung von Johannes in Bewegung.

Gewaltige und ausdrucksstarke Bilder sind ein Markenzeichen von dem Künstler Ersan Mondtag und ein mitreißender Bestandteil seiner neuen Gorki-Inszenierung >>SALOME<< (UA 2. Dezember 2018), nach Oscar Wilde in der Neufassung von Thomaspeter Goergen. Mondtags Bühne ist eine in Wellen getauchte Burg, namens >>LOST<<, die umgeben ist von Steinen und Nebel, sowie von dem Chor der Wahrsagern in dunklen Samt-Umhängen. Das Innenleben von Herodes Burg ähnelt einer Säulenhalle, in welcher Mitte eine überdimensional-liebreizende Nacktskulptur von Salome steht. Über diese Skulptur wird Herodes Besessenheit zu Salome besonders deutlich. Die königlich gekleideten Charakteren haben in diesem Stück Punkfrisuren (Kostüm, Josa Marx) und wirken dadurch außergewöhnlich modern.

Das bildhafte Setting in Mondtags Inszenierung zieht das Publikum in das selbstzerstörerische Schicksal der Salome. Wo Bilderfluten drohen Text und Schauspiel unverständlich werden zu lassen, tritt Schauspielerin Orit Nahmias als jüdische Hofnärrin auf und ergreift das Wort. Nahmias resümiert mit viel Humor und Zynismus das Gesehene auf der Bühne und katapultiert das Geschehen in Form von Unterbrechungen in die Gegenwart. Hierbei kritisiert sie unter anderem unsere neoliberale Gesellschaft, die neben Ausbeutung, Krieg und Dekadenz, nicht mehr viel kennt. Sie erklärt auch, „Benny verkörpert die Prinzessin, weil wir mit Genderfragen spielen“

In Mondtags Inszenierung >>SALOME<< können sich die Schauspieler*innen mit viel Gespür fürs Zusammenspiel verausgaben –was etwas das temperamentvolle Auftreten von Schauspieler Benny Claessen bremst– und schaffen dadurch ein unterhaltsames und erlebnisreiches Schauspiel. Auch wenn das Ende der Inszenierung –lieber hätte ich es nur mit dem Suizid von Salome gesehen– als Endlösung zur Rettung unseres Planeten den Suizid vorschlägt.

Horrorschauplatz: die Kinderstube der Familie Kolomizew. In der spartanisch eingerichteten Stube leben fünf pyjamatragende Kinder (Till Wonka, Mareike Beykirch, Lea Draeger, Aram Tafreshian, Vidina Popov) mit (blau) gefärbten Haaren, Schminke im Gesicht und (linkspolitischen) Symbolen auf ihren Pyjamas. Ihr Stil  erinnert an Punks. Sie alle unterliegen dem patriachalen System des Vaters und jeder muss sich dem Willen des Vaters beugen, sei es Inzest, Zwangsehe oder als Spielball seiner Aggressionen. Der Vater, Iwan Kolomizew (Dimitrij Schaad) ist ein zarischer Polizeichef, der wegen seiner Brutalität gegenüber Gefangenen vom Dienst suspendiert wurde und nun mit seinen Kindern und seiner Frau bei seinem kranken und vermögenden Bruder Jakow wohnt. Seine Frau Sofia tritt nur über die kostümierten Kinder in Erscheinung, verfügt über keine eigenständige Person und untersteht ihrem Mann. Sie passt sich, wie ihre Kinder dem autoritären Regime an. Die 20-jährige Ljubow (auf deutsch, Hoffnung) (Lea Draeger), deren wahrer Vater Jakow ist, durchschaut als einzige die patriarchalen Strukturen und versucht sich trotz ihrer Behinderung dem Vater zu widersetzen. Aber auch ihre jüngeren Geschwister, Pjotr (Aram Tafreshian) und Wera (Vidina Popov) versuchen sich prärevolutionär zu verhalten, doch leider scheitern sie und verfallen, wie die anderen aus der Familie, dem gesellschaftlichen Klima der Korruption und der Autorität.

Dömötörs Spielfassung >>Die Letzten<<, die er am 15. Juni 2018 am Berliner Maxim Gorki Theater zur Aufführung bringt, orientiert sich sehr stark am Drama von Maxim Gorki, unterscheidet sich aber in der Kritik an den autoritären Strukturen insoweit, dass er neben dem autoritären Staat auch die patriarchale Familienstruktur kritisiert. In der Inszenierung >>Die Letzten<< trifft die autoritäre staatliche Gewalt auf das vermeidlich behütete Zuhause der Familie Kolomizew, in dem noch Märchen, Plüschtiere und weitere Spielsachen existieren. Die pädagogischen Werkzeuge dienen eigentlich der geistigen Entwicklung und Emanzipation, hier verwendet der Regisseur Dömötörs die Werkzeuge, um autoritäre Strukturen zu festigen, Unterdrückung und Unterwerfung sichtbar zu machen.

Die häufigen Rollenwechsel der Schauspieler*innen vom ausgehenden Spielcharakter zur Mutter oder Kinderfrau, sind nicht nur eine gelungene Leistung des Ensembles, sondern untermalen auch die patriarchalen Strukturen des familiären Systems. Gewalttätige Szenen verpackt der Regisseur Dömötör meistens in Plüsch. Dömötör stellt mit seinem Ensemble die Strukturen von Familie und Staat generell in Frage und formuliert mit seiner Spielfassung einen Appell an die Anarchie. Sein Team trifft damit genau den heutigen Zeitgeist.

>>Die Letzten<<, Maxim Gorki Theater Berlin, Weitere Vorstellungen: https://gorki.de/de/die-letzten-0 , Karten unter: ticket@gorki.de und 030 20221-115

>>ICH BIN WIE GELD

Das ist auch was Schönes, denn Geld ist überall und kennt keine Grenzen,

keine Moral und keine Angst<<

SYSTEMZUSAMMENBRUCH. Wir leben in einem Zeitalter des Zerfalls. Nichts hat mehr Bedeutung, nichts hat mehr Wert oder bildet eine Einheit. KRISE. Finanzkrise. Identitätsproblem. Beziehungskrise.

>>Und wenn ich gehen würde, würde es nichts ändern

Und wenn ich bleiben würde, würde es nichts ändern

Und wenn du mich anschauen würdest, würde es nichts ändern

Und wenn ich dich berühren würde, würde es nichts ändern

Und wenn ich dich wirklich, wirklich wollen würde, würde es nichts ändern

Vergiss alles, was ich gesagt habe

Lass uns einfach alles so lassen, wie es ist

Es ist zu kompliziert, das jetzt zu ändern

Das hat nur mit mir zu tun

Das hat nichts mir dir zu tun

Du lebst dein Leben, ich leb mein Leben

Du bist da, ich bin hier<<

Die Inszenierung TRUST von Falk Richter und Anouk van Dijk hatte ihre Uraufführung am 10. Oktober 2009 an der Schaubühne in Berlin und nach fast sieben Jahren, hat sie nicht an Aktualität und Qualität verloren. Nein, es ist noch immer unbeschreiblich schön und zeigt, wie sehr eine Aufführung von Ensemble (Peter Cseri, Lea Draeger, Jack Gallagher, Cathlen Gawlich, Franz Hartwig, Angie Lau, Vincent Redetzki, Kay Bartholomäus Schulze, Nina Wollny) lebt und am Leben erhalten wird. Alle Beteiligten am diesen Abend -hier muss ich doch mein Bedauern ausdrücken, dass Judith Rosmair nicht mehr mitspielt- haben Großes auf der Bühne geleistet und gemeinsam mit Falk Richter und Anouk van Dijk ein überwältigendes Schauspiel geschaffen, das mit der Musik von Malte Beckenbach -und immer die Frage: Wo ist der Soundtrack der Aufführung erhältlich?- zutiefst bewegt. Der Text trifft den Nerv der Zeit und gemeinsam mit der Choreografie fesselt TRUST das Publikum. Die Ästhetik des Stücks ist genial und glänzt mit den Talenten, die jede Szene unvergesslich werden lassen.

TRUST ist das zweite Projekt, welches Anouk van Dijk und Falk Richter entworfen haben, in dem sie mit der Ästhetik von Tanz, Text und Musik, Stimmungen, Erkenntnisse der politischen Gegenwart und Gefühle erzeugen. Dabei sind die Momente, in denen sich Schauspieler und Tänzer gemeinsam zu wohlklingenden Tönen bewegen, die Augenblicke, in denen alles eigentlich ganz Still wird und die reine Ästhetik zu Tränen rührt.

Derzeit arbeiten Richter und van Dijk an ihrer neuen Inszenierung SAFE PLACES am Schauspiel Frankfurt. Wir dürfen gespannt sein; das Stück feiert am 8.10.2016 seine Uraufführung uns setzt sich mit der europäischen (Krisen-)Gesellschaft auseinander (https://www.schauspielfrankfurt.de/spielplan/premieren/safe-places/).

TRUST von Falk Richter und Anouk van Dijk| Schaubühne Berlin| 30.6.2017| 20 Uhr| Karten erhältlich unter: ticket@schaubuehne.de. Weitere Spieltermine folgen in der kommenden Spielzeit.