Jelineks Wunsch, das Drama „Faustin and Out“ nur in Verbindung mit Goethes Faust aufzuführen, kommt Schaufuß und die Dramaturgin Annika Henrich*) in ihrer Spielfassung nach – und mischt noch einiges mehr hinzu. Der Mann, der nicht Gott ist, aber so gerne Gott spielen möchte, steht hier als Schöpfer und Zerstörer auf der Bühne. Daneben die Frau, eine nörgelnde und stinkende Nymphomanin, die immer gleich zum Arzt rennt. „Die Fotze will nur durchgefickt werden, ansonsten geht sie fremd“, heißt es, wenn in einer Art szenischer Lesung der Text des längst vergessenen, YouTube-Phänomens „Assi-Toni“ in seiner ganzen, quälenden Länge vorgetragen wird. Schaufuß‘ Montagearbeit erreicht in dieser Beschimpfung ihren Höhepunkt. Die Frau, eine minderwertige, lustgeile Fotze. Kein Individuum mit Subjektcharakter. Nur ein fickbares Stück Fleisch, welches den Mann seiner Männlichkeit beraubt.

Der Versuch, die toxische Männlichkeit unserer Gesellschaft zu punktieren, funktioniert nicht, indem die Frau in der Manier einer Schmähung unkommentiert diffamiert wird. Der in den Worten liegende Hass, die angestaute Wut und Aggression, mildern sich kaum durch stimmige Ästhetik und teilweise humorvollen Zynismus. Jelineks „Faustin and Out“ ist ein Drama gegen die konsumistische Gewalt an der Frau, nicht dafür. Auch der homosexuelle Mann unterliegt der Toxizität. Der Begriff „schwul“ wird hier mit abwertendem Charakter aufgegriffen und für billige Lacher ausgenutzt. Homophobie wird drastisch reproduziert. Der Regisseur Schaufuß gebraucht den Begriff „schwul“ als Diffamation auf der Bühne, somit erkennt er diese an. Tatsächlich rassistisch erscheint eine Szene, in der ein Schauspieler sich das Rindebecken vom Schlagzeug auf den Kopf setzt und ein vermeintliches Klischee der chinesischen Bevölkerung nachahmt.

In Anbetracht des wachsenden europäischen Rechtspopulismus, in dem die homosexuelle Minderheit vermehrt (staatlicher) Gewalt ausgesetzt ist, ist dies nicht ohne weiteres tragbar. Auch ein junger Künstler sollte sich mit gegenwärtigen politischen Verhältnissen auseinandersetzten, eine Sensibilität entwickeln, sich seiner politischen Verantwortlichkeit bewusst sein und dementsprechend agieren.

Das maskuline Gift in der Inszenierung „Faust. Montagearbeit am deutschen Klassiker“ ist auf Provokation und Aggression aus, erreicht dies aber nur durch politische Intoleranz und Desavouierung von Opfern und nicht durch einen kritisch-reflektieren Umgang mit dem Patriarchat. Latente Kritik, die sich in übertriebener Gestik oder Mimik äußert, ist angesichts der permanent reproduzierten Sprache der Gewalt nicht ausreichend. Sie ist zu subtil, wirkt nicht und ist missverständlich. Ein kritischer Umgang mit toxischer Männlichkeit gehört ausgesprochen, vor allem im Sprechtheater.

Regisseur Schaufuß hat sich mit dieser Arbeit selber vergiftet, indem er die Macht der Sprache unterschätzt, sie mit der Gewalt der Bilder kreuzt und dadurch noch verdoppelt. Die Vergewaltigung einer Babypuppe auf der Bühne, welche im Anschluss ein Kind gebärt, ist als zusätzliche Eskalation pietätslos und keine geeignete Anspielung. Es entsteht eine Szene ohne wirklichen Bezug. Die Hölle, die Schaufuß auf der Bühne entfacht, ist keine imaginäre und kritische Welt. Kein reflektierter Blick auf Maskulinität, sondern bloße Bespiegelung einer rassistisch-patriarchalen Gesellschaft.

*) Appendix: Die Rezension ist ein Beitrag für den OUTNOW-BLOG 2019. Nachdem die Redaktion –vor Veröffentlichung meiner Kritik– dem Produktionsteam der Inszenierung „Faust. Montagearbeit am deutschen Klassiker.“ (BA-Inszenierung 2018) meine Rezension geschickt hatte –ohne Absprache und weswegen, bleibt unklar– , ist die junge Dramaturgin Annika Henrich auf mich zu gekommen, beschwerte sich über meine Kritik und den vorgeworfenen Rassismus. Sie erklärte mir Details aus dem Probenprozess, in dem sie auch Zweifel über die sexistischen Textpassagen gehabt hatte, welche die männliche Besatzung ihr aber durch eine weitere Erläuterung genommen hatten. Anschließend sei sie mit den Passagen einverstanden gewesen. Fügte aber zugleich hinzu, dass die Schauspieler, nach den Proben immer „weinend unter der Dusche“ standen, weil sie den sexistischen Text nicht sprechen wollten. „Rassistisch (Sexistisch) sei die Inszenierung aber nicht“, vergewisserte mir die junge Dame, die diffamierte Frau müsse, eigentlich Mitleid mit den toxischen Männern haben.

Sorry, ich habe keine Zeit mit Dir zu sprechen, Dir zu zuhören oder mich um Dich zu kümmern. Das wollte ich Dir nur sagen. Du … ICH BIN MOMENTAN ECHT SUPER MEGA KRASS BUSY … Das wollte ich Dir JETZT nur sagen. Deswegen schreibe ich Dir und rufe Dich an. Ich dachte Du solltest wissen, dass ich SUPER MEGA KRASS BUSY bin. … Und müde. Natürlich. Komme kaum noch zum Schlaf.

In Falk Richters und Nir de Volffs Inszenierung NEVER FOREVER, welche im September 2014 an der Schaubühne Berlin Uraufführung feierte, befinden sich die Charaktere mitten in unserer digitalen Leistungsgesellschaft. Isoliert und arbeitend, leben wir mehr oder minder vor uns hin und suchen nach Leben. Nach wahren Begegnungen, die uns spüren lassen, dass wir existieren. Gemeinsam zusammenlebend. Beziehung. NEIN! DAS IST MIR ZU NAH. – Die Angst vor Nähe und vor der Symbiose, in der das eigene Ich mit dem Anderen zu verschmelzen droht, lässt das Ich ins Digitale verschwinden. Das Netz schafft Nähe. Schafft (erträgliche) Verbindungen, die ich jederzeit kappen kann. Jeder ist für sich. Getrennt und doch verbunden. Wir leben in einem Neoliberalismus, der Kapitalakkumulation über Isolation betreibt. Der Autor und Regisseur Richter schafft mit NEVER FOREVER ein Äquivalent zu unserer Gesellschaft. Ein Ebenbild, welches sich in abgetrennten Zimmern und Zellenblöcken abspielt. Beziehungen gehen auf und ab, sodass mensch es gar nicht mehr aushalten kann.

Regine Zimmermann. Foto: Arno Declair

Und lieber allein bleiben möchte; wäre da nicht der Wunsch nach Nähe. Gefangen in einer melancholischen Stimmung sind die Schauspieler und Tänzer auf der Suche nach sich selbst, haben Angst sich durch den Anderen, beziehungsweise durch die Anderen zu verlieren. Dafür setzt die Inszenierung auf Monologe oder Solos. Die Verbindung zum Anderen erfolgt meist über ein Kommunikationsmedium oder durch Spiegelung. Das narzisstische Ich versucht über die Spiegelung mit dem Anderen in Kontakt zu treten, eine Beziehung aufzubauen und sich Selbst zu finden. Aber statt Selbstfindung, bleibt nur die unerträgliche Nähe und der Selbstverlust. Denn, wer ist der Mensch unter all den Möglichkeiten und Rollen?

»Ich bin Deine Tochter.

Also das kann nicht sein. Die Mutterrolle habe ich immer abgelehnt, die wollte ich nicht spielen.«

Ensemble. Foto: Arno Declair

Verstörend, prallen die Protagonisten gegen Wände oder hauen mit dem Hammer auf dem Tisch. Verletzen sich, um sich zu spüren. Die Szenen erscheinen, wie  das Innenleben eines von Borderline-Erkrankten Individuums. Richter hat mit dem Choreografen Nir de Volff eine veränderte ästhetische Richtung eingeschlagen, die mehr Brutalität und Gewalt zulässt, um hervorzuheben, dass unsere Gesellschaft in Körper und Seele Spuren hinterlässt. Nir de Volff zeigt mit seinen Tänzern von Total Brutal das Gegenwarts-Indivduum : erschöpft, isoliert, einsam, verletzt. SYSTEMFEHLER. Der Mensch durchlebt im Zeitalter der Digitalität eine Wandlung. Es wird zum narzisstischen Leistungssubjekt, das keiner Beziehung stand hält und sich immer wieder als Projekt-Ich neu entwerfen muss. Genau wie Goethes Gretchen prophezeit die Schauspielerin Ilse Ritter den Untergang der Menschen:

»Meine Ruh ist hin. Mein Herz ist schwer. Ich finde sie nimmer und nimmermehr. Wo ich ihn nicht hab, Ist mir das Grab. Die ganze Welt Ist mir vergällt. Mein armer Kopf Ist mir verrückt. Meiner armer Sinn Ist mir zerstückt.«

NEVER FOREVER ist ein hartes Stück Realität, in der der Mensch an der digitalen Leistungsgesellschaft körperlich und seelisch zugrunde geht. Düster und brutal angehaucht, versucht das Ensemble die Zuschauer ästhetisch wachzurütteln und zu erklären, in welche Richtung sich unsere Gesellschaft bewegt. Narzissmus, Isolation und ein ständiges Leistungsstreben, das für individuellen Zerfall und für Kapitalakkumulation sorgt. Nichts bleibt. Nichts hält. Alles entwirft sich immer wieder neu; bis alles verschwunden ist.

NEVER FOREVER| weitere Spieltermine an der Schaubühne Berlin: http://www.schaubuehne.de/de/produktionen/never-forever.html/m=318 | Karten unter: ticket@schaubuehne.de oder 030/89 00 23.