»Ich will kein Stückchen Mitleid auf der Bühne sehen.«

Ein paar Klicks hier, ein paar Likes dort und noch schnell ein Selfie von mir, wie ich meine E-Mail-Adresse unter eine online-Petition setze. Wir leben nicht nur politisch gesehen in einer ermüdeten Zeit, sondern generell hat uns der Neoliberalismus mit dem Zeitalter der Digitalität zu einem passiven Wesen gemacht. Neben Instant-Suppe kommt nun das Instant-Helfen, welches in wenigen Minuten das Gefühl des politischen Engagements befriedigt. Eine wirkungsvolle Revolution bleibt hierbei leider aus, beziehungsweise gebührt den Individuen, die dem Volk Veränderungen über passive Haltungen versprechen. Lohnt es sich überhaupt gegen ein herrschendes Unrecht zu kämpfen? Oder sind wir schon soweit resigniert, dass der Mensch, der »lügt, mordet, stiehlt« zur Verwirklichung solcher Ideale nicht mehr fähig ist?

Dantons Tod: Vincent Redetzki, Paul Maximilian Schulze, Daniel Mühe, Monika Freinberger, Jonas Dassler. Foto: Gianmarco Bresadola.

Geschickt versucht der Regisseur Kleinert mit seinem Ensemble Gegenwart und Geschichte miteinander zu verknüpfen. Dabei nimmt die Musik ein zentrales Element ein. Danton und seine Anhänger treten als Punkband auf, ihre Ehefrauen sind Fashion Victims, Robiespierre (Esra Schreier) und seine Verbündete sind vom Diskurs geprägt und der Erzähler ist ein DJ. Alle versuchen auf ihre Art und Weise mit der Krise der französischen Revolution umzugehen. Die Menschenrechte wurden verkündet, die Monarchie gestürzt, und nun? Wie erlangt das Volk seine gewünschte Republik und entkommt dem Elend? Sind Gleichheit, Freiheit und Brüderlichkeit überhaupt noch möglich? Oder muss etwas geopfert werden?

DANTONS TOD ist in der Fassung von Kleinert und Ensemble unterhaltsam, humorvoll und musikalisch ansprechend, liefert direkte Bezüge zur Gegenwart und versucht das Revolutionäre im Menschen zu wecken.  Danton ist also genau wie Punk, noch lange nicht tot!

DANTONS TOD| Schaubühne Berlin| 18.1.-23.1.2017 und 14.2.-19.2.2017| jeweils um 19.30h| Karten unter: ticket@schaubuehne.de oder 030/89 00 23.

Um zu erfahren, wie das patriarchale System sich in der Schauspielerei ausdrückt, hat sich das FreiGeist-Magzine mich mit der Schauspielerin Anna Gesewesky getroffen, die bis 2012 ein Schauspielstudium an der Ernst Busch genoss und nun bei den Burgfestspielen Bad Vilbel 2015 die Hauptrolle in der Inszenierung „Die Päpstin“ spielt.

In einem Café haben wir über Schauspielkunst und die Rolle der Frau in der männerdominierten Theaterlandschaft gesprochen.

FG: Was interessiert Dich an der Schauspielerei?

Mein Interesse an der Schauspielerei kommt aus der Lust an Stimme, Bewegung und Inhalt. Damit meine ich Geschichten, die ich gern erzählen möchte oder Texte, bei denen ich finde, dass sie an die Öffentlichkeit gehören. Gemeinsam in einer Gruppe zusammen kommen, um etwas zu erzählen – das hat mich immer am Schauspiel im Theater gereizt.

Wir müssen kein Publikum bedienen, wir sind hier für uns. – Anna Gesewsky

FG: Welche Inszenierungen haben Dich am meisten geprägt?

Sehr geprägt hat mich die BAT Inszenierung von William Shakespeares „Troilus und Cressida“, in der ich eine Doppelrolle spielen durfte. Ich verkörperte den griechischen Krieger Ajax und die schöne Helena. Manchmal sogar in einer Szene. Von einer Sekunde zur nächsten musste ich vom kämpferischen Krieger in die schöne Helena wechseln, die das Publikum in eine dreckige Szenerie verführt hat. Das schnelle Umspringen von einer Rolle zur anderen habe ich sehr geliebt. Weiter hat mich die Zusammenarbeit mit Renè Pollesch für die Inszenierung „I’m stalking myself to death“ geprägt. Wir haben uns viel über den Inhalt verständigt und diskutiert, was wir über unsere Gesellschaft und unsere Zeit denken. Während dieser Zusammenarbeit habe ich zwei bedeutende Theaterelemente schätzen gelernt: Wir treffen uns hier für uns und wir müssen kein Publikum bedienen.

FG: Wie erlebst Du die männerdominierte Theaterlandschaft?

Im Theater gibt es weniger Frauenrollen als Männerrollen; was mich ärgert. Neu geschriebene Stücke ändern dies nicht unbedingt; auch wenn es tendenziell besser wird. Einige Regisseure reflektieren auch nicht wirklich über Frauenrollen und finden durch inhaltliche Diskussionen kaum Zugang. Warum muss Helene aus Gerhart Hauptmanns „Vor Sonnenaufgang“ weggehen und weinen, wenn es zu einem Konflikt kommt? Wieso kann sie sich nicht dieser Situation stellen? Das ist doch viel spannender.

FG: Werden Stereotype von weiblichen und männlichen Geschlecht auf der Bühne beibehalten?

Ich habe den Eindruck, dass in vielen Theaterstücken eine Vorstellung davon dominiert, wie Frauen und Männer zu sein haben und ich spiele nicht gern Klischees von Frau- und Mann-Sein, das ist mir einfach zu platt. Es sei denn, es ist eine kluge und kontroverse Tragikomödie. Aber generell will ich keinen Menschen auf sein Geschlecht reduzieren.

FG: Also sind Frauen in der Schauspielerei benachteiligt?

Ja, auf jeden Fall. Die typischen Machtmechanismen, die Frauen auf der Bühne klein machen, sind weitgehend präsent. Männer haben in der Regel viel mehr Text und deshalb auch eine größere Bandbreite an Spielmöglichkeiten. Es geht nicht, dass bei vielen Produktionen der Textanteil der weiblichen Figuren oft gering ist. Und wenn ich die Rolle füllen möchte, muss ich mir irgendetwas ausdenken. Auch wenn es viele spannende stumme Rollen gibt, sind viele Männer ganz klar im Textvorteil. Warum kann ich nicht den Robespierre oder Danton in Georg Büchners „Dantons Tod“ spielen? Einmal meinte auch ein Regisseur zu mir: „Du bist eh spannend; es reicht, wenn Du auf der Bühne anwesend bist.“ Hallo? Ich bin Schauspielerin. Schauspiel kommt von Acting, das heißt mehr als stumme Projektionsfläche zu sein.

Frauen kriegen in der Regel weniger Gage

Natürlich gibt es auch in diesem Beruf eine Differenz im Lohn. Frauen kriegen in der Regel einfach weniger Gage. Also weniger Geld, weniger Text und weniger Rollen. Manchmal weniger spannende Rollen und weniger feste Stellen. Ich sehe mich aber nicht immer als sozialisierte Frau, sondern als das, was ich bin.

FG: Momentan spielst Du bei den Burgfestspielen Bad Vilbel in Adelheid Müthers Inszenierung „Die Päpstin“ die Hauptrolle der Päpstin Johanna, die aufgrund ihres Wissensdrangs ihr Geschlecht leugnen muss. Verbindet Dich etwas mit Johanna?

Was mich auf jeden Fall mit Johanna verbindet, ist ihre Kämpfernatur. Ich bin auch eine Kämpferin. Außerdem schätze ich an Johanna, dass sie immer ihren Weg geht.

Im Schlosstheater Moers – ein netter Plausch mit Catherine Umbdenstock

FreiGeist-Magzine: Hallo Catherine, Du bist momentan Gastregisseurin am Schlosstheater Moers und inszenierst hier das Stück „Im Ausnahmezustand“ von Falk Richter. Worum geht es in diesem Stück?

Catherine Umdenstock: Deine Frage finde ich ganz schön, weil es „im Ausnahmezustand“ ein Replik gibt: „Worum geht es in dem Stück?“, das fragt der Mann seine Frau, die in einer Laientheaterspielgruppe spielt. Und die Frau antwortet: „es geht um eine Frau, die die Wahrheit sagt und die immer Recht hat.“ Für mich ist es eine Frage der Perspektive, wenn ich für den Mann antworten würde, würde ich anders als für die Frau oder für den Jungen antworten. Durch diese Figurenkonstellation lässt sich schon erkennen, dass es sich um eine Familie handelt.

Es ist eine Familie, die in einer „Gated Community“ wohnt und die nach permanenter Sicherheit sucht und sich diese bis zum äußersten wünscht. Die äußerlich gegebene Sicherheit lässt aber dafür die innere Sicherheit der Familie bröckeln, sodass die Beziehungen zwischen den Mann und seiner Frau, sowie zwischen den Eltern und ihrem Sohn immer wieder infrage gestellt werden, beziehungsweise sich immer wieder erneut beweisen müssen.

Welchen Preis sind wir bereit für unsere Sicherheit zu zahlen?

Schlichtweg gesagt, handelt das Stück von Familie und Liebe. Der Autor Falk Richter thematisiert immer wieder in seinen Werken Beziehungsproblematiken, in denen Mensch, moderne Welt und Beziehung in Konflikt stehen. Auch Zugehörigkeit und die Frage „wie soll mein Partner sein?“ sind große Anliegen des Autors. „Im Ausnahmezustand“ liegt der Fokus auf der Familie und ihr Sicherheitsstreben.

FG: Und was interessiert Dich besonders an diesem zeitgenössischen Drama?

Catherine: „Im Ausnahmezustand“ hat einen sehr psychologischen Charakter, bietet einen außergewöhnlichen Raum für Sci-Fiction, wie die „Gated Community“ und öffnet damit eine weitere Ebene. Man befindet sich somit nicht nur, wie bei Tschechow in einer sehr psychologischen Beziehung mit dem Menschen, sondern es stellen sich auch Fragen, was ist dieses Draußen? Was bedeuten die Überwachungskameras? Was beschreibt die Firma? Diese Fragen stellen eine Herausforderung dar, weil man gucken muss, wie man mit den Sci-Fiction Elementen umgeht.

FG: Mir ist bei den Proben aufgefallen, dass Du viel mit diesen Ebenen spielst?

Catherine: Ganz genau. Nur Psychologie, kann ich glaube ich nicht (lacht); weil ich ein Theatermensch bin und ich gerne viele verschiedene Elemente und Momente in meinen Inszenierungen mit einbringe. Ich breche auch gerne die Wand zwischen den Zuschauern und den Schauspielern auf. Das versuche ich auch gerade mit den Schauspielern „Im Ausnahmezustand“. Das Stück hat drei starke Figuren, die sich in einer Not befinden, auch in einer psychologischen und ich versuche immer wieder Momente zu finden, in denen das Publikum in die Probleme oder ins Familiendrama miteinbezogen werden kann, sodass die Zuschauer keine passive Zuschauer sind.

Umdenstock fängt mit psychologischen Methoden einen umfassenden Charakter ein

FG: Ich finde, dass Du dabei eine sehr psychologische Herangehensweise pflegst und dadurch versuchst einen umfassenden Blick vom Charakter der Figur zu bekommen, dafür arbeitest Du auch sehr viel mit den Improvisationen der Schauspieler*innen. Diese Spielweise erinnert mich an Falk Richter. Versuchst Du seine Spielweise in die Inszenierung miteinfließen zu lassen, um einen hohen Grad an Authentizität zu erzielen? Oder aus welchen Einflüssen setzt sich Deine Spielweise zusammen, beziehungsweise wie würdest Du Deine Vorgehensweise beschreiben?

Catherine: Ich glaube, dass ich noch nicht den Punkt erlangt habe, wo ich sagen kann, dass ich eine bestimmte Spielweise habe, dafür muss ich mich noch mehr ausprobieren. Was ich aber sehr wichtig finde ist, dass jeder Text eine andere Spielvorlage bietet. Beispielsweise verlangt Molière eine andere Spielweise als Richter. Aber ich würde auch nicht sagen, dass ich total autorengetreu inszeniere. Es ist wichtig den Text zu verstehen, also das Kernthema, worum handelt es? Und dann stellt sich schon unmittelbar, die Frage, nach dem WIE, die für die praktische Umsetzung verantwortlich ist.

Deshalb glaube ich, dass jeder Text seine eigene Spielweise hat. Und für Falk Richter spielen das Psychologische und das Authentische tatsächlich eine wichtige Rolle. Was mich aber von ihm unterscheidet, ist, dass er die Figuren nicht wirklich baut, sondern es eher Textflächen sind. Beispielsweise heißen die Figuren meist, wie die Schauspieler und bei seinen Inszenierungen, die ich gesehen habe, verschmelzen Performer und Schauspieler und werden somit zu einer Figur. Und das ist eine Richtung, die mich momentan weniger interessiert, weil ich gerne mit den Schauspielern zusammen Figuren entwickeln möchte.

Schauspieler reizt es unterschiedliche Charaktere auszuprobieren

Ich denke, dass ist auch der Reiz, warum man Schauspieler wird, weil man einmal einen König und einmal einen Bettler spielen kann und nicht unbedingt sich selbst. Deswegen lasse ich die Schauspieler in den Proben viel improvisieren, damit sie sich besser in die Figuren hinein leben können, in dem sie sich mit der Figur auseinandersetzen und somit selber eine Figur schaffen, die ihnen verwandt ist.

FG: In dieser Inszenierung arbeitest Du wieder mit der Bühnen- und Kostümbildnerin Elisabeth Weiss zusammen. Neben eurer engen Zusammenarbeit, die schon seit mehreren Jahren besteht, verbindet euch noch „Epik Hotel“. Vielleicht könntest Du mir etwas über eure Zusammenarbeit erzählen. Und natürlich bin ich ganz neugierig, was „Epik Hotel“ ist.

Catherine: Unsere erste Zusammenarbeit war das studentisches Projekt „Geschichten aus dem Wiener Wald“, welches ich in Frankreich, also in Elsass, wo ich herkomme, inszeniert habe. Elisabeth kam direkt mit einem Bühnenkonzept, das man ganz praktisch umsetzen konnte, was für mich sehr wichtig ist, weil man in Frankreich sehr viel tourt und alles selber schaffen muss. Mit ihr kann ich über ein Stück reden, ein Bühnenkonzept entwerfen und ganz konkret umsetzen.

Die Umsetzung von Theorie in Praxis, ist immer meine größte Sorge, weil man viel über Theoretisches sprechen kann, aber es immer auf die konkrete Praxis ankommt. Etwas später hatten wir noch ein größeres Projekt „Don Juan“, wo wir uns näher kennengelernt haben und daraus hat sich unsere Partnerschaft entwickelt. Elisabeth schafft es immer aufs Neue mich mit einem anderen Imaginationsfeld zu überraschen. Nach meinem Diplom habe ich mir schließlich die Frage gestellt, warte ich auf eine Antwort vom Stadttheater, um eine Inszenierung zu machen oder inszeniere ich. Zu der Zeit hatte ich Elisabeth und eine tolle französische Schauspielklasse, die ich während meines Auslandssemesters in Ècole Supérieure dÀrt Dramatique du Théâtre National de Strasbourg kennengelernt habe.

Nach ihrem Diplom hat die Französin Umbdenstock die Compagnie „Epik Hotel“ gegründet

Ich habe mich so gut mit dem Jahrgang verstanden, dass wir uns versprochen hatten, etwas gemeinsam zu produzieren. Schließlich haben wir zusammen den deutschen Text von Peter Licht „Der Geizige“, der sich von Molière hat inspirieren lassen, inszeniert. Dafür haben wir den Text ins Französische übersetzt, was in Frankreich für Aufsehen gesorgt hat, weil die Franzosen an textgetreuen Stücken gewöhnt sind, aber wir haben alle erreicht. Die konservativen Leute waren etwas überrascht, weil sie erwartet hatten Molière zu sehen (lacht).

FG: Und das war der Punkt an dem ihr die Compagnie „Epik Hotel“ gegründet habt?

Catherine: Ganz genau. Ich bin die künstlerische Leiterin der Compagnie und fühle mich als Regisseurin, sozusagen als Leaderin der Truppe, die aber ohne die Mitarbeiter nicht klarkommen würde. Ich arbeite aber nicht ausschließlich mit diesen oder jenen Schauspieler zusammen, sondern ich fühle mich frei einen Pool von Künstlern einzuladen. Bei unseren momentanen Projekt „Radio Paradise“ nach R. W. Fassbinder haben wir zwei ältere Schauspieler mit dazugenommen, die nicht in dem „Geizigen“ mitgespielt haben.

Ich bezeichne „Epik Hotel“ auch eher als Ensemble. Also eine Leitung, die einen festen Kern von Künstlern besitzt, aber immer noch Gäste dazuholt. Und für mich fällt auch die Arbeit hier in Moers unter dem Ensemble „Epik Hotel“, weil ich hier mit Elisabeth und der Schauspielerin Maresa Lühle zusammenarbeite. Maresa habe ich für die Inszenierung „Im Ausnahmezustand“ mit nach Moers geholt. Wir haben uns in Wuppertal kennengelernt. Ich arbeite meist mit Menschen mit denen ich eine besondere Verbindung herstellen will und mit denen ich auch in Zukunft weiter zusammen zu arbeiten möchte.

FG: „Epik Hotel“ hat jetzt schon mehrere Inszenierungen hinter sich, wie „Der Geizige“, „Don Juan“ und nun bald Falk Richters „Im Ausnahmezustand“. Verfolgt das Ensemble „Epik Hotel“ eine bestimmte Richtung beziehungsweise habt ihr ein bestimmtes Interessengebiet mit dem ihr euch immer wieder auseinandersetzt?

„Soziale Dramen sind mir wichtig“ – Catherine Umbdenstock

Catherine: Ja, auf jeden Fall. Erst einmal ist die Beziehung zwischen Deutschland und Frankreich ein wichtiges Thema, weil die Deutsch-französische Beziehung in meiner Heimat Elsass immer noch umstritten ist. Es werden noch immer viele Klischees an Generationen weitergegeben. Als ich meiner Großmutter, die den zweiten Weltkrieg mitbekommen hat, von meinem Umzug nach Berlin erzählt habe, meinte sie: „Pass gut auf Dich auf!“. Ich fühle mich zu beiden Ländern hingezogen, weswegen ich abwechselnd in Frankreich und Deutschland inszeniere.

Dann sind mir die Klassiker und die sozialen Dramen wichtig. Ich finde, dass in den Klassikern, vor allem in Molière noch ganz viel Leben drin steckt und dort meist das Politische unter der Maske der Komödie auftritt. Politik mit Unterhaltung verkoppeln, das ist mein Ding!

Den sozialen Dramen fühle ich mich verbunden, weil die Autoren – vor allem mag ich sehr die bayrischen Autoren, wie Fassbinder und Achtenbusch – von einer sehr provinziellen und eng denkenden Gesellschaft kommen. Ich bin auch auf dem Dorf aufgewachsen und mit der Beschäftigung der Autoren fällt es mir leichter über Erlebtes zu sprechen, wie sehr man sich die Freiheit gewünscht hat und Theater ein Ausweg sein kann. Unser Ensemble „Epik Hotel“ besetzt auch häufig die männlichen Rollen mit Frauen.

Ein Problem bei den Klassikern ist, dass sie meist von Männern geschrieben wurden und dadurch die Hauptrollen häufig männlich sind. Das Problem der männlichen Dominanz im Theater kann man auch sehr gut im deutschen Ensemble sehen, weil hier viel mehr Schauspieler ausgebildet werden als Schauspielerinnen, auch an der Ernst Busch ist dies so. Das liegt hauptsächlich daran, dass keine Rollen für Frauen da sein. Das kann ich als Regisseurin natürlich nicht unterstützen (lacht).

Frauen sollten in Klassikern auch männliche Rollen spielen

Es ist ganz wichtig, dass man einen anderen Blick auf die Klassiker bekommt und dadurch einen anderen Blick auf die Frau. Natürlich kann eine Frau heute eine Revolutionärin spielen, warum nicht?! Deswegen besetze ich klassische Texte mit mehr Darstellerinnen.

In „der Geizige“ habe ich zum Beispiel eine männliche Rolle, die des Valère in eine weibliche Rolle Vali umgeschrieben. Vali ist in Èlise verliebt gewesen. Damit wollte ich aufzeigen, wie vielfältig, dass heutige Frauenbild sein muss. Auch „im Ausnahmezustand“ ist die Figur der Frau eine Hausfrau und es ist im Stück ein Problem, wenn der Mann seine Arbeit verliert. Natürlich ist diese Rollenzuschreibung immer noch weit verbreitet, aber so ein Frauenbild möchte ich ungern zeigen. Es muss mal Schluss sein mit Frauenklischees und das muss auch mal sichtbar werden und ich denke Theater ist ein guter Platz dafür. Deswegen haben wir die Figur der Frau in eine berufstätig Frau umgeschrieben und Maresa, die die Frau in dem Stück spielt, trägt auch keine Röcke mehr, weil ich es so peinlich finde, die Frauenrollen in Röcken oder Kleidern zu kostümieren. In meinen Ensemble habe ich auch mehr Darstellerinnen, dies ist aber eher Zufall.

FG: Das Interesse Frauen wider den herrschenden Klischees darzustellen, also als Menschen, die starke Persönlichkeiten besitzen und genauso wie Männer, zur Arbeit gehen, gute Jobs haben und eigenes unabhängiges Leben führen. Ist das ein Thema, welches Dich selber im Männer dominierenden Regieberuf oft gegenübersteht?

Catherine: Natürlich, als ich an die Ernst Busch gekommen bin, waren nur drei Frauen in meiner Klasse. Und man muss sich in diesem Beruf permanent durchsetzten. Anfangs hatte ich das Gefühl, dass es nicht selbstverständlich ist, dass eine Frau Regie führt. Deshalb war meine erste Strategie eine autoritäre Spielweise, aber ich habe gemerkt, dass dies nicht meine Art ist. Das bin ich nicht, auch nicht als Mensch.

Ist eine Frauenquote am Theater ein Thema?

FG: Gibt es an den Theatern eigentlich eine Frauenquote?

Catherine: Wenn man sich die Spielpläne von Theatern anschaut, die von Frauen geleitet werden, kann man deutlich einen höheren Frauenanteil im Spielplan erkennen, so wie es bei Karin Baier der Fall ist. Aber man braucht wirklich Leute, die sich engagieren und demonstrieren, dass es selbstverständlich wird.

FG: Liebe Catherine vielen lieben Dank für das nette Gespräch und ich freue mich auf „Im Aufnahmezustand“, welches am 6. November um 19.30 Uhr seine Premiere in der Kapelle des Schloßtheaters Moers feiert. Karten gibt’s unter: http://www.schlosstheater-moers.de/?produktion=im-ausnahmezustand